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EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL OSNABRUECK 2010

CONTENT Imprint Words of Welcome Filmfestspezial Film- & Videokommission 2010

INTERNATIONAL SELECTION Rip: A Remix Manifesto Mash Up - Once or Never Utopian Landscapes Silent Politics What is... Media Art Materia Luminosa Erie Lines and Traces Tracing Memories From Different Perspectives We Don't Care About Music Anyway The Emperor's New Clothes Decay And Erosion Adieu Mon General Illusions + Other Truths Oral Hypnosis Missing Links Mash Up - Holly Goes Wood 3-D Special Treasure Island Mark Doubles and Look-Alikes Travalogues Daydreams and Nightmares Die Pop-Parade Flashes of Memory Let Each One Go Where He May

SPECIAL PROGRAMS Videoformes Clermont Ferrand Cinetrans: European Media Art Festival Cinetrans: Amsterdam Film Experience Cinetrans: L'alternativa Barcelona Presents Cinetrans: Signes de Nuit Paris presents Cinetrans: Cork Film Festival Presents Der Reisende Festivalzirkus

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI

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MEDIA CAMPUS

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Mosaik / Mosaic Passion Of Mind Family Affairs Constructed Nature Raum-Zeit-Anomalien Minds Gone Astray Akademie für Bildende Künste Mainz Fachhochschule Mainz Fachhochschule Dortmund FB Design Exhibition Sound Reflections Exhibition Living Entities

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JUGENDMEDIENPROJEKTE/YOUTH PROJECTS lokal-global – Die Lebenswelt der Jugendlichen Medienwerkstatt der Generationen

PERFORMANCES Synchronator Videoloopmachine Volker Winck Quartett Feierabend

EXHIBITION MASH UP AND MORE The Table Turning Dies ist keine Übung Cadavre Exquises Vivantes Starry Starry Night LightHouse Greenhouse Tri-ger Music From The Masses Frontiers. Ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt Neophonie default to public – tweetleak / tweetscreen The 52 Card Psycho The Bir(d)th, a.k.a. die schudas reloaded, ich laß die Betten runter Wie ich lernte, den Grossen Augenblick der Erkenntnis durch ein schlichtes ›ach so!‹ aufzuwerten Ornament Warden Sprites Proximity (Bubble Version) An-archic device The Grand Defender Two Dogs Watching

CONGRESS Creative Comments The Mash Up phenomenon Movies meet Games – Konvergenz und Divergenz klassischer und Neuer Medien Frontiers. Ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt Die Fähigkeit Zu Hören - Performance Lecture guitar heroes und misheard lyrics WJ-S Kurt Schwitters - Leben und Werk Netzkonzepte der Zukunft / Web concepts of the future Nova-Kino: Die Geschichte der filmischen Agit-Prop Do It, but do it again! - Künstlerstrategien für das Web 2.0 Mediaartbase.de From the Archives: European Media Art Festival Videopoetry Normal Behaviour Political Correctness Gefundene Geschichten

REGISTER List of Titles List of Authors List of Distributors

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IMPRINT ORGANISATION

SCHIRMHERR

Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V., Osnabrück Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert, Ralf Sausmikat Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl: Tasja Langenbach, Katrin Mundt, Ralf Sausmikat, Hospitant Philipp Czogalla Jury des Verband der Deutschen Filmkritik: Claus Löser, Ingo Petzke, Hans-Jürgen Tast Jury des EMAF Award und des Live2011 Grand Prix EMAF Award: Marina Kozul, Mark Boswell, n. n. Jury des Dialog Preises des Auswärtigen Amtes: Marina Kozul, Mark Boswell, Max Maldacker (Auswärtiges Amt) Kongress: Alfred Rotert, Hermann Nöring Ausstellung: Hermann Nöring Performances: Alfred Rotert Retrospektiven: Ralf Sausmikat Media Campus: Michaela Zysik (Koordination), Sina Boldt, Dessirie Böhnke, Kilian Küffner, Natascha Kurek, Nele Marx, Lea Saland, Sebastian Weide, Swana Wilken Ausstellungsführungen: Jan Giebel, Lennart Krauss, Markus Miller, Oliver Mönter, Anna Nezel, Bastian Ott, Jan B. Ratzmann (Koordination), Bastian Schröder, Sabrina Schütze, Antje Spreckelmeier, Christine Tebbe, Ellen Tesch Presse- und Öffentlichkeitsarbeit, Werbung: Karoline Kraut (Leitung), Corinna Laumeyer Finanz- und Hotel-Organisation: Andrea Gehling Disposition Film/Video: Gunther Westrup Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup, Ralf Sausmikat Recherche: Katharina Lohmeyer, Tobias Sunderdiek Feierabend und Performance-Organisation: Holger Schwetter, Mario Schoo Technik: Thorsten Alich, Christian Löwrick, Michael Rosbeck, Hans-Jürgen Thünemann, Reinhard Westendorf, Gunther Westrup Schülertag und Jugendmedienprojekt lokal-global: Karoline Kraut Digitalisierung Videobar: Jurek Schönemann Lektorat: Uschi Gröters Übersetzungen: Europäisches Übersetzungsteam, Osnabrück, Teresa Gehrs Fotografinnen: Angela von Brill, Kerstin Hehmann Festival-Trailer: Thorsten Alich, Ralf Sausmikat Webdesign und Programmierung: Stefan Hestermeyer Grafische Gestaltung: Holger Risse, Köln Satz: www.dieter-lindemann.de Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück

Schirmherr des European Media Art Festivals 2010 ist der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen Herr Christian Wulff

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FÖRDERER FUNDED BY nordmedia Fonds GmbH, Hannover Stadt Osnabrück Europäischer Fonds für regionale Entwicklung (EFRE) Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin Auswärtiges Amt, Berlin European Commission, Brüssel Kulturstiftung des Bundes, Halle Kulturstiftung der Länder, Berlin Botschaft von Kanada, Berlin

IMPRESSUM Herausgeber: Alfred Rotert, Hermann Nöring, Ralf Sausmikat European Media Art Festival Lohstraße 45a D-49074 Osnabrück Tel. ++49(0)541/21658 Fax ++49(0)541/28327 [email protected] www.emaf.de isbn: 978-3-926501-32-5

KOOPERATIONSPARTNER COOPERATION-PARTNERS Akademie für Bildende Künste, Mainz ARGOS arts, Brüssel Arte, Strassburg Autour de Minuit, Paris AV-arkki, Helsinki Canadian Filmmakers Distribution Centre, Toronto Cinema Arthouse, Osnabrück Contour, Mechelen Cybob comunications, Osnabrück EyeSteelFilm, Montréal Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück Fachhochschule Dortmund / FB Design Fachhochschule Mainz / Kommunikationsdesign Film & Medienbüro Niedersachsen e.V., Osnabrück Filmbank, Amsterdam Filmtheater Hasetor, Osnabrück Five Elements, Osnabrück Freunde der Kunsthalle Dominikanerkirche e.V. Galerie écart, Osnabrück Glanz & Gloria, Osnabrück Goethe Institut, München Haus der Jugend, Osnabrück IMAI, Düsseldorf Kunsthochschule für Medien, Köln Lagerhalle e.V., Osnabrück Literaturbüro West-Niedersachsen Live2011.com, Turku LUX, London Musik- & Kunstschule Osnabrück Netherlands Media Art Institute, Amsterdam RUHR.2010 GmbH sixpackfilm, Wien Stadt Osnabrück Stadtbibliothek Osnabrück Universal Pictures International Germany GmbH Universität für angewandte Kunst, Wien Universität Osnabrück Video Data Bank, Chicago Videoformes, Clermont-Ferrand Vidéographe Distribution, Montréal Winnipeg Film Group, Canada Zimmertheater, Osnabrück

Gefördert im KUR Programm zur Konservierung und Restaurierung von mobilem Kulturgut.

Medienpartner:

BESONDERER DANK AN SPECIAL THANKS TO Anna Maria Salamone Consoli, Joachim Groneberg, Britta Habuch, Paulo Dermatosi, Jarmo Röksä, Kristian Eppert, Dagmar von Kathen, Christian Saßnik, Martina Scholz, Valérie Schwindt-Kleveman, Aldo Tambellini, Reinhard Westendorf.

Kulturpartner:

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WORD OF WELCOME

GRUSSWORT DER

nordmedia

Das European Media Art Festival Osnabrück (EMAF) zählt zu den ambitioniertesten deutschen Kulturveranstaltungen im Medienbereich: Bereits zum 23. Mal bietet es ein nicht nur in Fachkreisen vielbeachtetes Forum für die neuesten Entwicklungen der internationalen Medienkunst. Ein Blick in das diesjährige Programm zeigt, dass das Motto ›Mash Up‹ besonders treffend ist, denn den Organisatoren ist es gelungen, ein herausragendes Programmangebot voller spannender Facetten der aktuellen Medienkunst zu komponieren, bei dem kaum ein Aspekt unserer multimedial geprägten Kultur unberücksichtigt bleibt. So gelingt es dem EMAF ›to mash up‹. Relevante und frische Positionen zeitgenössischer Medienkunst werden hier zu einem herausragenden Festival vereint. Das EMAF bringt fünf Tage lang ein internationales Programmangebot nach Osnabrück. Die Stadt wird dadurch alljährlich zum globalen Forum der Präsentation und Kommunikation für Künstlerinnen und Künstler. Über 2100 Filme, Videos und Installationen wurden in diesem Jahr aus über 60 Ländern eingesandt: Neben zahlreichen Einreichungen aus Deutschland, den USA und Großbritannien sind auch Beiträge aus Australien, Kanada, Mexiko, Argentinien, Russland, Tschechien, Südkorea, Afghanistan, den Arabischen Emiraten und Palästina mit dabei. Deutschlandweit kooperiert das EMAF darüber hinaus in diesem Jahr mit dem Programm der Kulturhauptstadt RUHR.2010 und erarbeitet gemeinsam mit dem documenta-Archiv in Kassel und dem ZKM Karlsruhe im Projekt MEDIA ART BASE bis 2011 eine Online-Datenbank zur Archivierung wichtiger Arbeiten der internationalen Medienkunst . Das Spektrum der Festivalbeiträge ist vielfältig. Gezeigt wird alljährlich eine internationale Auswahl experimenteller Film- und Videoproduktionen, die häufig erstmals in Deutschland zu sehen sind. Aus der Vielzahl der eingereichten Arbeiten hat es auch der von der nordmedia geförderte Kurzfilm BEINE BRECHEN von Florian Krautkrämer, mit Lars Rudolph in der Hauptrolle, in das Festivalprogramm geschafft. Der in Hannover gedrehte Film erhielt bereits das Prädikat ›besonders wertvoll‹ und erlebt in Osnabrück seine Welturaufführung. Das European Media Art Festival wird auch in 2010 maßgeblich durch Fördermittel der nordmedia, der Mediengesellschaft der Länder Niedersachsen und Bremen, unterstützt. Darüber hinaus stehen in diesem Jahr wieder zusätzliche Mittel aus dem Europäischen Fonds für regionale Entwicklung (EFRE) zur Verfügung, die über die nordmedia zur Stärkung der Film- und audiovisuellen Medienwirtschaft in Niedersachsen vergeben werden. Mit den EFRE-Mitteln fördern wir das o.g. MEDIA ART BASE Archivprojekt ebenso wie den Media Campus 2010 des EMAF - den Treffpunkt junger Talente der europäischen Kunsthochschulen, bei dem eine eigene Ausstellung sowie Vorführungen und Vorträge präsentiert werden. Als Mediengesellschaft der Länder Niedersachsen und Bremen und langjähriger Förderer des Festivals, sind wir stolz, dass dieses innovative Medienkunstfestival bei uns in Niedersachsen beheimatet ist und sich einer großen internationalen Ausstrahlungskraft, Akzeptanz und Resonanz erfreut. Vor diesem Hintergrund wünschen wir der 23. Ausgabe des EMAF einen hervorragenden Verlauf und seinen Gästen und Besuchern viele interessante mediale Entdeckungen.

Thomas Schäffer Geschäftsführer der nordmedia

Jochen Coldewey Geschäftsbereichsleiter Förderung und Standort

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The European Media Art Festival Osnabrück (EMAF) is one of Germany’s most ambitious cultural events in the media context: for the 23rd time it offers not only experts a highly regarded forum to present the latest developments in international Media Art. A look at this year's programme is enough to see that the motto ›Mash Up‹ fits perfectly – the organisers have managed to compile an excellent range of programmes, full of the fascinating facets of current Media Art, leaving virtually no stone in our multimedia-influenced culture unturned. Which is how the EMAF manages ›to mash up.‹ Relevant and new positions of contemporary Media Art come together here to create an outstanding festival. For five days, the EMAF transports an international range of programmes to Osnabrück. Year after year, the city is transformed into a global forum of presentation and communication for artists. More than 2100 films, videos and installations were sent in this year from over 60 countries: in addition to numerous entries from Germany, the USA and Great Britain, contributions were also received from Australia, Canada, Mexico, Argentina, Russia, Czech Republic, South Korea, Afghanistan, the Arab Emirates and Palestine. This year, the EMAF is also cooperating with the programme of the European Capital of Culture RUHR.2010. In collaboration with the documenta archives in Kassel and the Centre for Art and Media Karlsruhe, it is also creating an online database within the MEDIA ART BASE project to archive important works of international Media Art. The project will be completed by 2011. The contributions to the festival are extremely varied. Every year, an international selection of experimental film and video productions are screened, often for the first time in Germany. The short film BEINE BRECHEN by Florian Krautkrämer, starring Lars Rudolph and funded by nordmedia, was one of the works selected for the festival programme. The film, shot in Hanover, has already been awarded a distinction, and will celebrate its world premiere in Osnabrück. In 2010, the European Media Art Festival will again receive major funding from nordmedia, the media company of the Federal States of Lower Saxony and Bremen. Additional funding is provided this year by the European Regional Development Fund (EFRE), awarded through nordmedia to strengthen the film and audiovisual media sector in Lower Saxony. We use EFRE funding to finance the MEDIA ART BASE archiving project mentioned above, as well as the EMAF’s Media Campus 2010 – the meeting point for young talented artists from European art academies, offering an exhibition, presentations and lectures. As a media company of the Federal States of Lower Saxony and Bremen, and a long-term sponsor of the festival, we are proud of the fact that this innovative media art festival takes place in our home state of Lower Saxony, and that it enjoys such wide international acclaim, acceptance and response. Against this backdrop, we wish the 23rd European Media Art Festival great success, and trust that its guests and visitors will make lots of interesting media discoveries.

Thomas Schäffer Director of nordmedia

Jochen Coldewey Head of Funding and Location

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WORD OF WELCOME

GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT OSNABRÜCK Das 23. European Media Art Festival (EMAF) zeigt auch in diesem Jahr wieder Produktionen international bekannter Medienkünstler. Das Festival zählt zu den bedeutendsten Foren der internationalen Medienkunst. Als Treffpunkt für Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und Fachpublikum hat es Thematik und Ästhetik der medialen Kunst entscheidend mitgeprägt. Jährlich bietet das Festival einen aktuellen Überblick mit neuen Experimentalfilmen, Performances, Vorträgen, der Ausstellung und dem Media Campus. Aus 2200 eingereichten Arbeiten wurden in diesem Jahr rund 220 aktuelle Beiträge für das Festival ausgewählt, die einen umfassenden Einblick in die aktuellen Tendenzen der Medienkunst bieten. Während des Festivals wird der ›EMAF-Award‹ für eine richtungweisende Arbeit in der Medienkunst und der ›Dialogpreis‹ des Auswärtigen Amtes zur Förderung des interkulturellen Austausches sowie der Event Award der Kulturhauptstadt Turku von einer internationalen Jury vergeben. Zudem verleiht die Jury des Bundesverbandes der Filmjournalisten den Preis für den besten deutschen Experimentalfilm des Jahres. In der Ausstellung des 23. European Media Art Festivals werden aktuelle Arbeiten internationaler Medienkünstler gezeigt und neben Mixed-Media-Skulpturen auch Werke zum Festivalthema ›Mash Up‹ sowie Arbeiten im öffentlichen Raum präsentiert. Besonders spannend : die Installation ›Lighthouse‹ auf dem Rathaus Markt. In den Filmprogrammen des Festivals sind vermehrt dokumentarische Arbeiten vertreten, in denen sozialkritische, politische und historische, aber auch tagesaktuelle Zusammenhänge thematisiert werden. Namhafte Referenten stellen außerdem aktuelle Projekte im Kongress des Festivals vor. Mit dem Media Campus bietet das Festival ein Forum für die Förderung von Studierenden aus dem Hochschulbereich und erfüllt damit auch eine bedeutende Aufgabe für die Gestaltung zukünftiger Entwicklungen in Kunst und Kultur. Besonders freut mich, dass in diesem Jahr Kooperationen mit der Kulturhauptstadt Ruhr 2010 und mit der Kulturhauptstadt Turku 2011 in Finnland vereinbart werden konnten, die den Stellenwert des Festival in der nationalen und internationalen Kulturlandschaft fördern . Die Kooperationen und Programme des Festivals werden gewiss wieder viele neue Besucher nach Osnabrück locken. Das EMAF ist somit auch ein bedeutender Beitrag für das Profil der Friedens- und Kulturstadt Osnabrück, und wirkt über seine Grenzen hinaus. Dem Ministerpräsidenten des Landes Niedersachsen und Schirmherrn des Festivals, Herrn Christian Wulff, und den Förderern des Festivals möchte ich für ihre Unterstützung herzlich danken. Den Veranstaltern des EMAF wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern spannende Programme und den auswärtigen Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in unserer Stadt.

Boris Pistorius Oberbürgermeister

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WORD OF WELCOME BY THE LORD MAYOR OF THE CITY OF OSNABRUECK Productions by internationally renowned media artists will again be shown this year at the 23rd European Media Art Festival (EMAF). This festival is one of the most important forums of international Media Art. As a meeting point for artists, curators, lenders, gallery owners and an audience of specialists, the festival has had a great impact on the theme and aesthetics of Media Art. Each year, the festival offers its visitors an up-to-date overview of new experimental films, performances, lectures, an exhibition and the Media Campus. Around 220 current contributions were selected this year for the festival from a total of 2200 submitted works, offering a comprehensive insight into the latest tendencies in Media Art. At the festival, an international jury will present the ›EMAF Award‹ for a trend-setting work in Media Art, the ›Dialogpreis‹ of the German Ministry of Foreign Affairs for the promotion of intercultural exchange, and the Event Award of the European Capital of Culture, Turku. In addition, the jury of the German Federal Association of Film Journalists will award the prize for the best German experimental film of the year. The exhibition at the 23rd European Media Art Festival will present not only the latest works by international media artists, but also mixed-media sculptures, oeuvres on this year's festival theme ›mash up‹ and works in public spaces. Especially exciting: the installation entitled ›Lighthouse‹ at the town hall/market place. A greater number of documentary works are represented in the festival's film programmes this year, in which socially critical, political and historical, as well as current issues are explored. Well-known speakers will also introduce current projects at the festival's Congress. At the Media Campus, the festival offers a forum to promote students from the university sector, fulfilling a major task with regard to shaping future developments in art and culture. I’m especially delighted that cooperative agreements were entered into this year with the European Capital of Culture Ruhr 2010 and the European Capital of Culture Turku 2011 in Finland, enhancing the importance of the festival in the national and international cultural landscape. These cooperative endeavours and the programmes of the festival will inevitably attract many new visitors to Osnabrück again. The EMAF therefore also makes a significant contribution to the profile of Osnabrück – the City of Peace and Culture – making an impact beyond its boundaries. I would very much like to thank the First Minister of the Federal State of Lower Saxony and patron of the festival, Mr. Christian Wulff, as well as the festival’s sponsors for their support. I wish the organisers of the EMAF success; may the visitors enjoy the exciting programmes and may our guests have a pleasant, eventful stay in our city.

Boris Pistorius The Lord Mayor

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FOREWORD

WILLKOMMEN! Entdecken Sie auf dem 23. European Media Art Festival aktuelle Produktionen internationaler Medienkünstler und junge, innovative Werke aus den Akademien. Aus rund 2200 Einreichungen weltweit wurden in diesem Jahr in allen Sektionen 220 aktuelle Beiträge ausgewählt. Im Mittelpunkt des diesjährigen Festivals stehen ›Mash Up‹-Arbeiten: Durch die Collage und Vermischung vorhandener Medienbilder erreichen die Künstler überraschende Interpretationen der Medienwirklichkeit. Das Spiel mit dem Remix und damit mit Zitaten und Referenzen hat sich zum asthetischen, satirischen und subversiven Stilmittel entwickelt. Es spiegelt sich wieder im Filmprogramm, im Kongress, in der Ausstellung, in den Performances und im Media Campus. Im Bereich Cinema werden etwa 170 Kurz- und Langfilme, Musikvideos sowie Sonderprogramme gezeigt. Ein besonderer Leckerbissen: aktuelle Kurzfilme in 3D von Kerry Laitala und historische 3D-Filme von Jack Arnold aus den 1950er Jahren. Die Retrospektive ist in diesem Jahr dem Filmemacher, Videopionier, Multimedia-Künstler, Poet und Musiker Aldo Tambellini aus den USA gewidmet. Außerdem wird aus Anlass des 30jahrigen Bestehens des Experimentalfilmworkshops eine Auswahl aus dem Archiv präsentiert. In der Konferenz des Festivals zeigen und diskutieren namhafte Referenten aktuelle Projekte zum Thema des Festivals. In der Ausstellung erfinden Found- Footage-Kunstler neue Geschichten aus alten Filmen oder schaffen nach der Methode der Surrealisten Videoportraits. Als Performances werden ›Synchronator‹ und ›Videoloopmashine‹ gezeigt. Auch im öffentlichen Raum der Stadt sind installative Arbeiten zu sehen. Der Aktionskünstler Heiko Beck präsentiert Texte an Eisenbahnbrücken und auf der Stadtbibliothek. Auf dem Marktplatz ist die Lichtinstallation LightHouse des Malers Luc Coeckelberghs intensiv zu erfahren. Wir freuen uns, dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, Christian Wulff, wieder die Schirmherrschaft für das Festival übernommen hat. Außerdem bedanken wir uns bei der nordmedia, der Stadt Osnabrück und allen weiteren Förderern und Sponsoren des Festivals. Während der fünf Tage des Festivals und der fünfwöchigen Ausstellung wird Osnabrück wieder ein lebendiger Treffpunkt für internationale Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und eine interessierte Öffentlichkeit. Lassen Sie sich überraschen von den vielfältigen, spannungsreichen Werken und tauchen sie ein, in die Welt des Mash Up. Das Festivalteam

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WELCOME! At the 23rd European Media Art Festival, you can discover current productions by international media artists and innovative works by young artists from the academies. The current festival’s edition, around 220 current contributions have been selected from around 2200 submitted works. This year’s festival focuses on Mash Up work: by using collage and remixing available media images, artists create surprising reinterpretations of media reality. Playing around with re-mix, and hence with quotes and references, has developed into an aesthetic, satirical and subversive stylistic device. This is reflected in the film programme, congress, exhibition, performances and Media Campus. Around 170 short and long films, music videos and special programmes will be screened in the Cinema domain. A special highlight: the latest 3D shorts by Kerry Laitala and historic 3D films by Jack Arnold from the 1950s will be shown. This year’s retrospective is dedicated to the filmmaker, video pioneer, multimedia artist, poet and musician Aldo Tambellini, from the USA. In addition, to mark the 30th anniversary of the Experimentalfilm workshop, a selection of films will be presented from the archives. At the festival’s own conference, well-known speakers will show and discuss current projects based around the theme of the festival. In the exhibition, found-footage artists invent new stories from old films or create video portraits following the surrealists’ method. The performances ›Synchronator‹ and ›Videoloopmashine‹ will be presented. Installation works will also be visible in the public space of the city. The action artist Heiko Beck presents texts on railway bridges and the municipal library. Viewers can also experience the intense effect of the light installation LightHouse by the painter Luc Coeckelberghs. We are delighted that the festival is again under the patronage of the First Minister of the Federal State of Lower Saxony, Christian Wulff. We would also like to thank nordmedia, the City of Osnabruck, and all other promoters and sponsors of the festival. During the five-day festival and the fiveweek exhibition, Osnabrück will once again be transformed into a lively meeting place for international artists, curators, lenders and gallery owners, as well as an interested audience. Be amazed by the diverse, gripping works, and delve into the world of Mash Up. The Festival Team

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›FILMFESTSPEZIAL‹ BERICHTET VOM EMAF

Das European Media Art Festival steht im Fokus einer 90-minütigen TV-Sendung. Vorgestellt werden alle Bereiche des Festivals. In Gesprächen mit Filmemachern, Künstlern und Referenten wird FilmFestSpezial die Highlights und Besonderheiten des EMAF einfangen. Filmausschnitte, Reportagen über die Ausstellung, Berichte vom Kongress, Besuche bei Performances, die Preisverleihung und die EMAF-Partys werden ein vielseitiges Bild des Festivals auf die Bildschirme der übertragenden Sender liefern. ›FilmFestSpezial-EMAF 2010‹ wird bereits am 29. April 2010 bei den folgenden Bürger-TVSendern ausgestrahlt und ist bei den meisten Sendern auch als livestream im Internet zu sehen: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, OK Kiel und OK Kassel . Die EMAF-Sendung wird auch bei Tide-TV in Hamburg, rok-tv Rostock und beim OK Flensburg zu sehen sein. Weitere Infos und aktuelle Sendetermine: www.filmfestspezial.de ÆFotos FilmFestSpezial beim EMAF 2009: Kerstin Hehmann Foto 1 Bao Mengte, Filmstudent aus Taipei, Antje Goltermann vom Media Campus des EMAF und Moderatorin Ruth Strunk Foto 2 Gerd Gockell, Ralf Sausmikat, Moderator Siegfried Tesche und Paul Winkler, Filmemacher aus Australien FilmFestSpezial reports about the EMAF Once again this year there will be a 90-minute TV programme on the European Media Art Festival (EMAF). All areas of the festival will be presented by guests and in film excerpts. To be able to capture the diversity of the EMAF, it is planned to broadcast coverage from the various settings. ›FilmFestSpezial‹ will be broadcast on 29 April 2010 by the following citizens TV channels. It can also be viewed on the web as livestream on most channels: h1 Hannover, oeins, Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, OK Kiel and OK Kassel. The programme on the EMAF can also be viewed on Tide-TV in Hamburg, rok-tv Rostock and OK Flensburg. For more information and the current broadcast dates see: www.filmfestspezial.de ÆPhotos FilmFestSpezial at the EMAF 2009: Kerstin Hehmann Photo 1 Bao Mengte, student of Film from Taipei, Antje Goltermann from the Media Campus of the EMAF and presenter Ruth Strunk Photo 2 Gerd Gockell, Ralf Sausmikat, presenter Siegfried Tesche and Paul Winkler, Australian filmmaker

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FILM- & VIDEOKOMMISSION 2010 Tasja Langenbach, *1977. Studium der Kunstgeschichte und Kulturwissenschaften in Erlangen, Leipzig und Barcelona. Seit 2005 freie Ausstellungs- und Projektarbeit u.a. für Galerie Anita Beckers, Frankfurt, Videonale Bonn, SoundTrack_Cologne. Tasja Langenbach, *1977. Studied art history and cultural sciences in Erlangen, Leipzig and Barcelona. Has been carrying out freelance exhibition and project work for Gallery Anita Beckers, Frankfurt, Videonale Bonn and SoundTrack_Cologne, amongst others, since 2004. Katrin Mundt, Freie Kuratorin und Autorin. Ausstellungen u.a.: Weder Entweder Noch Oder (2008), Landschaft (Entfernung) (2007), beide im Württembergischen Kunstverein Stuttgart. 2009 Kokuratorin von White Heat, Stuttgart. Zahlreiche Filmprogramme, u.a. für den HMKV, Dortmund, die Int. Kurzfilmtage Oberhausen, Shift Festival, Basel und Intermediæ, Madrid. Textbeiträge zuletzt in Sylvie Boisseau & Frank Westermeyer: Chinesisch von Vorteil (Bielefeld 2009), Dmitrij A. Prigov. Nekanoniceskij klassik (Moskau 2010) und Broad Day and Other Times. Films by Kevin J. Everson (Chicago 2010). Katrin Mundt, Independent curator and author. Her exhibitions include Weder Entweder Noch Oder (2008), Landschaft (Entfernung) (2007), both at the Württembergischer Kunstverein Stuttgart. 2009 co-curator of White Heat, Stuttgart. Numerous thematic film programmes for, among others, HMKV, Dortmund, the Int. Short Film Festival Oberhausen, Shift Festival, Basel, and Intermediæ, Madrid. Her texts have recently appeared in Sylvie Boisseau & Frank Westermeyer: Chinese Is A Plus (Bielefeld 2009), Dmitrij A. Prigov. Nekanoniceskij klassik (Moscow 2010) and Broad Day and Other Times. Films by Kevin J. Everson (Chicago 2010). Ralf Sausmikat, Studium der Medienwissenschaften, 1986 Abschluss M. A. 1981 Gründung des Int. Experimentalfilm Workshop e.V. als Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung verschiedener Sektionen des EMAF, Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent des Goethe-Institut München für die Programme Experimentalfilm 80er und 90er Jahre. Kurator für ›Turbulent Screen‹ ein Ausstellungs- und Kinoprojekt, für das Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg in 2003. Ralf Sausmikat, studied media sciences, graduated in 1986 with a Magister Artium. 1981 International Experimentalfilm Workshop e.V. (Founding Member). Since 1988 artistic director of EMAF for exhibitions, films, videos and retrospectives. Consultant for the Goethe-Institute Munich, for the German Experimental Film of the 80' and 90's programmes. Curator of ›Turbulent Screen‹, an exhibition and cinema project on structural approaches in film and video, for the Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg in 2003. Studentische Hospitanz: Philipp Czogalla, geb. 1986. Von 2005 bis 2010 Studium der Medienwissenschaft in Paderborn mit Abschluss Diplom. Mitarbeit bei der Organisation und Erstellung der Wanderausstellung Icons of a Border Installation – Photographic Search for Traces in Today’s Berlin in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut San Francisco mit zahlreichen Ausstellungsorten in Nordamerika. Seit 2007 verschiedene Experimental-, Dokumentar- und Kurzfilme. Student Job-Shadowing: Philipp Czogalla, born in 1986. Studied Media Science at Paderborn from 2005 to 2010, and graduated with a Diplom. Helped organise and create the touring exhibition Icons of a Border Installation Photographic Search for Traces in Today's Berlin in collaboration with San Francisco Goethe Institute, which was exhibited at numerous venues in North America. Has been making all kinds of experimental, documentary and short films since 2007.

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INTERNATIONAL SELECTION RIP: A REMIX MANIFESTO

RIP: A REMIX MANIFESTO Brett Gaylor

Das Dokumentar-Feature des Webaktivisten und Filmemachers Brett Gaylor RIP: A Remix Manifesto untersucht das Konzept des Copyright in der Epoche von Napster, Bit Torrent und anderen Peer-to-Peer Dateitauschbörsen. Giganten der Pop-Kultur wie Muddy Waters und die Rolling Stones konnten auf die Musik der Vergangenheit aufbauen, um ihre eigene Musik zu produzieren. Diese Tür schließt sich aber jetzt. RIPs Protagonist ist Gregg Gillis, der Biomedizintechniker aus Pittsburgh, der nebenberuflich als Girl Talk arbeitet, ein Künstler des Mash Up, der die DNA der Charts mit seinen wenig zusammenpassenden, komplett samplebasierten Liedern neu arrangiert. Ist Girl Talk ein Symbol für die Macht des Volkes oder der Rattenfänger der Piraterie? Die digitale Technik eröffnet eine beispiellose globale Vermarktung von Ideen. RIP untersucht die Raubritter und Revolutionäre, die dieses Neuland abstecken, während der Film sich von den Regieräumen Washingtons in die Favelas von Brasilien bewegt. Auf dem Weg interviewt Gaylor Schlüsselfiguren über die Komplexität des Begriffs ›geistiges Eigentum‹ in der digitalen Ära, darunter der Gründer von Creative Commons Lawrence Lessig, Kulturkritiker Cory Doctorow, der brasilianische Musiker und ehemalige Kultusminister Gilberto Gil und Jammie Thomas, die allein erziehende Mutter, die mit Erfolg von der Recording Industry Association of America wegen illegalem Herunterladen von Daten verklagt wurde. Der Regisseur Brett Gaylor lehnt diese Copyrights vollkommen ab: ›Das bedeutet doch, dass mein Lieblingskünstler ein Krimineller ist und man sich ihn nicht ansehen sollte, weil ich diese Lieder nicht in meinem Film verwenden darf.‹ Gaylors Berechnung der potentiellen Urhebergebühren für eines der Lieder in Girls Talk ist schockierend. Keiner könnte so viel Geld aufbringen. Mit seinem zeitgemäßen kineastischen Manifest möchte Gaylor all diejenigen unterstützen, die schon bestehende Musik verwenden, um etwas Neues zu schaffen. Die Tatsache, dass Gaylor selbst Mash Up macht - nämlich in Form dieser Dokumentation - führt zu Kommentaren wie ›Das ist fantastisch und komplett illegal!‹ Auf welcher Seite stehen Sie in diesem Krieg der Ideen?

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Web activist and filmmaker Brett Gaylor's feature documentary RIP: A Remix Manifesto explores the concept of copyright in the era of Napster, Bit Torrent and peer-to-peer file sharing. Although pop culture giants such as Muddy Waters and the Rolling Stones were able to build on past music to produce their own, the door is now closing behind them.RIP's central protagonist is Gregg Gillis, the Pittsburgh biomedical engineer who moonlights as Girl Talk, a mash-up artist rearranging the pop charts' DNA with his incongruous, entirely samplebased songs. But is Girl Talk a paragon of people power or the Pied Piper of piracy? Digital technology opens up an unprecedented global economy of ideas. RIP explores the robber barons and revolutionaries squaring off across this new frontier as the film journeys from the control rooms of Washington to the favelas of Brazil. Along the way, Gaylor interviews key figures about the complexities of intellectual property in the digital era, among them Creative Commons founder Lawrence Lessig, culture critic Cory Doctorow, Brazilian musician and former Minister of Cultural Affairs Gilberto Gil, and Jammie Thomas, the single mom successfully sued by the Recording Industry Association of America for illegal downloading. Director Brett Gaylor completely disagrees with (these) copyright laws: ›That means my favorite artist is a criminal and you should not be watching, because I'm not allowed to use these songs in my film.‹ Gaylor's calculation of what one of Girl Talk's songs would end up costing in copyright fees is shocking. No one could come up with that kind of money. With this contemporary, cinematic manifesto, Gaylor wants to stand up for everyone who uses existing music to create something new. The fact that Gaylor is making a mash-up himself -- in the form of this documentary -- exposes him to comments like ›That's fantastic, and totally illegal!‹ Which side of the ideas war are you on? Brett Gaylor, *1977, is a documentary filmmaker and new media director. He is the creator of opensourcecinema.org, a video remix community which supports the production of his feature documentary RiP: A remix manifesto. He is also the web producer of the Homeless Nation.org, a web project dedicated to bridging the digital divide - allowing everyone to participate in online culture. Brett is one of Canada’s first videobloggers and has been working with youth and media for over 10 years, and is a founding instructor of the Gulf Islands Film and Television School. ÆCDN 2008, Video, 86:00 ÆDirector, script Brett Gaylor ÆCinematography, associate director Mark Ellam ÆSound Richard Aylsworth, Kyle Stanfield, Pablo Villegas, Mila Aung-Thwin, Brett Gaylor ÆEditing Tony Asimakopoulos, Brett Gaylor ÆMusic Oliver Alary ÆProduction EyeSteelFilm in coproduction with the National Film Board of Canada ÆDistribution EyeSteelFilm ÆPhotos (1) Andrew Strasser, (2) Bridget Maniaci, (3) Kat Baulu

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INTERNATIONAL SELECTION MASH UP - ONCE OR NEVER

SLAP! THE GONDOLA

UN MERCI LOINTAIN

Marie Losier

Jean-Baptiste Lenglet

Ein Musical mit Musikern, Musen und Fischen... Auf einer riesigen Fähre spielen 2 Meerjungfrauen (Tony Conrad und Genesis P-Orridge) Geige, um die Fische aus dem Meer anzulocken, als plötzlich ein gigantischer Fisch mit 30 Tänzern im Bauch an Bord gespült wird. Die großartige Sängerin April March tritt singend aus dem Bauch des Fisches heraus. ›Was für ein Feuerwerk an Brillianz! Brilliante Farben! Brilliante Musik! Brilliante Kostüme! Brilliante Besetzung! Ich werde dieses Meisterwerk ewig lieben!‹ Guy Maddin - Nov. 2009. Musical with musicians, muses and fishes... On a giant ferry, 2 mermaids (Tony Conrad and Genesis P-Orridge) play violin to attract the fish from the sea, when suddenly a giant fish with 30 dancers in its stomach land on board. April March, the great singer appears while singing out of the fish belly. ›What a brilliant explosion of brilliance! Brilliant colors! Brilliant music! Brilliant costumes! Brilliant casting! I shall cherish this masterpiece forever!‹ Guy Maddin- Nov. 2009.

Eine Homage über den Koulechov-Effekt an die Cut-Up-Technik, wie sie von William Burroughs in Nova Express verwendet wird: Doktor Benway schlägt dort die Buschtrommel, indem er Videozellen entwickelt, die in einem surrealistischen Mechanismus angeordnet sind. Es handelt sich um eine organisierte Permutation von Gruppen, die zwischen 12 und 44 Bildern variieren. A homage via the Koulechov effect to the cut-up technique as used by William Burroughs in Nova Express: Doctor Benway plays bush telegraph there, by cultivating video cells which are arranged in a surrealist machinery. It is an organised permutation of clusters which varies between 12 and 44 images.

Marie Losier, *1972 in France, is a filmmaker and curator working in New York City. She has shown her films and videos at museums, galleries, biennials and festivals. In 2009, she was invited to The Centre George Pompidou in Paris to present her work in progress her first feature film - a portrait of the musical genius Genesis Breyer P-Orridge, and her band Psychic TV.

Jean-Baptiste Lenglet is currently working on the relation between video and sculpture at ENSBA, Paris. 2007-2008: work on Deserto Rosso of Michelangelo Antonioni. 2006-2007: work on Dog Star Man of Stan Brakhage.

ÆUSA 2009, Video, 15:00 ÆDirector, script, photography, editing Marie Losier ÆMusic April March ÆCast Tony Conrad, Genesis P-Orridge, April March ÆDistribution arsenal experimental

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ÆF 2008, 35 mm, 5:10 ÆDirector, script, editing, music Jean-Baptiste Lenglet ÆPhotography Prelinger archives ÆDistribution Jean-Baptiste Lenglet

7ATHENS 24

FEAR CHAMBER

intothepill

Christoph Draeger

Unisol untersucht und deckt auf: Falsch ausgelegte Prinzipien, verheimlichte Fehler, manipulierte Fakten, machen das Zentrum von Athen zu einem Ort des Ungleichgewichts und der Dekadenz, und lassen jeglichen Versuch zur Rettung fehlschlagen. ... Die Tatsache, dass die heutige griechische Gesellschaft von Korruption regiert wird, die sich durch alle sozialen Schichten zieht, und es nicht mal einen politischen Plan zur Abhilfe dieser Missstände gibt, lässt die Menschen vollends verzweifeln. Und das ist wahrlich eine tragische Entdeckung. Unisol investigates and reveals: the principles encroached, the mistakes concealed, the facts manipulated, bringing the centre of Athens to a state of imbalance and decadence, leading every attempt of salvation to failure. ... The fact that contemporary Greek society is ruled by corruption, penetrating all social classes, in combination with the lack of a political plan of purification, brings people to a dead end. And this is a tragic discovery.

Anhand von Szenen aus ca. 200 Filmen wird die Unterwelt im (bewusstseins-)erweiterten Sinn untersucht. ein verschlungener Horrortrip durch Höhlen, Abgründe, endlose Gänge ins Innerste des Unterbewusstseins, wo urzeitliche Ängste brodeln. Ein psychedelischer Albtraum durch die Filmgeschichte, eine Achterbahnfahrt, auf der es immer weiter abwärts geht mit der Hölle als Ziel. An investigation into the underworld using scenes from more than 200 movies: a mind-boggling horror trip through caves, abysses and endless tunnels to the dark corners of the subconscious, where primeval fear slumbers. A psychedelic nightmare through film history, a roller coaster ride that keeps spiraling downwards, final destination: hell.

Intothepill is an artists' platform the purpose of which is the development of a common ground of exchange and collaboration, the creation of networks and the research and experimentation among artists who are involved with new media. The core of the research team of intothepill is made up of Yiannis Isidorou, Lina Theodorou, Yiannis Grigoriadis, Katerina Iliopoulou. It was founded in 2006 and it publishes e-issues periodically (intothepill.net), presenting works by Greek and international artists. It has participated in festivals, and exhibitions in galleries, museums and independent spaces. ÆGR 2009, Video, 21:00 ÆRealisation intothepill team ÆDistribution intothepill

Christoph Draeger, *1965 in Zürich, Switzerland, lives and works in New York. He participated in the International Studio Program at P.S. 1 Contemporary Art Center, New York and studied at École Nationale Supérieur des Arts Visuels de la Cambre, Brussels, as well as at the School of Visual Arts, Luzerne. Draeger employs installation, drawing, sculpture, video, and photo-based media to explore issues related to disaster and mediasaturated culture. His work has been featured in solo exhibitions at The Kitchen, New York; Paço das Artes, São Paulo; and Massachusetts Museum of Contemporary Art and group exhibitions at P.S.1, New York; the Whitney Museum of American Art, New York; and KunstWerke, Berlin among others. He has participated in international festivals and biennials in Guangzhou, Havana, Valencia, Turin, and Liverpool. ÆUSA 2008, Video, 34:00 ÆDirector Christoph Draeger ÆScript, editing Christoph Draeger, Heidrun Holzfeind ÆDistribution Christoph Draeger

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INTERNATIONAL SELECTION UTOPIAN LANDSCAPES

BLACK RAIN

UTOPÍA

PERCEPTUAL SUBJECTIVITY

Ruth Jarman & Joe Gerhardt

Estela Estupinyà-Garcia

Philippe Léonard

Black Rain basiert auf Bildern, die vom Zwillingssatelliten, Solar Mission, STEREO, eingefangen wurden. Hier sehen wir die Bilddaten des HI (Heliospheric Imager) im interplanetarischen Raum auf der Spur des Sonnenwinds und CMEs (koronalen Massenauswurf) auf dem Weg zur Erde. In Zusammenarbeit mit STEREO Wissenschaftlern, sammelte Semiconductor bis heute sämtliche HI Bilddaten, wodurch die Reise der Satelliten von ihrer anfänglichen Ausrichtung bis hin zur ihrer derzeitigen Erdumrundung um die Sonne nachvollzogen werden kann. Black Rain is sourced from images collected by the twin satellite, solar mission, STEREO. Here we see the HI (Heliospheric Imager) visual data as it tracks interplanetary space for solar wind and CMEs (coronal mass ejections) heading towards Earth. Working with STEREO scientists, Semiconductor collected all the HI image data to date, revealing the journey of the satellites from their initial orientation to their current tracing of the Earth’s orbit around the Sun.

Man ist nie zufrieden mit dem, was man hat, und in seinem Streben nach Perfektion verpasst man sie. Ein Film mit Bildern aus Beständen der Wohnungsbaugesellschaft ›Neue Heimat‹, der von der Verfolgung eines Traumes von Perfektion erzählt, der sich schließlich als Utopie erweist. You are never satisfied with something you already have, and in striving for perfection you miss it. A movie with pictures from the housing society ›Neue Heimat‹, that recounts the pursuit of a dream of perfection, which becomes utopia.

Ideen nehmen in einer Gehirnmasse Gestalt an, wo den Rednern gesammelten Erfahrungen zugeteilt werden, aus denen sich verständliche Elemente bilden. PERCEPTUAL SUBJECTIVITY ist ein Essay über strukturelle Gedankengebilde. Ideas take shape in a cerebral magma where the referents are assigned to parcels of experience from which intelligible elements are formed. PERCEPTUAL SUBJECTIVITY is an essay on the structural formation of thoughts.

Estela Estupinyà-Garcia, *1983, graduated Fine Art in Valencia, Spain in 2007. She is currently studying film at the HFBK Hamburg. Utopía is her first film.

ÆCDN 2009, 16 mm, 5:30 ÆRealisation Philippe Léonard ÆDistribution CFMDC

Since 1999 UK artists Ruth Jarman, *1973 and Joe Gerhardt, *1972 (Semiconductor) have worked with digital animation to transcend the constraints of time, scale and natural forces, they explore the world beyond human experience questioning our very existence. Central to these works is the role of sound. Their award winning work has been exhibited at Hirshhorn Museum, Washington USA, Arnolfini Bristol and Nuit Blanche Paris, the British Council Jerusalem, Museum of Contemporary Art Lyon and Dissonanze Festival Rome. ÆGB 2009, Video, 3:00 ÆRealisation Semiconductor (Ruth Jarman & Joe Gerhardt) ÆDistribution LUX

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ÆD 2009, Video, 7:20 ÆDirector, script, editing Estela EstupinyàGarcia ÆPhotography Archiv Neue Heimat ÆMusic Silvio Nauman ÆDistribution HFBK Hamburg

Philippe Léonard, *1982.

DEAR ADVISER

SCENE 32

OTCHAJANIE (DESPAIR)

Vincent Meessen

Shambhavi Kaul

Galina Myznikova

Ein Mann in einem schwarzen Anzug – fast nur als Silhouette erkennbar – läuft durch eine trostlose Landschaft. Der Mann nimmt uns mit auf seinem Spaziergang, entlang verwaister modernistischer Gebäude, an denen der Zahn der Zeit seine Spuren hinterlassen hat. Die Kamera sondiert diese Landschaft, sucht nach Hinweisen bezüglich Zeit und Ort. Das ist Chandigarh, eine auf dem Zeichenbrett entstandene Stadt im indischen Staat Punjab. Mit seinem schwarzen Anzug, Fliege und Bowlerhut, erinnert der Spaziergänger an Le Corbusier, den Architekten dieser Stadt. A man in a black suit – almost a silhouette – is walking through a desolate landscape. The man takes us for a walk along deserted modernistic buildings that bear the marks of time. The camera explores this landscape, searching for clues as to time and place. This is Chandigarh, the well-known preconceived city in the Indian state of Punjab. With his black suit, bow tie and bowler hat, the walker looks like Le Corbusier, the creator of this city.

Scene 32 stellt das nicht klar abgegrenzte Gebiet dar, das zwischen einem geliebten Ort und den Gegenständen liegt, die diesen Ort ausmachen. Die Salzfelder von Central Kaatch werden mit hochauflösendem Videofilm sowie handbearbeitetem Hochkontrast-16 mm Film festgehalten, um am Ende etwas Ungewöhnliches zu kreieren... Scene 32 maps the indistinct terrain that lies between a beloved place and the objects that represent it. The salt fields of Central Kaatch are examined through high-definition video and handprocessed hi-contrast 16 mm film to become another thing altogether...

Unbedeutend klein wirkend inmitten einer weiten Schneelandschaft, widersetzt sich eine Gruppe von Männern ihrer körperlichen Abneigung gegen die Naturgewalten. Vereint, eng beieinander, begegnen sie entschlossen der feindseligen Umgebung, formieren sich zu einem absonderlich choreografierten, zögerlichen Ballet. Insignificant within the immensity of a snowy landscape, a handful of men oppose their physical resistance to the force of nature. United, close together, they tackle the hostility surrounding them by way of a strangely choreographed, hesitant ballet.

Vincent Meessen, *1971 in Baltimore, studied journalism and cultural policies. He was active as a social worker and photographer and completed his postgraduate studies at the HISK (Higher Institute for Fine Arts) in Antwerp. His work develops mainly around the idea of ›disputed spaces‹, dealing with territory as a political issue. His work has been shown internationally at a variety of festivals and exhibitions. Meessen lives and works in Brussels, Belgium.

Shambhavi Kaul is an indian born filmmaker and editor, living and working in Durham, North Carolina.

ÆB 2009, Video, 8:00 ÆRealisation Vincent Meessen ÆDistribution Netherlands Media Art Institute

ÆIND 2009, Video, 5:18 ÆDirector, editing Shambhavi Kaul ÆScript Rachel Price ÆPhotography Josh Gibson ÆDistribution Shambhavi Kaul

Since 1993 Galina Myznikova and Sergey Provorov have created a large number of projects, which demonstrate a wide range of the artists' experiments in sphere cinema and of contemporary art. In 2005, they represented Russia with ›Idiot Wind‹ at 51st Venice Biennial. ÆRUS 2009, Video, 29:55 ÆDirector, script Galina Myznikova ÆPhotography Vsevolod Skuchayev ÆEditing, music Sergey Provorov ÆCast I. Yeroshovets, A. Kuritsin, A. Nosov and others ÆDistribution PROVMYZA

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INTERNATIONAL SELECTION SILENT POLITICS

UNTITLED [TWO GUYS]

LAY CLAIM TO AN ISLAND

Mario Pfeifer

Chris Kennedy

›Untitled [Two Guys]‹ ist das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit und eines eingehenden Dialogs mit zwei Jugendlichen mit Migrationshintergrund aus Berlin-Kreuzberg. Auf der Grundlage eines fiktiven Drehbuchs bewegen sich die beiden Protagonisten durch soziale Räume und nehmen diese Räume auf ästhetische Art und Weise ein. Ihr Schauspiel, bei dem sie ihr großes Repertoire an Körpersprache, coolen Gesten sowie ausschweifender Musik nutzen, schaukelt diese ambivalente Beziehung zwischen den beiden immer weiter hoch und die Kamera, die die beiden begleitet, stellt sie eher dar als dass sie sie aufnimmt. ›Untitled [Two Guys]‹ is the product of close collaboration and dialogue with two Berlin-Kreuzberg adolescents with a migration background. Based on a fictionalized script the two protagonists move through social spaces, and occupy these spaces aesthetically. Their acting/playing with a rich repertoire of body language, modish gestures and expansive music escalates the ambivalent relationship between the two and the camera that, following them, does not so much capture but project.

Texte der amerikanisch-indianischen Besetzung von Alcatraz im Jahre 1969 sowie Briefe von deren Befürwortern entfachen eine Untersuchung der politischen Sehnsucht, der emanzipatorischen Architektur und fehlgeschlagener Utopien. Was bedeutet es, Land zu beanspruchen, dessen symbolischer Wert höher ist als der, eine mögliche Heimat zu bieten? Und wie funktioniert diese symbolische Bedeutung außerhalb ihrer geografischen Grenzen? Texts from the 1969 American Indian Occupation of Alcatraz and letters from supporters propel an exploration of political yearning, emancipatory architecture and failed utopias. What does it mean to claim land that has more value as a symbol than as a potential home? And how does that symbol function beyond the boundaries of its geographic limits?

Mario Pfeifer, *1981 in Dresden, Germany, is a filmmaking artist based in Berlin and Los Angeles. He studied Fine Art at the Academy of Visual Arts Leipzig, University of the Arts Berlin and Städelschule Frankfurt am Main where he graduated in 2008. On invitation of the Bangkok Experimental Filmfestival 5, he co-curated international, artist made films from Berlin for the 2008 festival's program. Mario Pfeifer is a current Fulbright Scholar at the California Institute of the Art's Film Program. ÆD 2008, Video, 7:30 ÆDirector, script, editing Mario Pfeifer ÆPhotography Matthias Biber ÆCast Sami Moss Mardina, Yeisen Acosta Media ÆDistribution Mario Pfeifer / blackboardfilms.com

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Chris Kennedy is an independent filmmaker, programmer and writer currently living in Toronto. His experimental films have screened at over 50 film festivals worldwide and he has presented film programs in Egypt, Belgium, Germany, the US and Canada. He holds an MFA from the San Francisco Art Institute. ÆCDN 2009, Video, 13:00 ÆDirector, script, photography editing Chris Kennedy ÆDistribution Chris Kennedy

SILENT ELECTIONS Sarah Vanagt

Eine Szene in den Straßen von Goma. Kinder spielen Nachrichtenkorrespondenten: Im Kongo laufen die Vorbereitungen für die ersten demokratischen Wahlen seit 1960. Unter Verwendung verschiedenster Quellen, sammelt Vanagt Beiträge aus persönlichen Geschichten in einer Region, die durch Hass und Gewalt zerrissen ist. Silent Elections ist ein Dokumentarfilm über die Erinnerungen und Vorstellungen junger Kongolesen unmittelbar vor einem möglichen politischen Wandel in ihrem Land. In the streets of Goma, children play at being news correspondents: Congo is preparing for its first democratic elections since 1960. Using a variety of sources, Vanagt collects elements from personal stories in a region torn apart by hatred and violence. Silent Elections is a documentary film on the memory and imagination of young Congolese on the eve of potential political change in their country. Sarah Vanagt, *1976, studied history in Antwerp, Brighton and Groningen, and film (National Film and Television School, London). She makes documentaries (Little Figures, After Years of Walking, Begin Began Begun, First Elections, Silent Elections) and video installations (Les Mouchoirs de Kabila, Power Cut, Hoofd, Ash Tree). Since 2006, Vanagt has also been working on Verplaatste Graven (Displaced Graves) a series of photographs of special cemeteries in Europe. ÆB 2009, Video, 40:00 ÆDirector, script Sarah Vanagt ÆPhotography Tonton, Daniel, Dodo ÆEditing Inneke Van Waeyenberghe ÆMusic Hughes Maréchal ÆDistribution Balthasar

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INTERNATIONAL SELECTION WHAT IS... MEDIA ART

COLLISION OF PARTS

CIUDAD SIN TITULO (INSIDE)

BLACK OVAL WHITE

Mark Street

Pedro Jiménez

Sabine Gruffat

Eine kaleidoskopische Träumerei, die über einen Zeitraum von fünf Jahren in verschiedenen Stadtmilieus aufgezeichnet wurde. Das Prinzip einer Montage wird ausgeschöpft: kurze Momente, öffentlich und privat, reiben sich aneinander, schaffen eine geladene Komplexität des Unmittelbaren. Innen und außen, Bewegung und Stillstand, Heimat und Reisen, Licht und Dunkel: Eine Reihe von Antinomien kämpfen darum, gehört und gesehen zu werden. A kaleidoscopic reverie recorded over a period of five years in various urban milieus. An excavation of the concept of montage: small moments, public and private, brush up against each other, creating a charged tapestry of the immediate. Inside and outside, motion and stasis, home and travel, light and dark: a series of antinomies struggle to be heard and seen.

Ein intimes Porträt von Mexiko Stadt durch einige seiner Cafés, Kneipen und Restaurants. Eine Betrachtung des alten und müden Ungeheuers, zu dem diese Stadt geworden ist. An intimate portrait of Mexico City through some of its cafés, taverns and restaurants. A reflection of the old and tired monster that has become this city.

Eine Videoaufzeichnung einer abstrakten Computeranimation, die durch elektronische Oszillatoren und Rückkopplung verschlüsselt, gelöscht und freigestellt wird. Das Geräusch der elektronischen Oszillatoren kommt verspätet und schrill um eine Modulation zu erzeugen. A video recording of a computergenerated abstract animation that is keyed, wiped and matted by electronic oscillators and feedback. The sound of the electronic oscillators is delayed and pitched to produce modulations.

Mark Street graduated from Bard College (B.A, 1986) and the San Francisco Art Institute (M.F.A., 1992). His work has appeared at the Tribeca (5 times), Sundance, Rotterdam, New York, London, San Francisco, New York Underground, Sarajevo, Viennale, Ourense (Spain), Mill Valley, South by Southwest, and other film festivals. He is Assistant Professor of Film in the Visual Art Department at Fordham University—Lincoln Center where he teaches film/video production and other courses that engage contemporary artistic practice. ÆUSA 2010, Video, 15:00 ÆDirector, photography, editing Mark Street ÆDistribution Mark Street

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Pedro Jiménez studied Communication where he made his first short film as cinematographer. In 1998 he takes an Experimental Hand Made Film Workshop with Naomi Uman. This becomes a crucial moment in his filming approach. He has worked as director, photographer, editor and sound designer for several short films, feature films, documentaries, collectives. ÆMEX 2009, Video, 4:47 ÆDirector, script, photography, editing Pedro Jiménez ÆMusic Rubén Albarrán ÆDistribution Pedro Jiménez

Sabine Gruffat is a media artist living and working in Madison, WI. She received her BFA from the Rhode Island School of Design and MFA from The School of The Art Institute of Chicago. Currently Sabine is an Assistant Professor of Digital media at the University of Wisconsin-Madison. Sabine's films and videos have screened at festivals worldwide including the Image Forum Festival in Japan, the Split Film Festival in Croatia, the Ann Arbor Film Festival, the PDX Film Festival in Portland, the Dallas Video Festival, Migrating Forms in New York, The Gene Siskel Film Center in Chicago, and The Gramercy Theater in New York. ÆUSA 2009, Video, 3:00 ÆRealisation Sabine Gruffat ÆDistribution Sabine Gruffat

THE COLLAGIST

HAUT DER DINGE (SKIN OF THINGS)

STRETCHING

Amy Lockhart

Thomas Bartels

François Vogel

Diese bezaubernde und humorvolle Animation entstand in Zusammenarbeit mit dem Künstler Marc Bell. THE COLLAGIST richtet seinen Fokus auf die Hände von Bell, während er eine seiner Arbeiten fertigt. Dieses dynamische, zweidimensionale Werk besteht aus Zeichnungen, Papier-Ausschnitten und geloopten Animationen. This charming and humorous animation is a collaboration with artist Marc Bell. THE COLLAGIST focuses on Bell's hands as he assembles one of his works. This dynamic two-dimensional piece incorporates drawings, paper cut-outs and looped animations.

Am Anfang spaltet der Filmemacher Holz, um sein spartanisches Atelier zu heizen, am Ende fährt er auf einer alten Velo Solex dem Sommer entgegen. Zwischen diesen Realfilm-Aufnahmen liegen sechs Minuten Film, einzelbildweise an einem Tricktisch aufgenommen, welcher selbst im Film vorkommt: Found footage und Fotoanimation. On the animation stand, found footage from the silent film era meets photographs of the filmmaker's studio and living space. This poetic collage shows not only the skin of things but also the beauty of classic chemical filmworks.

›Stretching‹ ist eine eigenartige Darstellung urbaner Gymnastik. Ein exzentrischer Typ fabriziert verrückte, rhythmische Übungen entlang der Straßen von Manhattan. Die umliegende Architektur vermischt sich mit seinem spielerischen Tanz, nimmt teil an seiner Heiterkeit. ›Stretching‹ is a peculiar display of urban gymnastics. An eccentric character concocts crazy, rhythmic exercises along the streets of Manhattan. The surrounding architecture mingles with his playful dance, joining in his merriment.

Amy Lockhart is an independent animator and artist. Her artwork and award-winning films have been exhibited internationally. Amy has educated herself through attending the Nova Scotia College of Art and Design, completing an artist residency at the Quickdraw Animation Society and completing a fellowship at the National Film Board. She has received international acclaim, speaking and exhibiting her work at various art institutions including The California Institute of the Arts, where she just completed an artist residency.

Thomas Bartels studied at the Brunswick Academy of Fine Arts. In 1986 he co-founded the artists group Laboratorium and together with Martin Hansen he created Karofilm Company in 1990. He has been working as a free lance artist since 1993 focussing on experimental film, sculpture and installations. Bartels shows his films and sculptural works at festivals and exhibitions e.g. in Hamburg, London, Verona, Grenoble, Budapest, San Francisco and Amsterdam.

ÆCDN 2009, Video, 2:00 ÆRealisation Amy Lockhart ÆDistribution CFMDC

François Vogel's crazy audiovisual inventions come from the experiments he has conducted with cameras and from his work in digital arts. He manipulates images and concepts, by twisting them like clay (›Cuisine‹, ›Tournis‹, ›Trois petits chats‹) or by fragmenting them like crystal (›Rue Francis‹, ›Faux plafond‹, ›Les Crabes‹). ÆF 2009, Video, 4:30 ÆDirector, script, photography, animation, editing, cast François Vogel ÆMusic Alain Cure ÆDistribution Drosofilms

ÆD 2009, 35 mm, 6:30 ÆDirector, script, photography, animation, editing, cast Thomas Bartels ÆMusic Wolfgang in der Wiesche ÆDistribution KAROFILM

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INTERNATIONAL SELECTION WHAT IS... MEDIA ART

MEKANISK ORGANISK REDSHIFT

CASTING

Ivar Smedstad

Rocco Helmchen

Gaelle Jaunay

mekaniskorganisk ist ein Zersetzungsprozess, der eine mechanische Struktur in einen organischen Zustand verwandelt, allein durch einen einzigen amorphen Vorgang. ›Nichts hat sich je verändert seitdem ich hier bin, aber ich wage nicht daraus zu schließen, dass sich nicht vielleicht doch etwas verändert hat.‹ (Samuel Beckett, Der Namenlose 1953) mekaniskorganisk is a decomposition that transmutes a mechanical structure into organic matter through one single amorphous passage. ›Nothing has ever changed since I have been here, but I dare not infer from this that it never has.‹ (Samuel Beckett, The Unnamable 1953)

Wie in der Nähe eines starken Gravitationsfeldes dehnt sich die Zeit in diesem Film und macht die ›leeren‹ Räume zwischen den Bildern digitaler zeitbasierter Medien sichtbar, die normalerweise von Computeralgorithmen interpoliert werden um uns die Illusion von Zeit als kontinuierlichen Fluss zu geben. In this film, time is stretched as if in the proximity of a strong gravitational field, rendering visible the ›empty‹ spaces between the images in timebased digital media, which are normally interpolated by computer algorithms to give us the illusion of movement as a continual flow.

Ich selbst vergebe mir eine Rolle. Meine Stimme, die aufgenommen wird, gibt einer Schauspielerin Regieanweisungen, die die Rolle einer Preisträgerin spielt. Durch den Text wird die Situation richtig interessant, alles verschiebt sich ein wenig, da ich es bin, die sämtliche Rollen spielt, wie ein Selbstporträt, aber auch ein Kommentar über den genauen Zeitrahmen einer Performance. It's a casting of myself by myself. My voice which is recorded gives direction to an actress who plays the role of an artist receiving a prize. The situation becomes interesting by the text, the scale changes as it is myself playing all the roles, like a self-portrait but also a commentary on the specific time frame of a performance.

Ivar Smedstad is a Norwegian artist who has worked in the field of video art and electronic media since the early 80s. He has participated in numerous international video festivals and has received awards from the Video Art festival in Locarno, Switzerland as well as the Norwegian Short Film Festival. ÆN 2009, Video, 5:08 ÆDirector, script, photography, animation, editing Ivar Smedstad ÆDistribution Ivar Smedstad

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Rocco Helmchen, *1974 in Annaberg, studied media computer science before changing to film/television majoring in cinematography, at the Dortmund University of Applied Sciences and Arts, where he received his design diploma in 2004. Since then he has worked as a freelance media artist on various projects between art, science and entertainment. ÆD 2009, Video, 3:40 ÆDirector, script, photography, editing Rocco Helmchen ÆMusic Johannes Kraas ÆDistribution Rocco Helmchen

Gaelle Jaunay graduated from Beaux Arts de Paris in Claude Closky's studio in 2009. Her videos have been shown in different European festivals in 2008 and 2009. ÆF 2009, Video, 3:46 ÆDirector, script, photography, editing Gaelle Jaunay ÆDistribution Gaelle Jaunay

I STARE BOILING

DUSK

CENTIPEDE SUN

Yusuke Nakajima

Erwin Olaf

Mihai Grecu

Ich möchte, dass du das anschaust, was ich anstarre. I want you to watch the thing which I stare at.

Eine schwarze Frau, in schwarz gekleidet, läuft in einem dunklem Raum auf und ab, mit einem Baby auf ihrem Arm... Eine bedrückende Atmosphäre erfüllt das Haus, die durch die Dunkelheit und das glänzende Schwarz/Weiß des Films noch verstärkt wird... ›Dusk‹ ist ein Projekt, in dem Erwin Olaf eine schwarze Familie als ›obere Mittelklasse‹ zu Beginn des 20. Jahrhunderts porträtiert. Ein soziales Paradies oder ein beklemmendes Gefängnis, eine Geschichte voller Herablassung oder Hoffnung? (Esma Moukhtar) A black woman, dressed in black, walks around in a dark interior with a baby on her arm... An oppressive atmosphere fills the house, amplified by the darkness and the glossy black and white of the film... ›Dusk‹ is a project in which Erwin Olaf portrays a black family as ›upper middle class‹ at the beginning of the 20th Century. A social paradise or an oppressive prison, a story of condescension or hope? (Esma Moukhtar)

Ein hypnotisierendes Videogedicht über sich wandelnde Landschaften: eine Aneinanderreihung von Metaphern der Isolation, Dekonstruktion und die Grenzen eines bewohnbaren Gebiets schaffen einen einzigartigen Blick auf die gegenwärtigen Umweltverhältnisse. (Mihai Grecu) A mesmerizing video poem on transforming landscapes: series of metaphors of isolation, deconstruction and the limits of the inhabitable territory create a unique view of the contemporary environmental condition. (Mihai Grecu)

Yusuke Nakajima, *1984 in Toyama, Japan, video artist, lives and works in Osaka. He is interested in various phenomena existing in the world, and picturizing these. His works are screened at international festivals and art museums, EMAF, DOTMOV etc. He sometimes performs a performance with video and sound. ÆJ 2009, Video, 5:22 ÆDirector, script, photography, editing Yusuke Nakajima ÆDistribution Yusuke Nakajima

Erwin Olaf, *1959 in Hilversum, NL, as Erwin Olaf Springveld. He went to the School for Journalism in Utrecht, where he graduated in 1981 as a writing journalist. After finishing his formal education, he gained recognition as a photographer. In 1988 he had his breakthrough when he was awarded the first prize in the Young European Photographer competition. His photography as well as his moving images have won multiple awards in and outside the Netherlands. He is world-famous for photography, films and video. ÆNL 2009, Video, 5:11 ÆRealisation Erwin Olaf ÆDistribution Netherlands Media Art Institute

Mihai Grecu, *1981 in Sebes, Romania. After studying Design and Fine Arts in Romania and France, now he works as an independent artist in the fields of video/contemporary art, cinematography and graphic design. His videos explore the structures and genesis of anxiety: distorted landscapes, unknown menaces, metamorphosis, neonlight and alchemy convert into a heterogeneous universe of roughcut video and 3D animation. ÆF 2010, Video, 10:00 ÆDirector, script Mihai Grecu ÆPhotography Enrique Ramirez ÆEditing Mihai Grecu, Seto Momoko ÆProducers Guillaume King, Julien Taib, Mihai Grecu ÆDistribution Mihai Grecu

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INTERNATIONAL SELECTION MATERIA LUMINOSA

# 37

MATERIA OBSCURA

Joost Rekveld

Jürgen Reble

›Andronikos sagt, dass man an einem bestimmten Ort in Spanien kleine Steine verstreut vorfindet, die mehrkantig sind und dort willkürlich wachsen. Einige von ihnen sind weiß, andere wie Wachs, die kleinere Steine mit sich tragen, die ihnen ähnlich sehen. Ich bewahrte einen davon auf um es selbst zu testen, und gebar zu Hause ein Kind – die Geschichte stimmt also.‹ (Paradoxographus Palatinus, anonym, 3. Jahrhundert) ›Andronicos says that in a certain place in Spain one finds small, scattered stones that are polygonal and grow spontaneously. Some of them are white, others are like wax and pregnant with smaller stones similar to themselves. I kept one to verify this myself and it gave birth at my place, so the story is not a lie.‹ (Paradoxographus Palatinus, anonymous, 3rd century)

Ausgangsmaterial sind handentwickelte 16mm Filmstreifen, die ich mit Chemikalien überhäuft hatte. Dabei entstanden sogenannte ›Chemogramme‹ bei denen die verwendeten Substanzen - überwiegend Salze - zum bildgebenden Inhalt wurden. Ich digitalisierte das Material Bild für Bild in hoher Auflösung und begann am Computer allmählich die Abläufe der einzelnen Sequenzen zu analysieren. So entstand eine Morphologie der Filmemulsion mit den darin eingeschlossenen Substanzen. The source material is hand-processed 16 mm film stripes that I covered with chemicals. In these so-called ›chemo-grams‹ the used substances, mainly salts, became moulding shapes. I digitized the material, frame by frame, in high resolution and started with the computer to slow down the speed just to analyse the sequence of events. Thus arose a morphology of the film emulsion, revealing the embedded substances and a bizarre, strange world full of magic.

Joost Rekveld, *1970, makes abstract films and kinetic installations since 1991, initially judging by the idea of a form of music for the eye. For his animation films he develops his own tools, frequently inspired by historical impasses in science and technology. He made projections and AC2light composition for several dance and theatre productions and also works as a curator and teacher. #37 (2009). #23.2 Book Of Mirrors (2002). #11, Marey Moire (1999). #3 (1994). ÆNL 2009, 35 mm, 31:00 ÆDirector, script, photography, animation, editing Joost Rekveld ÆMusic Yannis Kyriakides ÆDistribution Filmbank

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Jürgen Reble, *1956 in Düsseldorf. From 1979 until 1989 he was a member of the film ensemble Schmelzdahin. His work is often rooted in manual processing of film footage using mechanic and chemical influences. Since 1992 he works together with the sound artist Thomas Köner in special performances. His works have exhibited at the Museum of Modern Art, New York; Auditorium of the Louvre, Paris; he has got a scholarship from the Kunstfond in Bonn. Reble lives and works in Bonn, Germany. ÆD 2009, Video, 45:00 ÆDirector, script, photography, animation, editing, music Jürgen Reble ÆDistribution Jürgen Reble

INTERNATIONAL SELECTION ERIE

ERIE Kevin Jerome Everson

Einzelereignisse am Eriesee, wo das General-Motors-Werk kurz vor der Schließung steht. Zusammen ergeben sie ein Bild der Kultur der afroamerikanischen Arbeiter in der postindustriellen Wirtschaft. In schwarz-weiß gedreht erzählt es Geschichten ohne Worte: Zwei Schwert kämpfende Männer, von denen einer immer verliert. Ein Mann mit einem Schraubenzieher, Elektrodraht und einer engelsgleichen Geduld, der versucht, ein Auto aufzubrechen. Eine Gruppe junger Mädchen in Regenmänteln auf einer Bootsfahrt an einem Wasserfall. ›Erie‹ besteht aus unabhängigen Ereignissen, die in der Umgebung des Eriesees schwarz-weiß gedreht wurden. Sie alle haben ungefähr die gleiche Länge - etwa 10 Minuten - die Länge einer Filmrolle und sind ohne Bearbeitung aneinandergeschnitten.Es werden kaum Worte gesprochen, außer von (umso mehr) drei Leuten, die im GeneralMotors-Werk arbeiten. Das Werk wird bald geschlossen, wie so viele Stahl- und Automobilunternehmen - zur Freude all jener, die der Ansicht waren, dass die Ungelernten viel zu viel verdienten. Auf diese Weise passt ›Erie‹ perfekt zum zentralen Thema des umfangreichen Werks von Kevin Jerome Everson: Die Kultur der afroamerikanischen Arbeiter. Isolated events around Lake Erie, where the General Motors factory is about to close. Together they sketch a picture of the culture of Afro-American workers in a post-industrial economy. Shot in black-and-white it tells stories without words: Two sword-fighting men, one of whom always loses. A man with a screwdriver, electric wire and angelic patience, trying to break into a car. A group of young girls wearing raincoats on a boat trip along a waterfall. ›Erie‹ is made up of independent events filmed in black-and-white in the area around Lake Erie. They all last about the same length of time -10 minutes- the length film-roll and they are edited back-to-back without any processing.Hardly any words are spoken, apart from (all the more) by three people working at the General Motors factory. The factory is soon going to close, like so many major steel and car companies - to the joy of those who thought that the untrained were earning much too much money. In this way, ›Erie‹ fits in perfectly with the central theme in the sizeable oeuvre of Kevin Jerome Everson: the culture of Afro-American workers. Kevin Jerome Everson. ›I'm hanging out, coolin’, on the frames that connect the necessity and the coincidence. Formally, that is.‹ My films and artwork are about responding to daily materials, conditions, tasks and gestures of people of African descent. These materials, systems, tasks and gestures are repositioned through a variety of mediums such as photography, film, sculpture, artist books and paintings. The results usually have a formal reference to art history and resemble objects or images seen in working class culture. This strategy invites the work to be interpreted by a variety of communities. Over the past twelve years I have completed three feature films and almost fifty short 16mm, 35mm and digital films about the working class culture of Black Americans and other people of African descent. My films focus on conditions, tasks, gestures, and materials in these communities. The films consist of the relentlessness of every day life, as well as its beauty-and have a naturalistic, almost documentary-like texture. Recently I have been responding to the performance of peoples of African descent in old film footage as if it were theater. Either by reenacting the films or just using the footage, I am attempting to create an archive of these performances. ÆUSA 2010, Video, 81:00 ÆDirector, script, photography, editing Kevin Jerome Everson ÆCast Matilda Washington, Daisy McNeil, Sadie Swoope, Add Swoope, Aaron Pitre, Tafik Muhammed ÆProducers Kevin Jerome Everson, Madeleine Molyneaux/Sales Picture Palace Pictures ÆDistribution Kevin Jerome Everson

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INTERNATIONAL SELECTION LINES AND TRACES

ME, MYSELF AND I IN THE AGE OF DOWNLOAD Thomas Kutschker

Me, Myself and I in the Age of Download setzt sich auf unterhaltsame Weise mit dem Phänomen des digitalen Kopierens und der Downloads aus dem Internet auseinander. Es ist ein wissenschaftlich anmutendes Experiment, eine poetische Betrachtung der (post-)modernen Welt. Es lässt ebenso an Duchamps Gemälde ›Akt, eine Treppe herabsteigend‹ denken, wie an den Wandel der Kinotechnik seit dem Beginn des 20. Jahrunderts. Am Ende sieht das Bild aus wie ein ›retro‹ anmutendes Computerspiel. Me, Myself and I in the Age of Download is an entertaining exercise exploring the phenomena of digital copying and downloads from the internet. Me, Myself and I in the Age of Download is a scientificlike experiment, a poetical observation of (post-)modern times. It makes you think of Duchamp’s painting ›Nude, Descending a Staircase‹; and the changes in the cinematic techniques since the beginning of the 20th century. It ends in a look-alike retro-styled computer game. Thomas Kutschker, *1963 in Mannheim, Germany, professional freelance photographer since 1987. Working in the film business since 1989. Freelance cameraman for cinema and TV since 1992. 19931996 postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne, MA in Audiovisual Media. 1998 First Prize of the state government for young directors and DOP´s. 2000 Stipendium for artists by the state government. 2000-2005 lectures about film theory and documentary film at the Humboldt-University, Berlin. From 2005 film lectures at the UDK Berlin and from 2006 film lectures at the Academy of Arts, Düsseldorf. ÆD 2010, Video, 4:14 ÆDirector, script. photography, editing Thomas Kutschker ÆMusic Aki Onda ÆDistribution Thomas Kutschker

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SCHUTZFILM - THAUMATROPE

CARBON DATING ANGELS

Daniel Kötter

Robin Kiteley, Samuel Stocks

schutzfilm - Thaumatrope ist eine Radikalisierung des Schuss – Gegenschuss Prinzips. Der Grund für die Unschärfe zwischen Subjektive und Objektive liegt in der Limitiertheit unserer Wahrnehmung. Der Film ist der dritte Teil der Super8-Trilogie camera movement and location. checkpoint (2006), Ein Kinderspiel (2007). Location: Schutzraum einer Tiefgarage in einer Hochhaussiedlung am Rande von Istanbul. Weiße Wände, helles Licht, weder Tür noch Fenster. schutzfilm – Thaumatrope is a radical approach to the principle of shot-countershot. The reason for the blurring of subjective and objective lies in our limited perception. schutzfilm – Thaumatrope is the single-channel version of the third part of Daniel Kötter’s Super8Trilogy camera movement and location. Location: a shelter in an underground car park on the outskirts of Istanbul. White walls, bright light, neither doors nor windows.

Der Grundgedanke von ›carbon dating angels‹ legt die Suche nach dem Ursprung nahe und somit nach Bedeutung oder Wahrheit dessen, was sich dem Bereich wissenschaftlicher Untersuchungen entzieht. Dieser Beitrag bestimmt das kontrollierte und genaue Bewegungsvokabular archivierter Röntgenfilme in einem faszinierenden und doch undurchdringlichen Ritual choreografischer Bewegung. So wie die geleistete Pionierarbeit bei der Röntgenkinematografie eine neue visuelle Perspektive möglich machte, weist dieser Film auf Wissensformen hin, die gleichzeitig verborgen und doch offengelegt sind. The idea of ›carbon dating angels‹ suggests a search for origin, and by extension meaning or truth, in that which is beyond the realms of scientific enquiry. This piece appropriates the controlled and precise movement vocabulary of archive x-ray films in an intriguing, yet impenetrable, ritual of choreographed movement. Just as pioneering work in x-ray cinematography opened up a new visual perspective, this film alludes to ways of knowing that are at once buried and revealed.

Daniel Kötter, *1975, working as a director and video artist with special interest in multiscreening and multiperspective video installations. His video- and theatre works were shown at various international festivals, in concert halls, theatres and galleries in Germany, Austria, Switzerland, Belgium, France, Portugal, USA and Mexico. ÆD 2009, Video, 7:51 ÆDirector, script, editing Daniel Kötter ÆPhotography, cast Daniel Kötter, Begum Erciyas ÆDistribution Daniel Kötter

Robin Kiteley is a visual artist based in Huddersfield (UK) and he works primarily with digital moving image, photography and writing. He has shown work in international video art and experimental film events since 2007. Samuel Stocks is a sound composer and sound designer who has recently completed his studies at the University of Huddersfield (UK). ÆGB 2009, Video, 11:35 ÆDirectors Robin Kiteley, Samuel Stocks ÆPhotography Christian McGrath ÆMusic Samuel Stocks ÆDistribution Robin Kiteley

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INTERNATIONAL SELECTION LINES AND TRACES

NIGHT

WALKING ON THE SEASHORE II

Farhad Kalantary

Yoshiki Nishimura

›Night‹ ist eine Reise durch die Dunkelheit. Es ist ein Kurzfilm, der die Grenzen der Sichtbarkeit untersucht. Sein packender Soundtrack trägt den Film in immer tiefere Sphären der Dunkelheit, wobei das Zuschauen zu einer zunehmenden Herausforderung wird. ›Night‹ wurde auf hochauflösendem Videofilm aus einem fahrenden Zug heraus gedreht, im tiefsten nordischen Winter. ›Night‹ is a journey in the dark. It is a short film exploring the borders of visibility. Its gripping sound track carries the film towards deeper layers of darkness as the act of viewing becomes more challenging. ›Night‹ was shot on high definition video from a travelling train in the height of Nordic winter.

Ein Dokumentarfilm über meine körperlichen Erfahrungen an der Küste. Mein Spaziergang wurde auf Video aufgenommen. Der Spazierweg wurde grafisch dargestellt. Die reale und die virtuelle Welt wurden durch meinen Wanderweg miteinander verbunden. Der Verlauf des Wanderwegs und die Verteilung der Punkte am Strand folgen beide der Wirklichkeit, die ich an der Küste erlebte. Documentary of my physical experience on the seashore. My walk was taken on video. The walking path was graphically depicted. The real world and the virtual world were connected with my walking path. The shape of the walking path and the positions of dots on the beach all follow the reality I experienced on the seashore.

Farhad Kalantary, *1962 in Tabriz, Iran, is a visual artist working primarily with non-narrative films and video installations. He has studied at San Francisco State University (BA, 1992) and San Francisco Art Institute (MFA, 1996) and he lives and works in Oslo, Norway. His works have been shown in various international film festivals as well as in galleries and museums in the US and Europe, and they are part of the collections of Moderna Museet, Stockholm, and the Arts Council Norway. ÆN 2009, Video, 6:30 ÆDirector, script. photography, editing Farhad Kalantary ÆDistribution Farhad Kalantary

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Yoshiki Nishimura, * in Nagoya, Japan. Undergraduate: Tohoku University, Electronic Engineering, Sendai, Japan. Graduate: Illinois Institute of Technology, Institute of Design, Chicago, USA. Worked at TAISEI Corp (Architecture and Construction), Tokyo for Computer Graphics. Currently teaching at Media Arts Course, Tohoku University of Art and Design, Yamagata, Japan. ÆJ 2009, Video, 3:35 ÆDirector, script, animation, photography, editing Yoshiki Nishimura ÆDistribution Yoshiki Nishimura

A WALK WITH NIGEL

EAST MAN

Louis Henderson

Christian Neubacher

A Walk With Nigel ist ein Video Essay, das einen Dialog zwischen zwei Künstlern aus zwei verschiedenen Epochen aufbaut, zwischen Bewegung und Stille, zwischen Reden und Schweigen. Eine archäologische Studie einer Gemeinschaft, die die verstaubten Archive in der Gegenwart wieder zum Leben erweckt. Eine materialistische Studie über Straßen und gesellschaftliche Beziehungen. A Walk With Nigel is a video essay that constructs a dialogue between two artists from two different times, between movement and stillness, between speech and silence. An archaeological study of a community, reawakening the archive in the present. A materialistic study of streets and social relations.

Ein Vorführerfilm. Er setzt sich aus gesammelten Start- und Endbändern im Standardmaß, 35mm, zusammen. Christian Neubacher zeigt uns eine Welt, in der ein Vorführer den Film dort berührt, wo er nicht gesehen werden will, und das Kinobild aus exklusiver Distanz durch eine Glasscheibe wahrnimmt. ›East Man‹ is a projectionist’s movie. It is assembled from a collection of 35mm leads and ends. Christian Neubacher shows us a world in which a projectionist touches film in its intimate parts, where it does not want to be seen, while experiencing the filmic image from an exclusive distance behind a pane of glass.

Louis Henderson is an artist who lives in London. He uses film, video, photography and text. Currently he is doing a practice based PhD at the University of Arts London, under the supervision of William Raban and Jonathan Lahey Dronsfield. ÆGB 2009, Video, 21:14 ÆDirector, script, photography, editing Louis Henderson ÆDistribution Louis Henderson

Christian Neubacher, *1972 in Salzburg, Austria, where he also grew up. Studied at the School of Graphic Arts in Vienna, photography class. Completed the course in cinema and science studies at the University of Vienna. Several works and exhibitions with film, cinema and photography. He acts as a projectionist, journalist and curator of film festivals. Since 2009 Christian Neubacher works at the Austrian Screenwriters Association. ÆA 2009, 35 mm, 9:00 ÆDirector, script, photography, editing Christian Neubacher ÆDistribution sixpackfilm

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INTERNATIONAL SELECTION TRACING MEMORIES

WHITE SHOE STATION

TREE OF FORGETTING

Sara Preibsch

Dan Boord & Luis Valdovino

Inspiriert von der Geschichte des mysteriösen Mannes, der 2005 als der ›piano man‹ bekannt wurde, verbindet White Shoe Station Bild, Musik, Text und Stimme, um eine etwas verschleiernde und doch ergreifende Erzählung zu schaffen. Diese Elemente vereint, versetzen den Film an einen unbestimmten Ort zu einer unbestimmten Zeit, wo er den Zusammenbruch eines Mannes dokumentiert, der sich nicht mehr erinnern oder genannt werden will. Inspired by the story of the mysterious man who in 2005 became known as the ›piano man’, White Shoe Station combines image, music, text and voice to create an oblique yet poignant narrative. Together, these elements set the film in an unnamed place and time, where it traces the breakdown of a man who no longer wants to recall or be called.

Die kürzeste Kurzgeschichte der Welt macht einen Umweg zu einem Ort, an dem Zeit ein Weg mit mehreren Gabelungen ist, die allesamt zu der gleichen Möglichkeit führen – der Vergangenheit. Ein Ort, an dem es möglich ist unter Familienmitgliedern und Freunden zu verschwinden, und an dem die Plätze und Dinge des alltäglichen Lebens genauso gut schreckliche Formen und Bedeutungen annehmen können. ›Tree of Forgetting‹ ist ein Ort, an dem du vergisst dich nicht an die Dinge zu erinnern, die andere am liebsten vergessen würden. The world’s shortest short story takes a detour to a place where time is a forking path of possibilities leading to the same eventuality – the past. A place where it was possible to vanish among family and friends and where the places and things of everyday life may also take on horrific features and meanings. Tree of Forgetting is a place where you forget not to remember those things others wish to forget.

Sara Preibsch. *1973 in Stockholm, currently lives in London where she studied Fine Art and Cultural Studies. She has exhibited her work extensively in the UK and abroad and recent exhibitions and screenings include: Under Construction, SC gallery, Zagreb 2008. ›Vom Zentrum der Welt und anderswo‹, Kölnischer Kunstverein, Cologne 2008. Images Festival, Toronto 2008 and Les Recontres Internationales, 2007-08, Paris, Madrid and Berlin. In 2008 Preibsch was awarded the London Artists' Film and Video Award (LAFVA) for the production of a new film. ÆGB 2009, 35 mm, 15:00 ÆDirector, photography, editing Sara Preibsch ÆScript, voiceover Tilman Rammstedt ÆMusic Avi Tchamni ÆDistribution Sara Preibsch

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Dan Boord and Luis Valdovino are Professors at the University of Colorado, Boulder. Exhibitions: The Museum of Modern Art, New York, The Walker Art Center, Minneapolis, The Metropolitan Museum, New York, Venice Biennal, Italy, Centre Georges Pompidou, Paris, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Toronto Film Festival, Robert Flaherty Film Seminar and Stedelijk Museum, Amsterdam. ÆUSA 2009, Video, 8:43 ÆDirector, script, photography, editing Dan Boord, Luis Valdovino ÆMusic Alberto Ginastera ÆPianist: Alejandro Cremasch ÆCast Familia Andersch, Familia Cardona, Familia Valdovino ÆDistribution Boord/Valdovino

MY MOTHER AND HER PORTRAIT

THE LAST HAPPY DAY

Chaisiri Jiwarangsan

Lynne Sachs

Die Bilder, die erschienen, und die ich mit Erinnerungen aus den verschiedenen Filmen verknüpfe, die ich gesehen hatte; einige ganz lebendig, einige leicht überlappend, aber alle hatten einen gemeinsamen roten Faden, der sie verbindet – das murmelnde Geräusch meiner Eltern, die sich im Bett unterhielten. The images that appeared, looking back on the memories of different films I had seen; some are vivid, some vaguely overlapping; but all of them had a common thread stringing them together, that is the sound of my parents talking in bed

Das Porträt von Sandor Lenard, einem ungarischen Doktor der Medizin und entfernten Cousin des Filmemachers. Im Jahr 1938 floh Lenard, ein Schriftsteller mit jüdischem Hintergrund, vor den Nazis an einen sicheren Zufluchtsort nach Rom. Dann wird Lenard vom U.S. Militär beauftragt, die Knochen gefallener amerikanischer Soldaten zu rekonstruieren. Sachs Film Essay bedient sich persönlicher Briefe, abstrakter Kriegsbilder, Amateurfilmen, Interviews und einer Kinderaufführung, um eine intime Betrachtung der zerstörenden Macht des Krieges zu schaffen. The Last Happy Day is a portrait of Sandor Lenard, a Hungarian medical doctor and a distant cousin of the filmmaker. In 1938, Lenard, a writer with a Jewish background, fled the Nazis to a safe haven in Rome. Then the U.S. Army hired Lenard to reconstruct the bones of dead American soldiers. Sachs’ essay film uses personal letters, abstracted war imagery, home movies, interviews and a children’s performance to create an intimate meditation on the destructive power of war.

Chaisiri Jiwarangsan, *1983, in Bangkok. He is an emerging artist, working on video and photo installation and also working for an independent film company, Kick the Machine Films. He currently lives and works in Chaing Mai, Thailand. ÆT 2009, Video, 4:30 ÆDirector, script, photography, editing Chaisiri Jiwarangsan ÆDistribution Chaisiri Jiwarangsan

Lynne Sachs makes films, videos, installations and web projects that explore the intricate relationship between personal observations and broader historical experiences by weaving together poetry, collage, painting, politics and layered sound design. Since 1994, her five essay films have taken her to Vietnam, Bosnia, Israel and Germany - sites affected by international war - where she tries to work in the space between a community's collective memory and her own subjective perceptions. ÆUSA 2009, Video, 38:00 ÆDirector, script, editing Lynne Sachs ÆPhotography Lynne Sachs, Ethan Mass ÆMusic J.S. Bach ÆDistribution Lynne Sachs

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INTERNATIONAL SELECTION FROM DIFFERENT PERSPECTIVES

HOLDING STILL Florian Riegel

SEASIDE ist eine kleine Gemeinde an Floridas Golfküste welche auf der ganzen Welt als Geburtsort des NEW URBANISM bekannt ist – eine Städtebaubewegung die es sich zum Ziel gesetzt hat fußgängerfreundliche, lebenswerte Gemeinden zu bauen. Ende der 90er Jahre erlangte SEASIDE erneut weltweite Aufmerksamkeit als Drehort der TRUMAN SHOW - einem Spielfilm über das Leben von Truman Burbank (Jim Carrey), welcher in einer künstlich geschaffenen Welt aufwächst, umgeben von unzähligen Statisten - heimlich gefilmt von tausenden versteckten Kameras. Die Art, wie SEASIDE in dem Film dargestellt wurde, gepaart mit den Geschichten von der kleinen ›perfekten‹ Gemeinde haben es auf der ganzen Welt berühmt gemacht. Als ich anfing an diesem Projekt zu arbeiten, wollte ich einen Film über die Bewohner dieser kleinen Gemeinde und die Touristen machen, welche jedes Jahr nach SEASIDE strömen um für ein paar Wochen in den Kulissen von ›Seahaven‹ zu leben. Dann traf ich Janis... Obwohl Janis seit 20 Jahren in Seaside lebt und die meisten Bewohner ihren Namen kennen, beschreibt sie sich selber als ›unsichtbare Person‹, da sie hier zwar wohnt, an dem Leben in Seaside aber nicht wirklich teilnimmt. Nachdem Janis im Alter von 22 Jahren einen tragischen Unfall erlitt und seither querschnittsgelähmt ist, hat sie die folgenden Jahrzehnte fast ausschließlich im Bett verbracht – eine Tatsache, die sie sich selber nur schwer erklären kann. Mit Hilfe einer Überwachungskamera beobachtet sie all jene Orte, welche ihr sonst erborgen blieben – ihr Wohnzimmer, ihre Küche und vor allem das Leben vor ihrem Haus. SEASIDE is a small community on Florida’s Gulf Coast, known throughout the world as the birthplace of NEW URBANISM – an urban development movement that aims to create pedestrian-friendly communities that are worth living in. At the end of the 1990s, SEASIDE once again attracted worldwide attention as the filming location for the TRUMAN SHOW – a feature film about the life of Truman Burbank (Jim Carrey), who grows up in an artificially created world, surrounded by countless extras – secretly filmed by thousands of hidden cameras. The way in which SEASIDE was presented in this film, coupled with the stories of the small ›perfect‹ community, has made it famous throughout the world. When I started working on this project, I wanted to make a film about the residents of this small community and the tourists who flock to SEASIDE every year to spend a few weeks in the backdrop to ›Seahaven‹. Then I met Janis... Although Janis has been living in Seaside for 20 years and most residents know her name, she describes herself as an ›invisible person‹ because, although she lives here, she doesn’t really engage in life in Seaside. Janis had a tragic accident at the age of 22 which left her paralysed from the waist down. She has spent most of the ensuing decades in bed – a fact that she herself finds difficult to explain. Using a surveillance camera, she observes all those places that would otherwise remain hidden to her – her living room, her kitchen and, above all, life in front of her house. Florian Riegel, *1978 in Berlin. After stays abroad in Israel and Southamerica, he studied political science at the Freie Universität Berlin in 2002. From 2003 to 2009 he studied film/television at the Academy of Media Arts Cologne. ÆD 2009, Video, 26:35 ÆDirector, editing Florian Riegel ÆPhotography Luciano Cervio ÆMusic Set Fire To Flames / PC & Sebastian Borowski ÆProduction, distribution KHM

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LES INVISIBLES

NESNÁŠÍM... CO? (I HATE...WHAT?)

Lennart Stuyck

Mark Ther

Drehort für den Dokumentarfilm The invisibles ist der Bahnhof von Brüssel. Der Film handelt einerseits von der Fähigkeit zu sehen und andererseits gesehen zu werden. Die Bahnhofsuhr tickt, Züge fahren vorbei, Menschen kommen und gehen. Und doch hat jeder seine ganz individuellen Ambitionen und Träume. Sie alle wollen, so oder so, bemerkt werden. In The invisibles sind die Kamerabewegungen ganz langsam inmitten dieser vielen verschiedenen Leben, die Kamera zieht vorbei, kehrt zurück und verweilt somit bei jedem Einzelnen von ihnen einen kleinen Moment lang. The documentary ›The invisibles is‹ set in the train station of Brussels. It’s a film about the ability to see on one hand and being noticed on the other. The clock of the station ticks, trains pass by and people come and go. Yet everybody has their own aspirations and dreams. All of them want, in one way or another, to be noticed. In The invisibles the camera moves slowly among these different lives, passes by or returns and thus halts at each and everyone of them.

Eine ältere, untersetzte, jedoch sehr elegante Dame, in schwarz-weiß gekleidet, mit kurzen, grauen, in Spitzen abstehenden Haaren erzählt. Sie schwelgt in Erinnerungen, spricht Sehnsüchte aus, und vermischt manchmal Dichtung und Wahrheit. Die Dame spricht und das Publikum wartet. Die Rolle ist wie das wahre Leben (nicht nur für diese Frau, Maria Callas oder Andy Warhol), man kann sie nicht ablegen. Der Zuschauer sieht der Frau zu, und spürt ganz genau die Anwesenheit einer anderen Person außerhalb des Blickfelds der Kamera. An older stout yet elegant lady clothed in black with short spiky silver hair speaks. She reminisces, yearns, and mixes traces of real stories with fiction. The lady speaks and the public waits. The role is like life (not only for this woman, Maria Callas or Andy Warhol), one cannot step out of it. The viewer watches the woman, and clearly perceives the presence of another person outside the camera's field of vision.

Lennart Stuyck graduated in 2009 from the Belgian filmschool RITS with great satisfaction. His graduation project won the audience award at the GROOT ONGEDULD festival. Currently he is making a movie for the national public broadcasting company. ÆB 2009, Video, 18:12 ÆDirector, script, editing Lennart Stuyck ÆPhotography Bram Conjaerts ÆMusic haruki ÆProduction Tom Van Herzele ÆDistribution Lennart Stuyck

To enumerate all the possibilities of meaning and pathos one finds in the vast oeuvre of Mark Ther, who, in his late 20s, has already become a prolific video artist in the Czech Republic, one would have to write an entire book. Rather than producing a body of work that boasts a coherent message, Ther's videos - incredibly short, cinematic, hilarious, and confusing - have concerned themselves with the enunciation of a definitive style ... ÆCZ 2009, Video, 18:00 ÆDirector Mark Ther ÆScript Eva Svobodová, Nicoll Ulrich, Mark Ther ÆPhotography, editing Martin Boyer ÆMusic Martin Hejl ÆCast Slecna Laura ÆDistribution Mark Ther

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INTERNATIONAL SELECTION WE DON'T CARE ABOUT MUSIC ANYWAY

WE DON'T CARE ABOUT MUSIC ANYWAY Cédric Dupire, Gaspard Kuentz

Auf einem Schrottplatz legt Otomo Yoshihide vorsichtig und mit Präzision eine Münze auf eine Platte, die sich auf einem Plattenteller dreht. Dann geht er in Richtung seines Transistorradios. Die Münze lässt den Tonabnehmer wieder und wieder an exakt die gleiche Stelle auf der Platte zurückkehren, zum gleichen hohen gläsernen Ton. Sinuswellen dröhnen aus dem Transistor. Ein Ausatmen, dann ein dichtes, dumpfes Geräusch. Der Draht in einer Glühbirne wird weißglühend. Yamakawa Fuyuki, auf dessen nackter Brust ein elektronisches Stethoskop mit Klebeband befestigt wurde, lässt seinen Herzschlag in der Dunkelheit einer Höhle hallen. Zu jedem Herzschlag flammt als Antwort ein Licht auf und macht so unauffällig die Felswände sichtbar. Die Stadt erwacht. Geschwindigkeit, Lärm, Gedränge. Ein U-Bahn-Zug kommt und geht, die Hinweise ›Vergewissern Sie sich, dass Sie kein Gepäck im Zug lassen‹ ertönen aus den Lautsprechern und auch ›Bitte benutzen Sie für Ihren Abfall die dafür vorgesehenen Behälter‹. Sie alle klingen wie hypnotisierende Nachrichten, die das Ziel haben, einen allgemeinen Ausbruch zu verhindern. Sakamoto Hiromichi, Otomo Yoshihide, Yamakawa Fuyuki, L?K?O, Numb, Saidrum, Takehisa Ken und Shimazaki Tomoko beachten sie nicht mehr. Sie haben diese Stimmen von Kindesbeinen an gehört. Sie gehören zur Lautsprecher-Generation. Die Generation, die damit aufwuchs, Papierschwingungen zuzuhören. In a metal dump, Otomo Yoshihide is minutely placing a coin on a record playing on a turntable. Then he heads towards his radio transistor. The coin sends the pick-up back to the exact same place on the record again and again, to the same high-pitch glassy note. Sinus-waves burst out of the transistor. An exhalation, then a thick and dull sound. The conducting wire of a light bulb turns white-hot. Yamakawa Fuyuki, an electronic stethoscope taped on his naked chest, is making his heartbeat resonate in the darkness of a cavern. To every beat a light flash answers, stealthily revealing the rock walls. The city wakes up. Speed, noise, crowd. A subway train comes and goes, the ›don’t forget your luggage on board‹ announcements are spread out by the loudspeakers as the ›please put your garbage in the appropriate container‹ are. They all sound like hypnotic messages aiming to hold any public outburst back. Sakamoto Hiromichi, Otomo Yoshihide, Yamakawa Fuyuki, L?K?O, Numb, Saidrum, Takehisa Ken and Shimazaki Tomoko don’t really pay attention to those anymore. They have heard those voices from the cradle. They belong to the loudspeaker generation. The generation that was raised listening to the paper vibrations. Cédric Dupire, *1979. In 2003, he went to India to listen to traditional music of Rajasthan. From this encounter happened his first full-length documentary: Musafir (2005). In 2008, he participated in a project revolving around the underground scene in Japan. This resulted in ›We don’t care about music anyway…‹. Gaspard Kuentz, *1981. In 2003, he studied cinema at Eiga Bigakko school, Tokyo. In 2005, short fiction film Chinpira Is Beautiful for the japanese Yakuza 23 Ku series. In 2008, he co-directed ›We don’t care...‹. ÆF 2009, Video, 80:00 ÆDirectors Cédric Dupire, Gaspard Kuentz ÆScript Cédric Dupire, Gaspard Kuentz, Noa Garcia ÆPhotography Cédric Dupire ÆSound Jacob Stambach ÆEditing Charlotte Tourrès ÆCast, music Otomo Yoshihide, Sakamoto Hiromichi, Takehisha Ken, Yamakawa Fuyuki, Numb, Saidrum, L?K?, Goth-Trad ÆProduction, Distribution Studio Shaiprod

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INTERNATIONAL SELECTION THE EMPEROR'S NEW CLOTHES

ALL RESTRICTIONS END

THE EXCEPTION AND THE RULE

Reza Haeri

Karen Mirza, Brad Butler

›All Restrictions End‹ ist ein experimenteller Dokumentarfilm, der sich mit der zeitgenössischen iranischen Geschichte befasst und dabei seinen Fokus auf die Entwicklung der Kleidung und Mode richtet. Die Struktur dieses nachdenklich stimmenden, free-form Films ist eine Collage, die sich dem Filmmaterial aus den Archiven iranischer Kinos bedient, Bildern aus verschiedenen Stilepochen in der Geschichte der persischen Malerei sowie Grafiken aus der Zeit der islamischen Revolution und Arbeiten, die von diversen Künstlern zur Verfügung gestellt wurden. ›All Restrictions End‹ is an experimental documentary dealing with contemporary Iranian history, focusing on the evolution of clothes and fashion. The structure of this thought-provoking, free-form film is a collage, using archival footage from Iranian cinema, imagery from various stylistic epochs in the history of Persian painting, and graphics from the period of the Islamic Revolution, and works provided by various artists.

Vorwiegend in Karatschi gedreht, bedient sich The Exception and the Rule einer Vielzahl von Strategien, um politische Themen bewusst zu behandeln. Unter Verzicht auf traditionelle Methoden der Dokumentation, zeigt der Film das alltägliche Leben in Zeiten bürgerlicher Unruhen, z.B. Ereignisse vor Ort, öffentliche Interventionen und Beobachtungen. Diese komplexe Arbeit ergänzt das Artangel Projekt ›The Museum of Non Participation‹ von Mirza/Butler. – Mark Webber London Film Festival Shot primarily in Karachi, The Exception and the Rule employs a variety ofstrategies innegotiating consciously political themes. Avoiding traditional documentarymodes, thefilm frames everyday activities within a period of civil unrest,incorporating performancesto camera, public interventions and observation. This complex worksupplements Mirza/Butler'sArtangel project ›The Museum of Non Participation‹. - Mark Webber LondonFilm Festival

Reza Haeri, *1974, is an Iranian filmmaker and producer of documentary and short films. He lives and works in Tehran. Some of his recent works include 2004: landfill; waltzing. 2005: Imam Internet. 2006: 127 an Iranian band. 2008: Final Fitting. 2010: FYI London underground. ÆIR 2009, Video, 31:00 ÆDirector, editing Reza Haeri ÆScript, Narration Reza Haeri, Sahand Abbi ÆPhotography Mostafa Ghaheri ÆNarrator Maryam Erfan, Sahand Abbidi ÆProduction Reza Haeri & Bani Khoshnoudi for Pensee Sauvage Films ÆDistribution Reza Haeri

Brad Butler, *1973, has an MA in Documentary Filmmaking from the Royal College of Art and a degree in Anthropology. In 2000 he won the BBC2 Documentary talent 2000 competition, as well as the National Student Television Award in 1998. Since 1998 he has been creating a body of work in collaboration with Karen Mirza that has moved between the documentary form and artists film. This ongoing dialogue about practice has manifested itself in artistic work presented in exhibitions, events and the cinema. Together with Karen Mirza, he is co-founder of the space no.w.here. Karen Mirza, *1970, first studied painting at the Camberwell College of Art and continued through her MA in film and video at the Royal college of Art. Since graduating in 1997 she has created site specific and site conditioned works for galleries, public spaces and the cinema that foreground the sculptural qualities of projection and the architectonics of film and video. Karen currently works on solo and collaborative projects utilising printmaking, photography and film to explore themes of ›the imagination and the everyday’, ›the psychoanalytical and the political’. ÆGB 2009, Video, 37:00 ÆRealisation Karen Mirza, Brad Butler ÆDistribution [email protected]

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INTERNATIONAL SELECTION DECAY AND EROSION 5 LESSONS AND 9 QUESTIONS ABOUT CHINATOWN

THE HOMESTEAD ACT

Shelly Silver

Steven Woloshen

Man lebt irgendwo und geht immer dieselbe Straße entlang. 50 Mal. 100 Mal. 10.000 Mal. Jedes Mal schnappt man Teile auf, aber registriert doch niemals das Ganze. Ein Gebäude wird abgerissen, und bevor das neue dasteht, fragt man sich: ›Was stand eigentlich vorher da?‹ 10 Häuserblocks, Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, Zeit, Licht, Bewegung, Immigration, Ausgrenzung, Gentrizifierung, Rassismus, Geschichte, China, Amerika, 3 Sprachen, 13 Stimmen, 152 Jahre, 17.820 Bildausschnitte, 9 Minuten, 54 Sekunden, 9 Fragen, 5 Lektionen, Chinatown. You live somewhere, walk down the same street fifty, a hundred, ten thousand times, each time taking in fragments, but never fully registering the place. A building comes down, and before the next one is up you ask yourself ›what used to be there?‹ 10 square blocks, past, present, future, time, light, movement, immigration, exclusion, gentrification, racism, history, China, America, 3 languages, 13 voices, 152 years, 17,820 frames, 9 minutes, 54 seconds, 9 questions, 5 lessons, Chinatown.

Erosion ist ein Symbol für Veränderung und Regeneration in einem Land. Das Homestead Act, das auf US-amerikanischem Bundesrecht basiert und den Antragsstellern Anspruch auf Grundbesitz in Form von 160 Hektar unerschlossenem Land verleiht, ist ein kurzer Experimentalfilm über Erosion und die Folgen von Verfall. Erosion is a symbol of change and regeneration in the land. The Homestead Act, based on the United States Federal law that gave an applicant freehold title to 160 acres of undeveloped land, is a short experimental film about erosion and the results of decay.

Shelly Silver, *1957 in New York. Using an irreverent mixture of fiction, documentary and experimental genres, Shelly Silver's work is funny, poetic and formally beautiful, seducing the viewer into pondering such difficult issues as the cracks in our most common assumptions, the impossibility of a shared language, and the ambivalent and yet overwhelming need to belong. Silver's art has been exhibited widely throughout the U.S., Europe and Asia. She lives in New York and teaches in the Visual Arts department, Columbia University.

Steven Woloshen, *1960 in Montreal. In 1980 he was admitted to Concordia University in Montreal and specialized in 16mm independant film techniques. In 2002, he presented to the public his first retrospective of films produced between 1982 and 2002 hosted by The Cinémathèque Québécoise. Steven Woloshen is currently living in Montreal and is a member of the Director's Guild of Canada since 1991, and the STCVQ since 1986.

ÆUSA 2010, Video, 10:00 ÆDirector, script, photography, editing Shelly Silver ÆProducer Karin Chien ÆDistribution dGenerate Films

ÆCDN , Video, 8:11 ÆDirector, script, photography, animation, editing Steven Woloshen ÆDistribution Vidéographe

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THEY COME THEY GO (25TH FRAME)

BEYOND THE ROUNDABOUT?

Boris Oicherman

Nicky Larkin

Eine 1-minütige Animation aus Schwarz-Weiß-Fotografien, die mit einer Geschwindigkeit von einer vierundzwanzigstel Sekunde über den Bildschirm flimmert, untermalt mit Musik von Robert Fripp und Patricia Leavitt. A 1-minute animation built from black and white photographs flickering at the rate of 1/24th of a second, with music by Robert Fripp and Patricia Leavitt.

Beyond The Roundabout? erkundet die berüchtigten Viertel der Stadt Limerick. Der Film wurde über einen Zeitraum von acht Monaten gedreht und entführt uns weit hinein in die verwahrlosesten Gegenden Irlands. Der Stadtrat hat sich entschlossen, diese Gebiete komplett abzureißen und die konfliktbeladenen Viertel neu aufzubauen. Die Bewohner werden jedoch immer frustrierter, weil nichts unternommen wird und leben in ständiger Angst inmitten eines endlosen Teufelskreises von Morden im Unterweltmilieu. Kann die reine Umgestaltung des äußeren Bildes wirklich solch tiefverwurzelte Probleme sozialer Ausgrenzung beheben? Beyond The Roundabout? explores the notorious estates in Limerick city. Shot over the course of eight months, it takes us deep inside Ireland’s most neglected estates. The City Council has decided to completely demolish these areas, and rebuild the troubled estates. However, the residents are becoming frustrated by the lack of action, living in fear amid an endless cycle of gangland murder. Can a superficial transformation really address such deep-rooted issues of social exclusion?

Boris Oicherman: I studied printing technologies, digital imaging, and completed my PhD in colour science in 2006. At the moment I am a senior research scientist in the Hewlett Packard Laboratories, where I do research in the fields of colour science, computational photography and image emotion. I am an autodidact artist working with photography, animation, installation and generative video. ÆIL 2009, Video, 1:00 ÆRealisation Boris Oicherman ÆDistribution Boris Oicherman

Nicky Larkin, *1983 in Birr, Ireland. He studied Fine Art in Chelsea College of Art, London. In 2007 he travelled to the Chernobyl exclusion zone to make the internationally-acclaimed experimental short ›Pripyat‹. In 2008 his work was screened at The Locarno Film Festival, Switzerland, The European Media Art Festival, Germany, The Optica Madrid International Video-Art Festival, and The Strasbourg International Film Festival. He is represented by The Molesworth Gallery, Dublin. ÆIRL 2009, Video, 44:10 ÆDirector, script, photography, editing Nicky Larkin ÆDistribution Nicky Larkin

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INTERNATIONAL SELECTION ADIEU MON GENERAL

ADIEU MON GÉNÉRAL Muriel Montini

Der Monat Juli. Alles, was zum Sommer gehört, Strand, Feste, Begegnungen, der Anfang von Liebesgeschichten. Und das Ende. ›Geht es hier darum, die tägliche Routine der Liebe darzustellen, eine Fiktion über das Ende einer Geschichte zu schaffen? Muriel Montini weigert sich, die Dinge so zu sehen und ihre früheren Filme (insbesondere ihre Kurzfilme) haben dies schon mit Vehemenz gezeigt. Stattdessen behandelt sie das Kino als ein aufwändiges Vorhaben, selbst wenn die ihr zur Verfügung stehenden Mittel offensichtlich bescheiden sind, und sie passt sich virtuos daran an. Es ist genau diese Kombination zwischen den unbearbeiteten, fast schon zusammengewürfelt wirkenden Szenen, die man auch als ›gestohlen‹ bezeichnen könnte – bei Tanzveranstaltungen, auf der Straße, am Strand, bei Pferderennen, selbst in der Wohnung (natürlich sind diese die schwierigsten) und einer Genauigkeit bei Bildeinstellung und Schnitt, die zeitweilig ungleichmäßig, ungeordnet sind - ein Können, das kurz gesagt nicht von Anfang an sichtbar ist, sich vielmehr erst durch seine Beharrlichkeit offenbart, die den Wert von ›Adieu‹ ausmacht. Der besagte General ist hier offensichtlich das Objekt jener Liebe und er wird allmählich seine Streifen verlieren. Er übernimmt auch eine Funktion als eine Art kineastische Position – interventionistisch, selbstbewusst, jemand, der wie ein guter kleiner Soldat Pläne organisiert. Daher ist es ein zweifacher Kampf, der geführt wird. Wie über (fast) nichts sprechen: Spätes Aufwachen unter einem Kissen, Geldprobleme, der Name des Viertels, Gesprächspausen, Enttäuschung, ohne Bedeutungskrümel mit einer Geste zu verzerren, die viel zu großartig für sie ist. Im weiteren Sinne, wie ›Adieu‹ sagen zur bekannten Ordnung und ein neues Drehbuch schreiben, das endlich zeitgemäß ist.‹ (Jean-Pierre Rehm/Fidmarseille - association vue sur les docs) The month of July. Everything that makes a summer; the beach, the balls, the encounters, the beginning of love stories…And the end. ›Is this about documenting the daily routine of love, to create a fiction around the end of a story? Muriel Montini refuses to share things this way, and her previous films (her short films, especially) have already shown this with firmness. Instead, she treats cinema as a massive operation, even though her resources are clearly modest, and she adapts to it with virtuosity. It is precisely this alliance between its raw, almost thrown together aspect of scenes we might call ›stolen‹ – at popular dances, in the street, on the beach, at horse races, in the flat too (the most delicate, of course) – and a precision in the framing and editing which at times are uneven, disordered, whose mastery, in a word, does not reveal itself from the outset, but rather through its tenacity, that gives value to Adieu. The General in question is here obviously the object of that love, and he will gradually lose his stripes. But he also functions as a sort of cinematic position – interventionist, self-confident, someone to organise plans like a good little soldier. It’s a twofold battle that is waged, therefore. How to speak about (almost) nothing: waking up late hidden under a pillow, money problems, the name of the neighbourhood, lulls in conversations, disappointment, without distorting the crumbs of meaning in a gesture that is much too vast for them. In a wider sense, how to say ›adieu‹ to known order and to write a new script that is, finally, contemporary.‹ (Jean-Pierre Rehm/Fidmarseille - association vue sur les docs) Muriel Montini, studies of cinema, lives and works in Paris. ÆF 2009, Video, 58:15 ÆDirector, script, photography, editing, production Muriel Montini ÆCast Youcef Bélaribi, Muriel Montini, Steven Durose, Thierry Renon, Alain Comte, Wasthie Comte ÆDistribution Muriel Montini

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INTERNATIONAL SELECTION ILLUSIONS + OTHER TRUTHS FILM FÜR ÜBERS SOFA (FILM FOR ABOVE THE SOFA)

PSYCHO-ANALÝZA (PSYCHO-ANALYSIS)

Daniel Kötter, Hannes Seidl

Barbora Švarcová

›Man muss auch mal Bilder für übers Sofa malen.‹ (Martin Kippenberger) Katharina Kellermann und Frank Max Müller häufen an. Sie arrangieren Gegenstände im Zimmer, schichten, schieben, trennen, produzieren Klang, Bewegung, Lärm, Film, Musik. Während der Bildraum immer wieder umgeschichtet, neu arrangiert und umgedeutet wird, verdichtet sich der Klangraum zu einer musikalischen Erinnerungsspur von visuell schon wieder abwesenden Aktionen. ›Sometimes you need to produce paintings to be hung above the sofa,‹ (Martin Kippenberger). Katharina Kellermann and Frank Max Müller accumulate objects. They arrange and re-arrange the set, they push, pile up and tear apart. They produce sound, movement, noise, film, music. While the cadre is rearranged and reinterpreted again and again, the soundtrack accumulates musical traces of what has visually already disappeared.

Als Material für meinen Film wählte ich einen der bekanntesten ›Klassiker‹ aller Zeiten: Hitchcocks Psycho. Ich war bestrebt eine Situation zu schaffen, wie ich sie mir immer vor meinem geistigen Auge vorgestellt hatte wenn ich über einen Film nachdachte. As my material, I chose one of most wellknown ›classic‹ movie of all times: Hitchcock’s Psycho. I have endeavoured to construct the situation I always imagined in my head when I was thinking about a film.

Daniel Kötter, *1975, working as director and video artist with special interest in multiscreening and multiperspective video installations. His video- and theatre works were shown at various international festivals, in concert halls, theatres and galleries in Germany, Austria, Switzerland, Belgium, France, Portugal, USA and Mexico. Hannes Seidl, *1977 in Bremen, Germany. He studied composition at the Folkwang-Hochschule from 1998 until 2003 and as a postgraduate in Graz 2003-04. He has had international performances with ensembles such as Klangforum Wien, Ensemble Modern, Ensemble Oriol, Thürmchen Ensemble and KNM. He lives in Frankfurt since 2005 as a freelance composer.

Barbara Švarcová, study at Centre of Audiovisual Studies FAMU, which is part of Academy of Performing Arts in Prague, Czech Republic. Her main domain is video, but now is trying to emancipate from computer and make installation. ÆCZ 2009, Video, 3:10 ÆDirector, script, photography, editing Barbora Švarcová ÆDistribution Barbora Švarcová

ÆD 2009, Video, 11:37 ÆDirectors, script Daniel Kötter, Hannes Seidl ÆPhotography, editing Daniel Kötter ÆMusic Hannes Seidl ÆCast Katharina Kellermann, Frank Max Müller ÆDistribution Daniel Kötter

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INTERNATIONAL SELECTION ILLUSIONS + OTHER TRUTHS BEINE BRECHEN (BREAKING LEGS)

EVERYBODY

lorian Krautkrämer

Jessie Mott, Steve Reinke

Drinnen wurde allmählich alles so falsch wie außerhalb. Die anhaltende Willkür war erdrückend. Doch seit einiger Zeit formierte sich hier Widerstand. Mit Ausreden und Scheuklappen hat sich der Mann erfolgreich seine eigene Welt geschaffen, ohne auf äußere Einflüsse reagieren zu müssen. Als ihn das Schicksal dennoch zur Entscheidung zwingt, wählt er erneut eine Fassade aus Lüge und Schauspiel. ›Beine Brechen‹ ist ein Stummfilm. Everything seemed to go wrong from within and without. The never-ending official arbitrariness was oppressing, the examining glance outside. But lately, resistance has formed here. With excuses and blinders, the protagonist achieved in building his own world without reacting to the events taking place. But when fate tried to force him into making a decision, he chooses again a facade constructed of lies and spectacle. ›Breaking Legs‹ is a silent movie

In dieser kurzen Animation diskutieren Tiere über das umstrittene Thema Körperwahn und die Vorzüge der wiederherstellenden Chirurgie. ›Jessie Mott schrieb das Drehbuch dafür, nahm die Stimmen auf und machte die Zeichnungen. Ich entwarf die Filmmusik und erweckte ihre Zeichnungen zum Leben.‹ - Steve Reinke Animals debate the sticky subject of body dysmorphia and the merits of reconstructive surgery in this short animation. ›Jessie Mott wrote the script for this, recorded the voices and made the drawings. I constructed the soundtrack and animated her drawings.‹ - Steve Reinke

Florian Krautkrämer, *1977 in Freiburg, studied Fine Arts (film class) at HBK Braunschweig. He is working as a research assistant and lecturer in the media studies department of HBK Braunschweig since 2005. ÆD 2009, 35 mm, 14:40 ÆDirector, script Florian Krautkrämer ÆPhotography Sebastian Egert ÆEditing Sebastian Neubauer ÆMusic Peter M Glantz ÆCast Lars Rudolph, Susanne Maierhöfer, Tilman Thiemig, Moritz Koch, a. o. ÆDistribution Florian Krautkrämer

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Jessie Mott is a visual artist who currently lives in Chicago. She earned an MFA from Northwestern University and a BFA from New York University. Her practice encompasses painting, drawing, collage, sculptural objects, video and installation that speak to a dream-like or nightmarish quality of fantasy and the grotesque. In 2009, she collaborated with Steve Reinke on the animation EVERYBODY, which has been screened in national and international festivals. Steve Reinke, *1963, is an artist and writer best known for his videos. His work is screened widely and is in several collections, including the Museum of Modern Art (New York), the Centre Pompidou (Paris), and the National Gallery (Ottawa). His tapes typically have diaristic or collage formats, and his autobiographical voice-overs share his desires and pop culture appraisals with endearing wit. He is currently associate professor of Art Theory & Practice at Northwestern University. ÆUSA 2009, Video, 4:06 ÆDirector, producer Jessie Mott, Steve Reinke ÆScript, art design Jessie Mott ÆEditing Steve Reinke ÆDistribution Video Data Bank

NII PIKK (SO LONG)

ZEITRISS

THE HEALERS

Andres Tenusaar

Quimu Casalprim i Suárez

Tim Leyendekker

Dieser Film ist wie der unumgängliche Albtraum. Menschen haben Angst vor Dingen, die in ihnen entstehen. Sie haben auch Angst vor Dingen, die auf sie zukommen oder in sie eindringen. This film is like the essential nightmare. People are very afraid of things that come out of them. They are also very afraid of things that are coming at them or into them.

Im Wohnzimmer setzt sich die Frau neben den Mann und schweigt. Es ist das Ende. Und es ist gleichzeitig der Anfang einer Verwandlung des Geschehens: Licht, Geräusch und Bewegung. A woman sits down next to the man in the living room and remains silent. It is the end. And at the same time, it’s the beginning of a transformation of events: light, sound and motion.

The Healers ist die dekonstruierte Rekonstruktion einer Erinnerung, die im Nachtleben von Rotterdam in der Mitte der 90iger Jahre liegt. Schichten, die normalerweise eine kinematografische Einheit bilden, indem sie miteinander verschmelzen, werden erlegt und dann einzeln serviert, um so die Grenzen einer konstruierten Erzählung herauszufordern. The Healers kann als Fortsetzung von ›still‹ betrachtet werden, die von der Kritik gefeierte Arbeit, die erstmals auf dem IFFR 2006 gezeigt wurde, und die unter anderem Teil der offiziellen Auswahl von Clermont Ferrand, TIE und EMAF Osnabrück war und mit diesem weltweit auf Tour war. The Healers is a deconstructed reconstruction of a memory set in the mid-nineties nightlife of Rotterdam. Layers that usually form a cinematographic entity by merging together are stripped bare and served up separately in order to provoke the boundaries of the constructed narrative. The Healers can be regarded as the sequel to ›still‹, the critically acclaimed work that premiered at IFFR 2006 and that was in the official selection of Clermont Ferrand, TIE, and EMAF which toured with the film worldwide.

Andres Tenusaar studied Art and Photography. He has been working as an animator and film director since 2000. He has also made videos for theatre and dance pieces, composed music for films, and often performs as a VJ playing his own animated videos. ÆEST 2009, Video, 4:15 ÆDirector, script, photography, editing Andres Tenusaar ÆAnimation Andres Tenusaar, Raivo Möllits ÆMusic Tanel Ruben ÆCast Heigo Eeriksoo ÆDistribution Andres Tenusaar

Quimu Casalprim i Suárez, *1977 in Blanes, Catalonia. He studied Film and Philosophy in Barcelona and has since worked as a filmmaker and media artist. He has been studying as a postgraduate at the Academy of Media Arts Cologne since 2007. ÆD 2009, Video, 11:07 ÆDirector, script, editing Quimu Casalprim i Suárez ÆPhotography Rasmus Sievers ÆMusic Markus Zilz, Oliver Salkic, Quimu C.S. ÆCast Heike Trinker, Klaus Nierhoff ÆDistribution KHM

Tim Leyendekker, *1973, Netherlands, attended the Willem de Koning Academy for Fine Arts in Rotterdam. He is a visual artist, filmmaker and curator. ÆNL 2010, 35 mm, 9:40 ÆDirector, script Tim Leyendekker ÆPhotography Tim Leyendekker, Matte Mourik ÆEditing Adri Schrover ÆCast Michiel Bijmans, Gijs Nollen, Willem Schouten ÆDistribution Filmbank

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INTERNATIONAL SELECTION ORAL HYPNOSIS

ORAL HISTORY

RED HERRING

CÓMO DIBUJAR ANIMALES TRISTES...

Volko Kamensky

Nico Herbst

Pere Ginard & Laura Gines

Gibt es ein kollektives Gedächtnis und falls ja, kann man es abbilden? Es befragen? Selbstredend ja, behauptet Volko Kamensky. Eine Reportage aus dem Land der Gebrüder Grimm. Is there such a thing as a collective memory? And, assuming there is, would it be possible to represent it in some way? To question it? For Volko Kamensky, the answer is self-evident: Of course! A report from the land of the Brothers Grimm.

Teil einer Reihe von Arbeiten, die auf einer ganz eigentümlichen Methode des Porträtierens basiert – oder gar einer Form des Anti-Porträts – je nach Körnung des Videos. Eine fiktive Figur taucht aus verschiedenen Formen und Landschaften auf, ist aber nie wirklich sichtbar. Die Bilder dienen als eine Art Ablenkung – ein Ersatz für all das, was man nie direkt sehen kann. Red Herring is part of a series of works based on an idiosyncratic method of portraiture–or even a form of anti-portraiture–specific to the porosity of video. An imaginary figure emerges from various forms and landscapes but is never seen directly. The images serve as a kind of camouflage–substitutes for what can never be seen head-on.

›Cómo dibujar animales tristes o cuaderno de todas las cosas vivas y muertas que imaginé la noche que te fuiste para siempre‹ (›Wie man traurige Tiere malt oder das Notizbuch aller lebenden und toten Dinge, die ich mir vorgestellt hatte in der Nacht, als du für immer gingst‹). ›Cómo dibujar animales tristes o cuaderno de todas las cosas vivas y muertas que imaginé la noche que te fuiste para siempre‹ (›How to draw sad animals or notebook of all the living and dead things that I imagined the night you went away forever‹).

Volko Kamensky, *1972 in Würzburg, studied at the HFBK Hamburg from 1994 to 2001. He is working as a filmmaker, visual artist and set designer. In 1999 he received the German Film Critics Award and the Goethe-Institut Documentary Film Prize for ›Divina Obsesión‹. He has participated in many film festivals in Europe and abroad. ÆD 2009, 35 mm, 22:00 ÆDirector, script, editing Volko Kamensky ÆPhotography Uli Fischer ÆSounddesign Julian Rohrhube ÆDistribution Volko Kamensky

Nico Herbst lives in New York City. Recent screenings/exhibitions of his work include European Media Art Festival Osnabrück (2009 and 2006), La MaMa E.T.C., NYC, Compact Space Gallery, Los Angeles, Sante Fe Art Institute, NM, Stageworks/Hudson, NY, Kinofilm, Manchester, UK, GLAMFA, Long Beach, Supersonic, L.A., and Kava Lounge, San Diego. He received a Bachelor of Arts at Hampshire College and a Master of Fine Arts at University of California, San Diego. ÆUSA 2009, Video, 7:14 ÆDirector, script, photography, editing, music, cast Nico Herbst ÆDistribution Nico Herbst

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Laura Ginès and Pere Ginard are illustrators, filmmakers and founding members of Laboratorium, a micro-factory that combines the creation of experimental films and publications with illustration and graphic design. Their works have been exhibited at numerous art galleries in Europe, Asia and the United States. They have also published various books and won awards for photography, illustration and audiovisual projects. ÆE 2009, Video, 4:34 ÆDirector, script, photography, animation, editing, music Pere Ginard, Laura Ginès ÆDistribution Pere Ginard

THE INTERPRETERS

UNTITLED - HYPNO PROJECT

Johannes Maier

Douglas Fishbone

In einem Konferenzsaal der Europäischen Kommission in Brüssel organisierte ich ein Treffen mit 12 Dolmetschern. Aus Anlass der Arbeit ›The Interpreters‹ bat ich sie um die Verdolmetschung der Ankündigung und Einführung in mein Projekt, sowie der anschließenden Diskussion, die sie untereinander führten. Ich regte sie an ein eigenes Kommunikationssystem zu entwickelten, welches die Grundlage für eine Diskussion über Simultanübersetzung darstellte. In a conference room at the European Commission in Brussels I arranged to meet 12 interpreters. For the purpose of ›The Interpreters‹ I invited them to interpret the announcement and introduction to my project as well as the following discussion amongst themselves. In doing so, they were encouraged to invent their own communication system in order to create an unusual platform for a discussion about simultaneous interpretation.

Es interessierte mich zu sehen, wie ein Publikum reagieren würde, nachdem sein Bewusstseinszustand verändert wurde und es die Möglichkeit hat zu erfahren, wie ein Werk auf verschiedenen Ebenen gleichzeitig Wirkung zeigen kann – je nachdem wer es anschaut. Ich filmte eine Gruppe von 12 Personen, die alle von einem professionellen Bühnenhypnotiseur in Hypnose versetzt wurden, während sie eine neue Videoarbeit von mir ansahen, die ich unter Verwendung einer Reihe von unterschwelligen Bildern und anderen Formen von visuellen Reizen gemacht hatte. Jeder Zuschauer erhielt spezielle Anregungen, während er sich in Trance befand. I was interested to see how an audience would respond after their conscious state had been altered, presenting the possibility that a work can operate on different levels simultaneously – depending on who views it. I filmed a group of 12 people, all of whom had been hypnotized by a professional stage hypnotist, as they watched a new video work I made using a range of subliminal images and other kinds of prompts. Each member of the audience was given specific suggestions while under trance.

Johannes Maier, *1971 in Ulm, Germany, lives and works in London. His work documents events in which he collaborates with people and institutions such as interpreters at the European Commission and a newsroom picture editor at the BBC. The focus of Maier's work, intentionally positioned at the boundaries of art, documentary and media, is a critical engagement with televisual forms. ÆGB 2009, Video, 21:56 ÆDirector, script, editing Johannes Maier ÆPhotography Bjørn Ståle Bratberg, Stefania Marangoni, Ulrich Walther ÆDistribution Johannes Maier

Doug Fishbone is an American artist living and working in London. He earned an MA in Fine Art degree at Goldsmiths College in 2003 and was awarded the Beck's Futures Prize for Student Film and Video in 2004. He is perhaps best known for his project 30,000 Bananas, a huge mountain of ripe bananas installed in the middle of London's Trafalgar Square and later given away free to the audience - in October 2004. ÆGB 2009, Video, 12:55 ÆDirector Douglas Fishbone ÆPhotography Tim Sidell ÆEditing Tolga Saygin ÆDistribution Douglas Fishbone

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INTERNATIONAL SELECTION MISSING LINKS NACHT UM OLYMPIA (NIGHT AT OLYMPIA) M FOR MOMMY

SISÄINEN LÄHIÖ (SUBURB WITHIN)

GESCHICHTEN AUS DER HEIMAT (HOMESTORIES)

Timo Schierhorn

Kristine Diekman

Pekka Sassi

Curtis Burz

Essayistische Annäherungen an die Person des eigenen Vaters, der nur noch in Form von Bildern und alten Filmen existiert. Die Befragung der gefundenen Bilder führt bis zur Neuinszenierung von Weihnachtsfesten und Sportlertreffen. Essayistic approach to the person of one’s own father, who only exists in the form of images and old movies. The examination of the found footage leads to re-enactments such as Christmas celebrations and work-outs for sports tournaments.

Was sind das für unüberwindbare, unstillbare, enorme Bedürfnisse, die wir auf das Kind übertragen, auf die die Mutter mit Angst, Frustration, Besorgnis und Wut reagiert? M for Mommy beschäftigt sich mit dem Muttersein, aus der Sicht von Tochter und Mutter. What are these insurmountable, unquenchable, vast needs we assign to the child, towards which the mother responds with fear, frustration, anxiety and rage? M for Mommy examines motherhood, from the viewpoint of the daughter and mother.

Ein Film über Kommunikation, Erzählung und Gegenwart. ›Das Gestern ist Geschichte, das Morgen ein Mysterium, das Heute aber ist ein Geschenk. Aus diesem Grund wird es Präsens(t) genannt.‹ A film about communication, narration and presence. ›Yesterday is history, tomorrow is a mystery, but today is a gift. That’s why it’s called present.‹

›Geschichten aus der Heimat‹ wirft einen kurzen Blick auf die Verelendung der Bundeshauptstadt und nähert sich der neuen Armut. ›Geschichten aus der Heimat‹ takes a quick look at the impoverishment of the German capital, and approaches the new poverty.

Timo Schierhorn, *1979 in Winsen/Luhe, Germany, studied Visual Communications at the HFBK Hamburg, graduated in 2009. ÆD 2009m, Video, 15:00 ÆDirector, script, editing Timo Schierhorn ÆPhotography Thomas Oswald ÆAnimation Ulf Groote ÆMusic Christian Mevs ÆCast Jo Kappl, Timo Schierhorn, Michael Schreiner, Annekatrin Schütz ÆDistribution Timo Schierhorn

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Kristine Diekman is a media artist whose work shows internationally. She is committed to making socially integrated films, videos and media installations. She is a Professor in California. ÆUSA 2009, Video, 9:39 ÆDirector, photography, editing Kristine Diekman ÆMusic Jeffrey Ruckma, Tony Allard ÆDistribution Kristine Diekman

Pekka Sassi, *1969, lives and works in Helsinki. In his work he uses various combinations of video images, sounds, and texts read aloud, architectural drawings, manipulated film material, music, voices, semi-scientific analyses, technical plans and drawings. His installations and videos have been show at solo and group exhibitions, as well as at festivals worldwide such as Rotterdam, Cannes, EMAF and Hamburg. ÆFIN 2009, 35 mm, 11:20 ÆRealisation Pekka Sassi ÆDistribution Bonobostudio

Curtis Burz, *1970 in Medias, Romania. Grew up in Germany, studied Psychology and then Eastern European Theory of Drama and Direction at Theaterinstitut Bremen. Curtis Burz works freelance as an actor, director and filmmaker. ÆD 2009, Video, 29:08 ÆDirector, script, editing Curtis Burz ÆPhotography Andreas Gockel bvk ÆMusic Christian Biegai ÆDistribution Curtis Burz

INTERNATIONAL SELECTION MASH UP - HOLLY GOES WOOD 2:48 MINUTOS CON LA PUERTA

GREAT MAN AND CINEMA

TATITUDE

Andrés Jurado

Jim Finn

Vivian Ostrovsky

Dieses Werk ist ein Mash Up von Szenen aus zwei lateinamerikanischen Horrorfilmen. Die Art wie dieser Film bearbeitet wurde schafft eine Gegenüberstellung zweier Möglichkeiten zur Darstellung der Frau, die miteinander verbunden werden, um den skurrilen Effekt von Horror, Spaß und Anspannung noch zu verstärken. This Work is a mash up of fragments of two Latin-American horror films. The edit creates a confrontation of two kinds of representations of the woman, conjugated to potentiate a strange effect of horror, fun and anguish.

Kim Jong II, der Stalinist David O. Selznick, leitet das staatliche Filmstudio, um somit die Möglichkeit zu haben, den Kult um sich selbst und seinen Vater noch zu verstärken. Dieser Film fasst die Führungsphilosophie des ›Geliebten Führers‹ kurz zusammen, mit seinen Gefühlen angesichts des imperialistischen Ungeheuers auf seinen Fersen. Kim Jong II, the Stalinist David O. Selznick, runs the state film studio as a way of promoting his own and his father's cult of personality. This film succinctly synthesizes the Dear Leader's directing philosophy with his feelings toward the imperialist beast at his heels.

Ein wunderbare Neuauflage von Jacques Tatis Klassiker Les Vacances de M. Hulot (Die Ferien des Herrn Hulot). Möwen schreien, Wellen klatschen und Badeurlauber tollen an endlosen Sommertagen am Strand. TATITUDE legt nahe, dass Sand, Wasser und Sonne die Grundelemente für ein glückliches, sorgenfreies Leben sind, vielleicht sogar das Geheimnis ewiger Jugend. Auf Super 8-Film gedreht. A delightful update of Jacques Tati’s classic Les Vacances de M. Hulot (Mr. Hulot’s Holidays). Seagulls squawk, waves crash and swimmers cavort in endless summer days spent on the beach. TATITUDE suggests that sand, water and sun are the basic elements in a happy, carefree life, and maybe even the secret to eternal youth. Shot in super 8.

Andrés Jurado: Visual artist, teaches in the Department of Visual Arts of the Pontificia Universidad Javeriana of Colombia. Studied at the University of Caldas. Realized a specialization in the National University of Colombia in Art and New Technologies. He is attending a Master in Visual Arts in the UNAM National School of Plastic Arts. ÆMEX 2009, Video, 3:01 ÆDirector, editing Andrés Jurado ÆDistribution Andrés Jurado

›Jim Finn has made a name for himself...thanks to his feeling for irony and his capacity to shape something new from propaganda, news and other historic images.‹ His films have screened at the MoMA and international festivals like Sundance, Rotterdam, Sao Paulo, AFI and Edinburgh as well as cinematheques, galleries and museums throughout the world. He has had retrospectives in Argentina, Spain, Colombia and Venezuela. He was born in St. Louis and is currently living in Providence, RI and teaching at Emerson College in Boston. ÆUSA 2009, Video, 3:55 ÆRealisation Jim Finn ÆDistribution Video Data Bank

Vivian Ostrovsky, *1945 in New York City. She grew up in Rio de Janeiro and studied psychology and film studies at the Sorbonne in Paris. She lives in Paris and New York and works as a filmmaker and distributor and as a programmer for the Jerusalem Film Festival. ÆF 2009, Video, 3:40 ÆDirector, script, photography Vivian Ostrovsky ÆEditing Vivian Ostrovsky, Ruti Gdis ÆDistribution JET LAG

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INTERNATIONAL SELECTION MASH UP - HOLLY GOES WOOD LES PARAPARAPLUIES

DON'T BOGART THAT JOINT

MASHED UP RADIO

ISABELLE HUPPERT SECRET THOUGHTS

Stefan Demming

Harald Schleicher

Tilman Küntzel

Christina Speer

Basierend auf Ausschnitten aus dem Film ›Les parapluies de Cherbourg‹ von Jacques Demy von 1964 ist per Sampling eine audiovisuelle Komposition entstanden, die den narrativen Gehalt der Einstellungen und Handlungen stark reduziert. Based on the film ›Les parapluies de Cherbourg‹ by Jacques Demy (1964), an audiovisual composition evolved that reduces the narrative elements of the original movie by turning short sequences into transformative loops.

Ein bizarrer Trip in das Kino der Drogen. ›Don't Bogart That Joint‹ is a bizzare trip into drug cinema.

Öffentliches ›mashed-up‹ Radio Mashed up public radio

Der Versuch, das Geheimnis Isabelle Hupperts zu ergründen. Psychologisches Portrait der Schauspielerin, das ihre intimsten Gedanken, Gefühle ihrem Dolmetscher offenbart. The attempt to find out the mystery of Isabelle Huppert. A psychological portrait of the actress bares her intimate thoughts and feelings to her interpreter.

Stefan Demming, biography see page 173. ÆD 2009, Video, 5:02 ÆDirector, editing Stefan Demming ÆScript Jacques Demy (footage) ÆPhotography Jean Rabier (footage) ÆDistribution Stefan Demming

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Harald Schleicher, *1951 in Backnang, Germany. 1973-79 Studies in Fine Arts. 1983-90 Studies in Cinematic Art, Promotion. 1993 Professor for Cinematic Art at the Johannes-Gutenberg-University, Mainz, Germany. ÆD 2010, Video, 8:40 ÆDirector, script, editing Harald Schleicher ÆDistribution Harald Schleicher

Tilman Küntzel, *1959 in Jugenheim a.d. Bergstr., Germany, lives in Berlin. He studied Fine Art at the HFBK Hamburg from 1985 until 1992. 1993 DAAD Stipend with Allan Kaprow at the University of California, San Diego. 2002 Klangkunstpreis (sound art award) WDR. 2007 Guestlecturer ›Sound Art‹ at the University of Arts, Berlin, faculty Fine Arts. ÆD 2009, Video, 2:02 ÆRealisation Tilman Küntzel ÆDistribution Tilman Küntzel

Christina Speer, *1969 in Groß- Schönebeck. 19901992 studies of Dance and painting at the Ultimate Academy, Köln. 1992- 1995 Study of Fine arts at Free academy of arts, Berlin. 1995- 2004 study at UDK, Berlin. Lives and works in Berlin. ÆD 2009, Video, 4:40 ÆDirector, script, photography, editing Christina Speer ÆMusic Serge Gainsbourg, Nick Cave ÆCast Isabelle Huppert ÆDistribution Christina Speer

QUIERO ESTAR EL RESTO DE MI VIDA CONTIGO

4

LONG LIVE THE NEW FLESH

SUSPENDED ANIMATION

Manuela Moreno

Edouard Salier

Nicholas Provost

Billy Lumby

Ich möchte den Rest meines Lebens mit dir verbringen! I want to spend the rest of my life with you!

Vier Briefe. 400.000 Möglichkeiten. Nur eine ist richtig. Four letters. 400,000 possibilities. Only one is real.

Manuela Moreno's debut as a director was the short film Dolores in 2008. Now she is promoting her new short film Quiero estar el resto de mi vida contigo.

Edouard Salier has created over the past ten years a wide range of graphic works, including short films, promos, tv idents and installations over the past 10 years. In 2005, his short films Empire and Flesh started touring around the world (Venice, Sundance, Paris, London, New York, Toronto, Séoul), and winning several awards in festivals. His new film 4 premiered in Clermont-Ferrand 2009 and has already been selected in more than 20 festivals. Edouard Salier is now preparing his first feature film.

Teile von Horrorfilmen kannibalisieren sich gegenseitig. Inmitten all des Schreckens und Gemetzels tritt eine neue visuelle Erzählung ans Licht. Fragments of horror films consume one another. A new visual story emerges beyond the dissection and horror.

Walt Disney wird in der Zukunft aufwachen und feststellen, dass er sich seit einigen hundert Jahren im Dornröschenschlaf befunden hat. Walt Disney awakes in the future to discover that he's been chronically frozen for a few hundred years.

Nicholas Provost, *1969 in Ronse, Belgium, lives and works in Brussels as a filmmaker and visual artist. His work is a reflection on the grammar of cinema and the relation between visual art and the cinematic experience. His films ›Plot Point‹, ›Suspension‹, ›Gravity‹, ›Papillon d’amour‹, ›Oh Dear‹ and ›EXOTICORE‹ have been broadcasted, screened and exhibited worldwide and have been awarded at prestigious festivals such as The Sundance Film Festival, The San Francisco International Filmfestival and the The International Film Festival Rotterdam.

Billy Lumby was born and raised in London where he studied philosophy before entering the film world, working as a creative assistant to directors such as Harmony Korine, Terry Richardson, Mike Figgis, Jonathan Glazer. This short, abstract piece is his film debut.

ÆE 2009, 35 mm, 2:30 ÆDirector, script Manuela Moreno ÆPhotography Paloma León Calopa ÆEditing Gaizka Ibarretxe ÆMusic Lantana ÆCast Manuela Burló, Abel López, José Ramón Ruiz ÆProducer Eduardo Moisés Escribano Solera ÆDistribution Mailuki Films, S.L.

ÆF 2009, 35 mm, 16:40 ÆDirector, script, editing Edouard Salier ÆPhotography Antoine Gallais Billaud, André Chemetoff ÆAnimation Florent Gombeaud, Xavier Reyé, Julien Michel, Fabien Vantroys ÆMusic Doctor L ÆCast Thomas Winter, Sarah Hilker, Vi Sapyyapy ÆDistribution Autour de Minuit

ÆB 2009, 35 mm, 14:00 ÆDirector, script, photography, editing, production Nicholas Provost ÆDistribution ARGOS distribution

ÆGB 2009, 35 mm, 11:00 ÆDirector, script Billy Lumby ÆPhotography Brett Turnbull ÆAnimation Ed Suckling ÆEditing Julia Knight ÆMusic Shervin Shaeri, Kate Bush ÆCast Samuel Roukin, Amara Karan ÆDistribution Billy Lumby

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INTERNATIONAL SELECTION 3-D SPECIAL AFTERIMAGE: A FLICKER OF LIFE

CHROMATIC FRENZY

PIN-UPS IN 3D

Kerry Laitala

Kerry Laitala

Kerry Laitala

Der Film bedient sich des grafischen Nachzeichnens, um kinesthetische Inschriften zu schaffen, die die Körperlichkeit der Arbeit mit dem Medium Film selbstreflexiv ansprechen. Um Bewegung für das nackte Auge sichtbar zu machen, strebten Marey und Muybridge das Nachbild zu erhalten, um auf skurrile Art an das Sichtbarmachen menschlicher Bewegung heranzugehen und dabei die Spuren ihrer Gegenwart zu beleuchten. Im 21. Jahrhundert sind Menschen auf ihre Gesten und Bewegungen im Raum reduziert. ›Afterimage- a Flicker of Life‹ employs graphic tracings to create kinesthetic inscriptions that speak to the physicality of working with the film medium in a self-reflexive way. Making motion visible to the naked eye was something that Marey and Muybridge strove to achieve ›Afterimage‹. They take a whimsical approach to envisaging human locomotion by illuminating the traces of their presence. In the 21st century, human beings are reduced to their gestures and movements in space.

Gedreht in meinem Studio, durchdringen wilde Farblichter die Atmosphäre. Vibrierende Farbschwaden penetrieren die Dunkelheit meines Ateliers; Scheinwerferspektren schwebender kristalliner Formen, inspiriert von Menschen wie Goethe, Fischinger, Albers, Belson, und den unsterblichen Sharits und Smith. Ein bunter Kessel, in dem Primärfarben gemischt werden, um eine Fülle von schwebenden Lichtspektren zu schaffen. Shot in my studio, frantic coloured lights permeate the atmosphere. Vibrating swathes of colour, penetrate the darkness of my studio; searchlight spectrums of suspended crystalline forms inspired by the likes of Goethe, Fischinger, Albers, Belson, and the ever immortal Sharits and Smith. A colorful cauldron where primaries are mixed to create a cornucopia of suspended spectrums of light.

Kerry Laitalas brandneue kleine Ode an die Unanständigkeit in 3D! Also dieses Video ist ziemlich kitschig, aber ich wollte eine skurile und unbeschwerte Burleske im Scherenschnittstil schaffen. Kerry Laitala’s brand-new winky ode to naughtiness in 3D! Well this one’s pretty hokey, but I wanted to make a whimsical and light-hearted burlesque in silhouette.

ÆUSA 2009, Video, 11:00 ÆDirector, script, photography, editing Kerry Laitala ÆMusic Nurse with Wound ÆDistribution Kerry Laitala

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ÆUSA 2009, Video, 6:00 ÆDirector, script, photography, animation, editing, music Kerry Laitala ÆDistribution Kerry Laitala

Kerry Laitala grew up in the wilds of the Maine coast, while developing a chronic passion for old things. She attended Massachusetts College of Art studying Photography and Film and received her Masters degree from the San Francisco Art Institute in Film. Laitala has received numerous awards such as the Princess Grace Award in 1996 and subsequent grants in 2004 and 2007. Her work has been screened internationally and in the celestial ether which connects us with the music of the spheres ÆUSA, 2009, 4:30, video ÆDirector, script, photography, animation, editing, music Kerry Laitala ÆDistribution Kerry Laitala

IT CAME FROM OUTER SPACE

CREATURE FROM THE BLACK LAGOON

Jack Arnold

Jack Arnold

›Gefahr aus dem Weltall‹: Eine kleine Stadt in der Wüste von Arizona. John und seine Freundin Ellen sind Amateurastronomen. Sie beobachten, wie in der Nähe einer alten Mine ein Feuerball niedergeht. John untersucht die Stelle und erkennt, dass ein UFO gelandet ist. Aber keiner in der Stadt will ihm glauben…das hat ungeheuerliche Folgen! A small town in the desert of Arizona. John and his girlfriend Ellen are amateur astronomers. They observe how a fireball descends close to an old mine. John explores the site and realises that a UFO has landed. But no one in the town wants to believe him.... which leads to terrible consequences!

›Der Schrecken vom Amazonas‹: In einem Fluss in der Nähe des Amazonas lebt ein uraltes gepanzertes Schuppenwesen. Eine Expedition will das Ungeheuer fangen. Das Monster kann sich solange schützen, bis es sich in eine junge Frau verliebt. Der ›Kiemenmensch‹ ist das einzige Filmmonster in 3D, das absoluten Kultstatus erlangte. A prehistoric amphibious creature lives in a river close to the Amazon. An expedition wants to capture the beast. The monster can only protect itself until it falls in love with a young woman. The ›Gill-Man‹ is the only film monster in 3D that achieved absolute cult status.

Jack Arnold, *October 14, 1916 in New Haven, Connecticut, began his show business career as an actor in the late 30s and early 40s. He served in the US Army in the Signal Corps during World War II, apprenticed under famous documentary filmmaker Robert Flaherty and started making short films and documentaries. His first foray into the science fiction genre was ›It Came from Outer Space.‹ He achieved great cult popularity with ›The Creature from the Black Lagoon,‹ a reworking of ›Beauty and the Beast.‹ ›Revenge of the Creature‹ was the sequel, followed by ›Tarantula‹ and ›The Incredible Shrinking Man.‹ Other movies include ›The Mouse That Roared‹ (with Peter Sellers) and the teen exploitation gem ›High School Confidential.‹ Arnold even joined forces with Fred ›the Hammer‹ Williamson on a pair of blaxploitation items: the mystery thriller ›Black Eye‹ and the Western ›The Black Bounty Hunter.‹ In addition to his film work, Arnold also directed episodes of such TV shows as ›Peter Gunn,‹ ›Perry Mason,‹ ›Rawhide,‹ ›Wonder Woman,‹ and ›Buck Rogers in the 25th Century‹ amongst others. Aged 75 he died in 1992. ›Jack Arnold reigns supreme as one of the great directors of 50s science fiction features. His films are distinguished by moody black and white cinematography, solid acting, smart, thoughtful scripts, snappy pacing, a genuine heartfelt enthusiasm for the genre, and plenty of eerie atmosphere.‹ ÆUSA 1953, 35mm, 3D-Version, 80:00 ÆDirector Jack Arnold ÆScript Harry Essex based on a screen treatment by Ray Bradbury ÆCinematography Clifford Stine ÆEditing Paul Weatherwax ÆSound Glenn E. Anderson, Leslie I. Carey ÆCast Richard Carlson, Barbara Rush, Charles Drake, Joe Sawyer, Russell Johnson, Kathleen Hughes a. o. ÆProducer William Alland ÆDistribution Universal Pictures International Germany GmbH

ÆUSA 1954, 35 mm, 3D-Version, 79:00 ÆDirector Jack Arnold ÆScript Harry Essex, Arthur A. Ross, Maurice Zimm ÆCinematography William E. Snyder ÆSpecial photography Charles S. Welbourne ÆEditing Ted J. Kent ÆSound Leslie I. Carey, Joe Lapis ÆCast Richard Carlson, Julie Adams, Richard Denning, Antonio Moreno, Nestor Paiva, Whit Bissell, Bernie Gozier, Henry A. Escalante a. o. ÆProducer William Alland ÆDistribution Universal Pictures International Germany GmbH

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INTERNATIONAL SELECTION TREASURE ISLAND

IF THERE BE THORNS

OOPS WRONG PLANET

OTTANA

Michael Robinson

Anouk De Clercq

Pietro Mele

Eine dunkle Welle der Verbannung, der Inzucht und der Magie schwelt über den Tropen, zwingt einen verschlungenen Pfad zur Mündung in das schwarze Loch. Drei zur Verdammnis bestimmte Geschwister irren umher auf der Suche nach einander als ein Sturm aus frivoler Prosa und Unterhaltungsmusik sie langsam verschlingt. A dark wave of exile, incest, and magic burns across the tropics, forging a knotted trail into the black hole. Three star-crossed siblings wander in search of one another as a storm of purple prose and easy listening slowly engulfs them.

Eine reizvolle, hügelige Landschaft eines anderen Planeten. Es wird versucht Kontakt aufzunehmen. Es ist möglich aus der Ferne miteinander zu kommunizieren, obwohl es immer wieder zu Störungen kommt. Ein reibungsloser Kontakt scheint jedoch unmöglich. Das Rauschen wirkt wie ein Schleier, der das Bild trübt. Der Film wechselt permanent zwischen dem, was in Bezug auf Kontakte möglich und nicht möglich ist. An attractive, rolling landscape from a different planet is being shown. An attempt is made to establish contact. Long-distance communication is possible, albeit with some interference on the line. Clear contact appears impossible, though. The static appears like a veil that clouds the picture. ›Oops wrong planet‹ permanently switches between what seems possible and impossible in terms of contact.

Morgendämmerung. Eine Karawane von Männern zu Pferd wird langsam von den giftigen Rauchwolken einer Fabrik verschluckt. Dieses Video wurde auf Sardinien (I) gedreht, und ist eine Betrachtung der Folgen, die das Industriegebiet von Ottana (1960 gebaut ›im grünen Herzen der Insel‹) auf die umliegenden Gebiete hatte, sowohl bezüglich der Umwelt als aus gesellschaftlicher Sicht. It is dawn. A caravan of men on horseback is slowly swallowed by a poisoning factory. This video was set in Sardinia (I), and is a reflection on the impact the industrial pole of Ottana (1960, built in ›the green heart of the island‹) had on the surrounding area, both environmentally and from a social point of view.

Since the year 2000, Michael Robinson has created a body of film, video and photography work exploring the poetics of loss and the dangers of mediated experience. His work has screened internationally in both solo and group shows at a variety of festivals, cinematheques and galleries. ÆUSA 2009, Video, 13:15 ÆDirector, script, photography, editing Michael Robinson ÆCast Buck Hanson, Michael Robinson, Devon Sanger ÆDistribution Michael Robinson

Anouk De Clercq, *1971, examines the interaction between the video image and the other arts. In doing so, she rises to the challenge of finding the right proportions, whilst breaking the limitations that are inherent to each discipline. This is how she combines text, image, architecture and music in three-dimensional installations. Anouk De Clercq lives and works in Brussels. ÆB 2009, Video, 8:00 ÆDirector, script Anouk De Clercq ÆAnimation Tom Kluyskens ÆMusic Scanner ÆDistribution Auguste Orts

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Pietro Mele, *1976 in Alghero, Italy, studied at the Academy of Fine Arts, Florence from 1997 to 2001. He lives and works in Sardinia (Italy), and Berlin (Germany). ÆI 2009, Video, 11:46 ÆDirector, script, photography Pietro Mele ÆEditing Mauro Congia ÆDistribution Pietro Mele

KÄFIG

VON DER NOTWENDIGKEIT, DIE MEERE ZU BEFAHREN

Karl Kels

Philipp Hartmann

Einerseits ist ein Käfig eine reale Sache, andererseits kann er auch als Metapher für verschiedene existentielle Zustände begriffen werden. Der Film ›KÄFIG‹ versucht diese beiden Bedeutungsebenen zu erzeugen und zum Ausdruck zu bringen. Mit Hilfe einer komplexen metrischen Montage, die auf 3360 Einzelschnitten beruht, wird der Naturalismus der repräsentativen Bilder und Bewegungen radikal dekonstruiert. On the one hand, a cage is a real thing. On the other, it can be seen as a metaphor for various existential conditions. The film ›Käfig‹ tries to express and create those two meanings. The basic material of the film are two 35mm b&w shots, which I filmed in the rhinoceros cage at Frankfurt Zoo. With the help of a complex metric montage, based on 3360 cuts, the naturalism of the representational images and movements is radically deconstructed.

Was suchen wir, wenn wir reisen. Was treibt uns an. Welche Bilder machen wir uns und welche Bilder werden von uns gemacht? Drei Menschen reisen zu drei verschiedenen Zeiten durch die gleiche Gegend, verbunden in einer essayistischen Schmalfilmcollage. ›About the necessity to travel the seas‹ is a film asking questions like: What are we looking for when we travel? What kind of pictures do we take and what kind of images do we get? Three people in three different times travel through the same regions, connected in an essayistic collage of 8 mm films.

Karl Kels, *1960 in Düsseldorf. He studied in Peter Kubelka's film class at the Städelschule in Frankfurt am Main from 1980 to 1985. After his studies, he received numerous grants, such as a grant from the Studienstiftung des deutschen Volkes for New York, where he studied at the Cooper Union with Robert Breer. Since 1991 Karl Kels has taught at the Gesamthochschule Kassel and at the Frankfurter Städelschule. In 1995 he co-founded the ›Initiative Experimentalfilm‹, since 1996 he has been teaching at the Johann Wolfgang Goethe-Universität, Frankfurt am Main. Karl Kels' works in the areas of photography, experimental film and installation have been shown in international exhibitions and festivals. The artist lives and works in Berlin.

Philipp Hartmann, *1972 in Karlsruhe, Germany. Master in Visual Communication/Film from the HFBK Hamburg, 2007. Before: Master in Latin American Sciences, Ph.D. in Economics. He has been working as a filmmaker and video artist since 2000, living in Hamburg and Rio de Janeiro. Has participated in numerous festivals with his short films. ÆD 2009, Video, 21:45 ÆDirector, script, editing, music Philipp Hartmann ÆPhotography M. ÆCast Jacob Weigert, Meiko Heuser, Daria Lupa Cayo a.o. ÆDistribution Philipp Hartmann

ÆD 2009, 35 mm, 14:00 ÆDirector, script, photography, editing Karl Kels ÆDistribution Karl Kels

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INTERNATIONAL SELECTION MARK

MARK Mike Hoolboom

›Die Gesellschaft ist nicht in erster Linie ein Milieu des Austausches, in dem das Wesentliche darin besteht, etwas zu verbreiten bzw. dafür zu sorgen, dass sich etwas verbreitet, sondern eher ein Socius der Beschriftung, bei dem das Wesentliche darin besteht, zu markieren oder markiert zu werden.‹ Deleuze und Guatarri, Anti-Ödipus ›Mark ist ein elegisches Porträt seines Freundes und Mitarbeiters Mark Karbusicky, der 2007 verstarb. Mark verwebt Schnappschüsse aus der Kindheit mit gefundenem Bildmaterial und Interviews mit Karbusickys Freunden, seiner Familie und seinem langjährigem Partner, dem transsexuellen Performance-Künstler MirhaSoleil Ross, um die Konturen eines Lebens ›im Hintergrund‹ nachzuzeichnen und die Spuren aufzuspüren, die er in den ihn umgebenden Gemeinschaften hinterlassen hat. Der Kurator Mark Webber bemerkt, dass ›wenige Filmemacher wiedergefundenes Bildmaterial so emotional einsetzen … Hoolbooms jüngste Arbeit zeigt eine tiefe Sympathie mit der Situation der Menschen und spricht direkt zu unseren Herzen.‹ Amy Beste, Conversations on the Edge, Chicago ›Mark starb mit 35 und Hoolboom machte sich auf die Suche nach Antworten, sprach mit Freunden, untersuchte Marks Leben, das im Dienste anderer und des Tierschutzes stand, sammelte Bilder und Geschichten. Was er findet sind nur vage Spuren von Marks Leben in den Straßen und deprimierenden Wohnungen, in einem Kind, das er zufällig trifft. Es gelingt ihm, eine sehr bewegende Betrachtung über Beziehungen und über die Geheimnisse der Abwesenheit und der Anwesenheit zu schaffen. Ein Film, der ein ganz eigenes nachdrückliches Bedürfnis an sich ausstrahlt. Bislang Hoolbooms schönste Arbeit.‹ Bruno Dequen, Festival de Nouveau Cinema, Montreal ›Mark Hoolboom gilt als einer der besten unabhängigen Filmemacher seiner Generation. Er hat in den vergangenen drei Jahrzehnten Dutzende von Filmen und Videos geschaffen, die überall auf der Welt gezeigt wurden und zahlreiche Auszeichnungen und viel Lob von Kritikern erhielten. Hoolbooms jüngster Film, Mark, ist ein Porträt seines vor kurzem verstorbenen Freundes im Feature-Format. Mit wiederverwendetem Bildmaterial aus einer Vielzahl von Quellen sowie mit Originalbildmaterial und privaten Videos schafft Hoolboom durch eine raumgreifende und energiegeladene Montage ein bewegendes und intimes Bild.‹ David Dinnell, UWM Union Theatre ›Nichts in der Stimme der Zikade sagt, wie bald sie sterben wird.‹ Basho

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›Society is not first of all a milieu for exchange where the essential would be to circulate or to cause to circulate, but rather a socius of inscription where the essential thing is to mark and to be marked.‹ Deleuze and Guatarri, Anti-Oedipus ›Mark is an elegiac portrait of his friend and collaborator, Mark Karbusicky, who died in 2007. Mark weaves together childhood snapshots, found footage, and interviews with Karbusicky’s friends, family, and longtime partner, transsexual performance artist Mirha-Soleil Ross, to map the contours of a life lived ›in the background‹ and trace the mark he left on the communities around him. Curator Mark Webber notes, ›few filmmakers use re-appropriated footage in such an emotive way...Hoolboom’s recent work is in profound sympathy with the human condition that speaks directly to our hearts.‹ Amy Beste, Conversations on the Edge, Chicago ›Mark died at age 35, and Hoolboom went looking for answers, talking to friends, probing Mark’s life of service to others and to animal rights, collecting images and stories. What he finds are only faint traces of Mark’s time on earth, in the streets and sad apartments, in a child he meets by chance. What he makes is a deeply moving reflection on relationship and the mysteries of absence and presence. A film that breathes with an urgent necessity of its own. Hoolboom’s finest work to date.‹ Bruno Dequen, Festival de Nouveau Cinema, Montreal ›Considered one of the finest independent filmmakers of his generation, Mike Hoolboom has created dozens of films and videos over the past three decades which have been shown worldwide and have garnered numerous awards and critical acclaim. Hoolboom’s most recent film, Mark, is a feature-length portrait of his recently deceased friend. With appropriated footage from a wide range of sources as well as original footage and home movies, Hoolboom creates, through spacious and energetic montage, a moving and intimate view.‹ David Dinnell, UWM Union Theatre ›Nothing in the cry of cicadas suggests they are about to die.‹ Basho Mike Hoolboom is a Canadian artist working in film and video. His films and videos have won more than thirty international prizes, two lifetime achievement awards and he has enjoyed twelve retrospectives of his work, most recently in Poland. ÆCDN 2009, Video, 70:00 ÆDirector, script, photography, editing. producer Mike Hoolboom ÆAdditional Footage Mark Karbusicky and Mirha-Soleil Ross ÆFeaturing (in order of appearance) Mark Karbusicky, Andrew Vollmar, Mirha-Soleil Ross, Lauren Corman, Kristyn Dunnion, Zorka Karbusicky, Lorena Elke, Jack Fuller ÆSpecial thanks to Mirha-Soleil Ross ÆThanks to Paul Karbusicky, Tomas Tetiva, Steve Sanguedolce, Aleesa Cohene, John Price, Helen Pancic, Alex Fuller, Gerry Hoolboom, Marleen Hoolboom, Aldershot High School ÆThis work and other unembedded media is made possible through the happiness of the Ontario Arts Council. ÆDistribution Mike Hoolboom

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INTERNATIONAL SELECTION DOUBLES AND LOOK-ALIKES

SIC TRANSIT

ELASTIC CORD PLAYING

REAL SNOW WHITE

Manuel Saiz

Byounglae Park

Pilvi Takala

Verschiedene Personen rennen auf die Kamera zu, um der Reihe nach Sätze von sich zu geben, keuchend, in einem Zustand emotionaler Intensität. Der Text wird erst durch den Vortrag sämtlicher Teilnehmer vervollständigt und bildet am Ende eine poetische Zusammenfassung der Begegnungen der Künstler mit Kunst und Kultur aus vielen Jahrhunderten. Das Video wurde in Rom gedreht, in Zusammenarbeit mit ausländischen Künstlern, die in der Stadt leben. Several people run towards the camera to sequentially deliver phrases, in a high moment of panting and emotional intensity. The text is only complete by the recital by all participants, and then it forms a poetical recount of the artists’ encounter with the numerous centuries of Art and Culture. The video was shot at the riverside in Rome, with the collaboration of foreign artists living in the city.

Das Neue möchte die andere Seite des eigenen Egos zeigen, die Illusion zwischen meiner positiven und negativen Seite sowie mein eigenes Ich. Insbesondere versuche ich bis in mein Innerstes durchzudringen, bewusst zu verstehen, dass die Person, die ich sehen kann, ich selber bin und gleichzeitig ein individuelles Ich, um schlussendlich meinen wahren Charakter zu finden. Ich möchte darüber reden, wie es ist mich selbst durch das eigene Unterbewusstsein zu verstehen. The new wants to show the different side of one’s own ego, the illusion between the positive side and the negative side of me and my other self. I am particularly attempting to phase through, consciously understanding that the person I can see is myself and at the same time an individual me, and finally finding my true character. I want to talk about understanding myself through my own unconsciousness.

Die absurde Logik der ›wahren Persönlichkeit‹ und die strengen Regeln in Disneyland werden offensichtlich, als ein echter Fan von Schneewittchen daran gehindert wird den Themenpark zu betreten, als Schneewittchen verkleidet. The absurd logic of the ›real character‹ and the extreme rules of Disneyland become apparent when a real fan of Snow White is banned from entering the theme park dressed as Snow White.

Manuel Saiz, London based visual artist. Since 1995 he works in video and video installations. His videos have been shown at Impakt (Utrecht), VideoLisboa (Lisbon), Videoex (Zurich), Int. Kurz Film Fest. (Hamburg), Transmediale (Berlin). His video installations have been shown worldwide.

Byounglae Park, *1974 in Yeosu, South Korea, filmmaker and visualartist. Studied Fine Art at the Kunsthochschule Kassel with Prof. Bjørn Melhus, and graduated M.F.A. in 2007. Lives and works in Seoul. My works have been exhibited in various galleries and Festivals.

ÆI 2009, Video, 4:37 ÆDirector Manuel Saiz ÆPhotography Alessandro Chiodo ÆDistribution Netherlands Media Art Institute

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ÆROK 2008, Video, 7:45 ÆRealisation Byounglae Park ÆDistribution Byounglae Park

Pilvi Takala, *1981 in Helsinki, currently lives and works in Amsterdam. She graduated 2006 from Academy of Fine Arts, Helsinki (MFA). Her works are narratives based on site-specific interventions and actions, sort of exceptions in everyday life. The actions aim to reveal and question unwritten rules and shared truths of the specific social setting in a subtle way. The actual artworks produced based on the actions are mostly videos, but also photographs and publications. ÆF/NL 2009, Video, 9:15 ÆRealisation Pilvi Takala ÆDistribution AV-ARKKI

WHAT-IF? BEYOND A CARNALOVE

MONUMENTS

Torsten Burns & Darrin Martin

Redmond Entwistle

In ›What-if? Beyond a CarnaLove‹ möchten wir fast ausschließlich das Zusammenspiel von Workshop und Choreografie nutzen, um den Fokus auf die Liebesspiele einer wieder vorgestellten Orlan innerhalb einer komplizierten Viererbeziehung zu richten und sie gleichzeitig innerhalb einer Gruppierung physischer und virtueller Avatare kontextualisieren, die die Grenzen der genauen Definition des Wortes ›fleischlich‹ verschieben. In ›What-if? Beyond a CarnaLove‹, we will utilize an excess of workshop & choreographic interactions to focus on the mating rituals of a re-imagined Orlan within a complicated foursome, simultaneously contextualizing her within a grouping of physical & virtual avatars that push the boundaries of the very definition of the word carnal.

Monumente erzählen von einem fiktiven Kampf zwischen Kino und Skulptur in der Entwicklung der Arbeiten von Robert Smithson, Gordon Matta-Clark und Dan Graham. Auf den Spuren der Geschichte ihrer Beziehung zu New Jersey, wird der Film zum Sinnbild der Folgen, die der Neo-Liberalismus und die Globalisierung seitdem auf diese Gesellschaft und das Landschaftsbild gehabt haben. Ein geistreicher, wunderschön vorgestellter Film, verfeinert mit einer Prise unerwarteten trockenen Humors. Monuments narrates a fictional struggle between cinema and sculpture in the development of the work of Robert Smithson, Gordon Matta-Clark and Dan Graham. In retracing the history of their relationship to New Jersey, the film becomes an allegory for the effects that neo-liberalism and globalization have had on this society and landscape in the years since. A brainy, beautifully imagined film with an unexpectedly dry humour to boot.

Torsten Zenas Burns and Darrin Martin began their collaborations in the video and sculpture programs at the School of Art and Design at Alfred University, where they both received their BFAs. Burns received his MFA in video from the San Francisco Art Institute in 1993. Martin received an MFA in media from The University of California, San Diego in 2000. Together, they have based videotapes, and current performance works on their research into science fictions, re-imagined educational practices, cryptozoology, and trans human love stories. ÆUSA 2009, Video, 17:00 ÆDirector, script, editing, animation, music Torsten Zenas Burns, Darrin Martin ÆPhotography Torsten Zenas Burns, Darrin Martin, Michael O'Malley ÆCast Torsten Zenas Burns, Darrin Martin, Caspar Stracke, Gabriella Monroy, Joo-Mee Paik, Seong-Whan Park, Jamil Hellu, Mercedes Teixido ÆDistribution Torsten Zenas Burns, Darrin Martin

Redmond Entwistle, *1971 in London, is an artist-filmmaker currently living in New York. Entwistle employs documentary and abstract modes of film-making, often investigating histories of social displacement and creating portraits of cities anchored on the invisible or the implied. He studied at California Institute of the Arts and the Whitney Independent Study Program. He has presented projects at recent group shows at Miguel Abreu Gallery (NY), Nought to Sixty (ICA, London) and has an exhibition at Art in General (NY) in January 2010. ÆGB/USA 2009, 16 mm, 30:00 ÆDirector, script Redmond Entwistle ÆPhotography Lee Daniel ÆEditing Redmond Entwistle, Julia Halperin ÆMusic Christopher McIntyre ÆCast T. Ryder Smith, Zachary Oberzan, Brian Mendez, a.o. ÆDistribution LUX

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INTERNATIONAL SELECTION TRAVALOGUES LOOKING FOR APOEKOE

WHITE BOY FROM THE EAST

WAY FARE

Karel Doing

Istvan Kantor

Sylvia Schedelbauer

Eine mysteriöse und verzaubernde Reise in den unberührten Regenwald von Surinam. Dichtung und Wahrheit vermischen sich. A mysterious and enchanting trip to the pristine rainforest of Suriname. Fiction and reality mingle.

In diesem autobiografischen Manifest werden Dokumentarfilm und experimentelles Musikvideo miteinander vereint. Istvan Kantor stellt die Begriffe von Ursprung und Identität in Frage, indem er die asiatischen Wurzeln der Ungarn in einem urkomischen und auch einnehmenden Roadmovie zurückfordert. In this autobiographical manifesto fusing documentary with experimental music video, Istvan Kantor challenges the concepts of origin and identity as he re-claims the Asian roots of Hungarian people in an outrageously humorous and engaging travelogue performance.

Lyrisch verwobenes Found Footage und unterlegte Tonebenen zeichnen ein nomadisches Psychogramm; scheinbar simultan erscheinen dissoziierte zeitliche und emotionale Räume. A layered tone poem of found images and woven soundscapes renders a shifting psychogram; a nomadic passage across spaces in and out of time.

Karel Doing, *1965 in Canberra, Australia, lives and works in Rotterdam. After starting as an admirer of the surrealists, romantic aesthetics and the new american cinema, Karel Doing has developed into a headstrong filmmaker who gets his inspiration as easily from a thai ghostmovie, a documentary essay or a handdeveloped conceptual experimental film. He works often together with composers, musicians, performers, dancers and visual artists. His films are screened in a wide range of public spaces such as musea, theaters, cinema and internet. ÆNL 2010, 16 mm, 13:00 ÆDirector, script, photography, editing Karel Doing ÆPoem Dorus Vrede ÆDistribution Karel Doing

Istvan Kantor, recipient of the 2004 Governor General's Award for Visual and Media Arts, also known as Monty Cantsin, open-pop-star, the founder of Neoism, is a media artist/producer, active in many fields, performance, robotics, installation, painting, sound, video and new media. His work has been described as intellectually rebellious and highly experimental. ÆCDN 2009, Video, 19:00 ÆDirector, script, photography, editing Istvan Kantor ÆMusic Istvan Kantor, Trevor Tureski ÆCast Istvan Kantor, Isai Rivera Blas ÆDistribution Istvan Kantor

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Sylvia Schedelbauer's interest in filmmaking is fueled by the need to explore the personal and cultural effects of her half-German and half-Japanese heritage. At the crossroads of disparate cultures, she finds herself continually oscillating between different places of belonging while mediating intercultural relationships. Her films negotiate the space between broader historical narratives and personal, psychological realms mainly through poetic manipulations of found and archival footage. ÆD 2009, Video, 6:30 ÆDirector, script, editing Sylvia Schedelbauer ÆMusic Giuseppe Iacono ÆDistribution Sylvia Schedelbauer

DAS IST SEHR GUT (THAT IS VERY GOOD)

I KNOW WHERE I'M GOING

Jakub Vrba

Ben Rivers

Ein Sonnenuntergang ist nicht kitschig. Natur ist nie kitschig, Natur ist einfach da, liegt einfach herum, zeugt weder von Talent noch von keinem. Erst wenn Natur fotografiert oder gefilmt wird, vermag sie kitschig zu werden. Der Kitsch liegt im Auge des Betrachters. A sunset is not kitschy. Nature is never kitschy, nature’s just there, lying around, not demonstrating any kind of talent or lack thereof. When nature’s filmed or photographed it might become kitschy. The kitsch is in the eye of the beholder.

›Was würde von all den von Menschenhand geschaffenen Taten, Konstruktionen, Bauwerken, den menschlichen Spuren und späteren Auswirkungen des menschlichen Lebens nach so langer Zeit übrigbleiben ... wenn wir davon ausgehen, dass die Menschen in der nahen Zukunft unserer Erdgeschichte verschwinden.‹ Eine mehrmals unterbrochene Autofahrt durch Großbritannien, am Rande der Zivilisation. Auf leeren Straßen, in Richtung Wildnis, ein paar einsame Nachzügler sind unterwegs. Meine erste Station, der Geologe Jan Zalasiewicz, erzählt von der Erde, so wie sie in hundert Millionen Jahren sein könnte. ›What would be left of human action, human traces, human constructions, human buildings and wider ripple effects of humans after that length of time…assuming, that humans disappear in the geologically near future.‹ A fragmented road trip through Britain on the peripheries. Down empty roads, off in the wilderness, a few lone stragglers. My first stop geologist Jan Zalasiewicz, talking about the Earth in one-hundred million years time.

Jakub Vrba, *1989, lives in Prague, Vienna and Lisbon. ÆA/CZ 2009, Video, 4:30 ÆDirector, script, photography, editing Jakub Vrba ÆCast Martin Sturm ÆDistribution sixpackfilm

Ben Rivers, *1972 in Somerset, studied Fine Art at Falmouth School of Art, initially in sculpture before moving into photography and super8 film. After his degree he taught himself 16mm filmmaking and hand-processing. His first film ›The Joy of Walking‹, toured the world as part of the package ›Experiments in Terror‹ organised by Other Cinema in San Francisco. Since then he has made over 15 films, showing extensively at international film festivals, as well as galleries, and theatres around the UK. ÆGB 2009, 16 mm, 29:00 ÆDirector, script, photography, editing Ben Rivers ÆDistribution LUX

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INTERNATIONAL SELECTION DAYDREAMS AND NIGHTMARES SCHLAFENDE FÜCHSIN (SLEEPING VIXEN)

JEWISH REVENGE

Ute Ströer

Amit Epstein

Surreales Bildgedicht frei nach dem Märchen ›Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern‹ von Hans Christian Andersen. This surreal picture poem is loosely based on the fairy tale ›The Little Match Girl‹ by Hans Christian Andersen.

Das Werk handelt von der Sehnsucht vieler Juden, nach Europa zurückzukehren. Besonders viele junge Israelis fühlen sie sich zu einer Heimat hingezogen, in der sie nicht geboren wurden und von der sie wissen, dass sie vom Täter-Opfer-Verhältnis gekennzeichnet ist, ein Verhältnis, das eine Schlüsselrolle in der Herstellung von Israeltum spielt. The video is about the tendencies of Jews to return to Europe, as young Israelis find themselves attached to a homeland in which they were never born while aware of the victim-victimizer relationship, which is rooted in the fabrication of Israelism.

Ute Ströer, 2005-2006 MFA at the HBK Braunschweig. 2005 Diploma at the HBK Braunschweig. 2002 BA-Diploma at the AKI Academy of Fine Art and Design in Enschede. 1997-1998 Architecture HAWK Hildesheim. 1994-1996 Construction draftswoman. In 2006 she was awarded for her film ›Daumenlutscherin‹ the Prize of the German Association of Film Critics for the best German experimental film at the European Art Media Festival in Osnabrück. ÆD 2009, Video, 15.00 ÆDirector, script, photography, animation, editing, cast Ute Ströer ÆMusic Jamie Ross ÆDistribution Ute Ströer

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Amit Epstein, *1977 in Tel Aviv, is an Israeli artist, lives and works in Berlin since 2003. 1995 Graduated Thelma Yellin High School of Fine and Stage Arts, Music and Performance, Giv'ataim, Israel. 1997 Rena Scheinfeld Dance Theater Company, Tel Aviv. 2002 Bachelor of Fine Art at Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem. 2001 & 2002 Winner of Bezalel Prize for Excellence. 2005 Graduate of the Haute Couture class by Vivienne Westwood at UdK-Berlin, Germany. 2004-2006 DAAD Scholarship. ÆD 2009, Video, 46:00 ÆDirector, script Amit Epstein ÆPhotography Benjamin Nimrod Chiram ÆAnimation Or Moran ÆEditing Sarah J. Levine ÆCast Amit Epstein, Anna von Rueden, Christoph Glaubacker, Wolfgang Menardi, Irina Szodruch, Renana Raz, Idit Neudoerfer, Klarutza Arden ÆDistribution Amit Epstein

INTERNATIONAL SELECTION DIE POP-PARADE BRANDT BRAUER FRICK - BOP

CAKE SONG

LAS HORAS (THE HOURS)

Daniel Brandt & Julian Schleef

Claudia Sárkány

Gerard Freixes, Pilar Pascual

In der deutschen 60er-Jahre Fernsehshow ›Minimal Parade‹ wird das Ensemble ›Brandt Brauer Frick‹ vorgestellt. Während des Stücks dehnt sich das Trio auf ein zwölfköpfiges Kammerorchester aus, um dann für die Choreographie von vier Balletttänzerinnen Platz zu schaffen und wieder auf ein Trio zurückzuschrumpfen. Der Moderator und seine Assistentin sind gleichermaßen beeindruckt. The brand new ensemble ›Brandt Brauer Frick‹ is being presented on the German ‘60s-style TV show ›The Minimal Parade‹. Throughout the piece, the trio morphs into a 12piece chamber orchestra and back again to make space for a choreography of four ballet dancers. The TV-presenter is equally impressed as his assistant.

Das Musikvideo für den ›Cake Song‹ des Performance-Duos Sad Wig (Hilary Flamingo und Gloria Salami) erzählt von Kuchenliebe. Flamingo und Salami backen sich Ehemänner, Kaninchen, Mini-Klone und tanzende Torten. Sie möchten ihre ganze Welt in Kuchen verwandeln. The music video for the ›Cake Song‹ by the performance duo Sad Wig (Hilary Flamingo and Gloria Salami) is about loving cake. Flamingo and Salami bake their own grooms, rabbits, mini clones and dancing cupcakes. They want to turn their whole world into cake.

Super 8-Amateurfilmmaterial, das von Zeiten erzählt, in denen Glück ein schier endloser Moment zu sein scheint Super-8 amateur footage chronicles the times when happiness seems to be a never-ending moment

Daniel Brandt, *1984 in Wiesbaden. Studying Film and Television at Academy Of Media Arts, Cologne. Julian Schleef, visual artist. ÆD 2009, Video, 9:01 ÆDirectors, script, editing Daniel Brandt, Julian Schleef ÆPhotography Richard Brzozowski ÆAnimation Julian Schleef ÆMusic Daniel Brandt, Jan Brauer, Paul Frick ÆCast Andreas Engelmann, Wilma Elles, Petra & Ute Huetzen, Jasmin Arnold, Katherina Wessels ÆProduction KHM Köln ÆDistribution Daniel Brandt

Claudia Sárkány, *1981 in London, England. 2004 graduation with BA degree Film and Animation Production at the Arts Institute in Bournemouth, England. Diploma course Audiovisual Media at the Academy of Media Arts in Cologne since 2005.

Gerard Freixes, *1978 in Igualda, Spain and Pilar Pascual, *1980 in Sabadell, Spain, studied Fine Arts at the University of Barcelona. Nowadays, Gerard currently works mostly in video while Pilar has specialised in web design. ›Las Horas‹, the music video for Delanada, is their first work together. ÆE 2009, Video, 4:10 ÆDirectors, script Gerard Freixes & Pilar Pascual ÆEditing Gerard Freixes Ribera ÆMusic Delanada ÆDistribution Gerard Freixes

ÆD 2009, Video, 4:30 ÆDirector, script Claudia Sárkány ÆPhotography Jonathan Rinn ÆEditing Kasia Paczesniowska-Renner ÆMusic Sad Wig ÆCast Harriet Fleuriot, Duncan McGonigle, Stephan Ganoff, Emilia Fischer, Claudia Sárkány ÆProduction KHM ÆDistribution Claudia Sárkány

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INTERNATIONAL SELECTION DIE POP-PARADE BRIDGES AND BALLOONS Anne Klotzek, Chris Nagel & Pauline Karlson

LES GRANDS CHEVAUX

GESCHICHTEN VON LEUTEN DIE VOR ZÜGE SPRINGEN

Joris Clerté

Henning Basler

Geborgen fühlt man sich in dieser vorbestimmten Welt. Ein Mädchen verliert jedoch den Faden, der sie durchs Leben führt. Panisch und verwirrt findet sie sich zwischen klugen Wegweisern und boshaften Wesen wieder, die sie letztendlich vor die bedeutende Entscheidung stellen: Will sie in ihr behütetes Leben zurück oder ihre neu gewonnene Freiheit leben? Secure is how you feel in this predetermined world. But a girl loses the thread that leads her through life. Panicky and confused, she finds herself in between canny guides and malicious creatures that eventually drive her towards the important decision: does she want to return to her sheltered life or does she want to live her newly won freedom?

Ein junger Bursche, der auf einer imaginären Kreatur reitet, verfolgt einen Räuber zu Pferd, um eine seltsame Art der Vergeltung zu fordern. A young boy riding an imaginary creature pursues a bandit on horseback to exact mysterious revenge.

›Geschichten von Leuten die vor Züge springen‹ ist das Musikvideo für den gleichnamigen Song, der auf dem Album spass.freude.gutgehn. (Flame Records) erschienen ist. ›Geschichten von Leuten die vor Züge springen‹ (Stories for people who jump in front of trains) is the music video for the song of the same name that appeared on the album spass.freude.gutgehn. (Flame Records).

Anne Klotzek, Pauline Karlson, Christopher Nagel have been studying Film and Animation at Georg-Simon-Ohm-Hochschule Nuremberg since 2007. ÆD 2009, Video, 3:49 ÆDirector, script, photography, editing Anne Klotzek, Pauline Karlson, Christopher Nagel ÆAnimation Anne Klotzek, Christopher Nagel ÆMusic: Joanna Newsom ÆProduction, Distribution Georg-Simon-Ohm-Hochschule Nürnberg

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Joris Clerté, *1969, is a director, animator, illustrator and musician. A tort ou à raison, his first music video, was for his band, called Prudence. Since then, through the company Doncvoilà he co-founded with Virginie Giachino, he has directed various music videos, as well as TV designs for ARTE channel. Talented technician, he likes creating different graphic styles, mixing real animated objects, 2D or 3D. ÆF 2009, Video, 3:00 ÆDirector, script Joris Clerté ÆAnimation Jean-Yves Castillon, Pierre-Emmanuel Lyet ÆMusic Prudence ÆDistribution Doncvoilà

Henning Basler, *1982 in Haselünne, Germany. Studied Communication Design at Minerva, Groningen from 2003-2007. Freelance illustrator and animator since 2007. ÆD 2008, Video, 3:31 ÆDirector, script, animation, editing, music, cast Henning Basler ÆPhotography Andreas Heiser ÆDistribution Henning Basler

NO PLACE LIKE HOME

BANG OUT

TELARAÑAS

Rosto

Transforma

Alejandra de la Cruz Chavez

Nirgendwo ist es wie zu Hause. Nirgendwo ist es wie in der Hölle … KEIN Musikvideo: Thee Wreckers ist eine fiktive Musikgruppe, und Rostos Musikprojekt ist angelehnt an seinen Bilderroman ›Mind my Gap‹. There’s no place like home, There’s no place like hell… NOT a musicvideo: Thee Wreckers is an imaginary music band, and Rosto's musical project spawned by his graphic novel ›Mind my Gap‹.

Als CLP uns fragten, ob wir nicht ein Video zu einem Track Ihres neuen Albums produzieren wollten, waren wir natürlich sofort begeistert. Wir fingen sofort an in unseren Requisitenkisten zu suchen, wurden fündig und nach ein paar Schlägen auf den Kopf, erträumte ›Helmet Man‹ diesen bunten Alptraum. When CLP asked us to do a video to a track from their new album, we dug deep in the prop-box, whacked the helmet man on the head a few times and he dreamed up this colourful cardboard Nightmare. Bang out of order.

Schildkröte schlägt zurück, als Godzilla versucht Spielzeug City zu verwüsten. Turtle strikes back when Godzilla attempts to destroy Toy City.

Artist Rosto gets national and, increasingly, international recognition for his free work as well as his commissioned graphic design, leaders and TV-animation and award-winning music-video's for Dutch rock-singer Anouk. ÆF 2009, Video, 6:10 ÆDirector, script, editing, music Rosto ÆPhotography Stephan Smidt ÆAnimation Rosto, Elte Hartlan ÆCast Rosto, W. Folley, W. Walley ÆDistribution Autour de Minuit

Transforma are Luke Bennett, Baris Hasselbach and Simon Krahl. Berlin video artist collective Transforma combine the momentum of improvisation with the power of highly composed imagery. Transforma started producing experimental video art in 2001 and have been taking their imageworld and production processes to higher levels of absurdity ever since. Transforma's work has been performed live and shown at festivals worldwide.

Alejandra de la Cruz Chávez, *1990 in Monterrey, Nuevo León: I'm Mexican. Since my childhood I felt attracted to visual arts and realized that I wanted to do this for the future. I have always been involved in drawing and painting, so I have been training my eye perception for a long time. Actually I study Digital Arts in the 4th semester, looking to polish up my artistic knowledge into videos. ÆMEX 2009, Video, 3:03 ÆRealisation Alejandra de la Cruz Chavez ÆDistribution Alejandra de la Cruz Chavez

ÆD 2009, Video, 3:50 ÆDirector, script, photography, animation, editing, cast Transforma ÆMusic CLP ÆDistribution Transforma

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INTERNATIONAL SELECTION DIE POP-PARADE

WHERE'S YOUR HEAD AT

WORDS

Max Hattler

Jan Machacek

Verbinden Sie vier über die Disco Tanzfläche: Licht, Flüssigkeit, Form und in einen PixelSpielplatz gesperrte Farbe. Connect four on the disco dance floor. Light, liquid, shape and colour locked into a pixel playground.

In Jan Machaceks Video sitzen wir vor dem ewigen Spielautomaten – unserem Gegenüber – und müssen gebannt zuschauen. Wie der Phantompunkt hüpft. Hin und Her. Wie die Punktezahl wächst. Doch für wen? Wie die Wörter nicht kommen. Wie das Gegenüber samt hüpfendem Punkt sich multipliziert. Erwischen, nur den Punkt erwischen. Den springenden Punkt. Das Spiel. Das Spiel läuft und wir sind dabei. (Radostina Patulova) In Jan Machacek’s video we sit before an eternal slot machine— the person facing us—and must watch, captivated. As the phantom point jumps. Here and there. As the point count grows. But for whom? As the words do not arrive. As the person facing us, together with the jumping point, multiplies. Catch it, simply catch the point: The crux of the matter, the most important point. The game is on and we’re there. (Radostina Patulova / Translation: Lisa Rosenblatt)

Max Hattler, * in Ulm, Germany, lives and works in London and Germany. He teaches animation at Goldsmiths College and at University of East London. Royal College of Art graduate Hattler has shown his work at hundreds of festivals worldwide including Onedotzero, Resfest, EMAF and Animafest Zagreb. His films won prizes at the London International Animation Festival, Videofestival Bochum, Videologia, 700IS Festival, and others. Max has made music videos and tour visuals for several bands including Basement Jaxx and The Egg. ÆGB 2009, Video, 5:55 ÆDirector, script, photography, editing Max Hattler ÆAnimation Max Hattler, Milad Firoozian (3D), Noriko Okaku, Rodrigo Vives, Papaya Gonzales ÆMusic Basement Jaxx ÆDistribution Max Hattler

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Jan Machacek, *1975 in Vienna, Austria. Study of sculpture and stage-design in Vienna and Karlsruhe. Since 2001 Jan Machacek is showing his ›live-Video-Performances‹. In these works the film-studio is turned into a stage for performances. The performer appears as cameraman, director, technician and actor at the same time. ÆA 2009, Video, 4:00 ÆDirector, script, photography, editing Jan Machacek ÆMusic Oliver Stotz ÆDistribution sixpackfilm

ROBOSONIC SPRACHFEHLER R. Gruss, F. Leitl, K. Peter, S. Schierwater, N. Strehlow

STATIC

AIRPORT TUNNEL

Tyler Funk

Vitor Hugo

Paul nimmt's im Leben sehr genau. Alles läuft nach Plan, bis ihn etwas Unverhofftes auf die Probe stellt. Paul is very scrupulous. Everything runs to plan, until something unexpected puts him to the test.

Ein gequälter Musiker, der versucht, mit dem Druck kreativ sein zu müssen fertig zu werden. Anmerkung: Dieses ist ein Experimentalfilm, den ich für ein 48 Stunden-Filmfestival machte. Der ganze Film besteht aus 1800 Fotografien, die ich mit einer SLR-Digitalkamera machte. A tortured musician trying to cope with the need to create. Note: This is an experimental film I created for a 48 hour film festival. The whole film is made from 1800 photographs shot with a Digital SLR camera.

Eine magische Reise durch die Klänge des OliveTreeDance erinnert an die Straßen als freie Bühne für alle Künstler, die unseren Alltag verschönern. A magical journey through the sound of the OliveTreeDance recalls the street as the free stage of all the artists that beautifies our everyday life.

Robert Gruss, Florian Leitl, Kristina Peter, Sebastian Schierwater, Nils Strehlow have been studying Film & Animation at Georg-Simon-OhmHochschule Nuremberg since 2007. ÆD 2009, Video, 3:57 ÆDirectors, script, photography, animation, editing Robert Gruss, Florian Leitl, Kristina Peter, Sebastian Schierwater, Nils Strehlow ÆMusic Robosonic ÆCast Paul Kaiser, Vladimir Peregud, Birgit Donaubauer ÆProduction, Distribution Georg-Simon-Ohm-Hochschule Nürnberg

Tyler Funk, *1986 in St. Anne, Manitoba, Canada, started making short films and experimenting with photography in 2002. He also illustrates, paints, and writes music. He currently lives in Winnipeg; working as a freelance camera operator, editor, and camera assistant. Tyler continues to pursue photography and video creatively. ÆCDN 2009, Video, 2:30 ÆDirector, photography, editing, music Tyler Funk ÆScript Tyler Funk, Carmen Ponto, Stephen Haiko ÆDistribution Winnipeg Film Group

Vitor Hugo, *1972 in Espinho, Portugal, studied Drawing in the Porto Superior Art School. Member of the Animation Cinema Workplace at Cinanima from 1995 until 1999 where he developed a few animation works. Worked in Cine-Clube of Avanca studios making animation for nearly 15 episodes of the TV series estórias a passo de cágado by Artur Correia and drawing backgrounds for Until the Top of the World by António Costa Valente, Carlos Silva and Vitor Lopes. ÆP 2009, Video, 4:38 ÆDirector, script Vitor Hugo ÆPhotography, editing Vitor Lopes ÆMusic OliveTreeDance ÆDistribution Cine-Clube de Avanca

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INTERNATIONAL SELECTION FLASHES OF MEMORY

PALMES D´OR

LA BARCA

Siegfried A. Fruhauf

Thomas Köner

Verwischte Silhouetten, wo sonst die großen Stars promenieren, Grauschlieren, wo sonst der Glamour regiert, ein Bildersturm, wo ansonsten penibel auf die visuelle Inszenierung geachtet wird. Palmes d’or speist sich aus Bildern, die beim Filmfestival in Cannes aufgenommen wurden, und ist zugleich dessen ureigenste Konterkarierung. Aus über 800 Fotografien hat Siegfried A. Fruhauf ein pochendes Konzentrat geschaffen, hat Bild über Bild geschichtet, die Resultate verzerrt und deformiert, bis nur noch Schemata übrig bleiben, die blitzschnell auftauchen und sich ebenso abrupt dem überforderten Auge wieder entziehen. (Christian Höller) Blurred silhouettes, where otherwise big stars stroll, gray streaks where glamour normally reigns, iconoclasm where strict attention is usually paid to visual staging. Palmes d’or is nourished by photos that were taken at the film festival in Cannes, and it, at the same time, presents its most quintessential undermining. Siegfried A. Fruhauf has created a pulsating concentrate from more than 800 photographs. He layered the pictures over one another, distorted and deformed the results until what remains are mere schemata that appear at lightning speed only to just as abruptly withdraw from the overtaxed eye. (Christian Höller / Translation: Lisa Rosenblatt)

La Barca bringt leuchtende Erinnerungen zum Vorschein, indem es die noch verbliebenen Reste aufgezeichneter visueller und akustischer Realität in musikalische Bilder urbaner Räume umwandelt. Auf einer Barke segelt sie über die Höhen der Vergangenheit. Bug und Heck schimmern und leuchten, weisen der Barke den Weg, der unsichtbar ist. Sie ruft die Geister dieser Stunde an, wodurch wir sogar ihre Stimme zu vernehmen vermögen. La Barca locates a radiance of memories by transforming the residues of recorded visual and sonic reality into imaginary music of urban spaces. In a barque, she sails across the high lands of the past. The barque heads shimmer and glow at stern and bow, lighting her invisible passage. She calls to the spirits of this hour, which is how we come to even hear her voice.

Siegfried A.Fruhauf, *1976 in Grieskirchen, Upper Austria, lives and works in Linz and Heiligenberg. Since 1993 experiments with video and later with film. Since 2001 has organized art events with the artist group ›wunderkinder‹. Studied Experimental Visual Design at the Art University Linz. Participation in numerous international film festivals. ÆA 2009, 35 mm, 6:00 ÆDirector, script, photography, editing Siegfried A. Fruhauf ÆDistribution sixpackfilm

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Thomas Köner, *1965 in Bochum, Germany, attended the music college in Dortmund and studied Electronic Music at the CEM-Studio in Arnhem. He worked as an editor and sound engineer for the film industry until 1994. He extended his concept of time and sound colour to images, resulting in video installations, photography and film works. In 2004 the Prix Ars Electronica awarded him the ›Golden Nica‹ for his video ›Banlieue du Vide‹. ›Suburbs Of The Void‹ was presented at La Biennale di Venezia, Teatro La Fenice as a live performance in the same year. Köner’s video ›Nuuk‹ received the Tiger Cub Award (best short film) during the International Filmfestival Rotterdam 2005. The Rimbaud Museum commissioned Thomas Köner with five permanent sound installations for five rooms of the ›Maison Rimbaud‹ in Charleville-Mezières, France. In 2008 he was a participant of the Media Art Biennial in Seoul. In 2009 he received the MuVi Award Short Film Festival Oberhausen. ÆD 2009, Video, 6:40 ÆRealisation Thomas Köner ÆDistribution Thomas Köner

M

MEMORY FADE

Felix Dufour-Laperriere

Carl Brown

Kleine Architekturen und flüchtiger Nebel. Ein abstrakter Film. Small architectures and brief nebulas. An abstract film.

Die neue Doppelprojektionsarbeit des kanadischen Alchemie-Meisters Carl Brown verarbeitet und bearbeitet Medienbilder durch Handbearbeitung und Kolorierung. Die Textur ist dicht, vielschichtige Szenen von Katastrophen und Zerstörung, Nachrichtenbilder vom 11. September werden erbarmungslos wiederholt und bilden so ein Klagelied über das mangelnde Erinnerungsvermögen und die schwindende Vernunft der Menschheit. Klangkomposition: Dan Browne. ›In meiner jüngsten Arbeit ›Memory Fade‹ sind die Bilder nicht verloren ...sie sind wie Gespenster und die im Verlauf der Zeit immer und immer wiederholten Tanzschritte bekämpfen das Verschwinden – ein Zusammenbruch, der den Rücken des Buchs des Lebens (die Menschheit) zerstört. Nächtlicher Aufenthalt ›Ja‹ ... gibt es wirklich ›bessere Engel unserer Natur‹ das nasale und entfernte Geräusch der wandernden Suche im Geist – ich muss den Weg neu erlernen – der Strom wird schwächer – es führt noch immer eine dritte Schiene durch mein Gehirn,.... A new dual-screen work by Canada’s alchemical master Carl Brown, ›Memory Fade‹ works and re-works media images through hand-processing, tinting and toning. Richly textured and layered scenes of disaster and destruction, including news footage from 9/11, are relentlessly repeated, forming a lament for humankind’s lack of memory and fading reason. (CEB) ›In my latest work ›Memory Fade‹ the images are not lost…they are spectral and the dance steps repeated over and over in time fights the Fade – a falling down that breaks the spine of the book of Life (mankind). Nightime stay ›Yes‹…are there really ›better angels of our nature‹ nasal and distant the sound of the migratory mind search – I need to relearn the route – the electricity has been losing juice – still a third rail running through my brain causing the 400 agitations of Julie…‹(CEB)

Felix Dufour-Laperriere, *1981 in Chicoutimi. He studied, lives and works in Montreal. M is his sixth film. ÆCDN 2009, 35mm, 7:40 ÆDirector, script, photography, animation, editing Felix Dufour-Laperriere ÆMusic Gabriel DufourLaperriere ÆDistribution Felix Dufour-Laperriere

Carl E. Brown, a graduate of Sheridan College's film school, has developed a distinctive style of working in film. Hand-processing and then toning and tinting hi-con stock creates movement, colour and texture within the emulsion that is stunning to the eye. Brown's films have been shown widely internationally. His film ›Re: Entry‹ was screened at the Louvre, Paris in the Fall of 1995 to launch the book, ›Constraste Simultane La Couleur Une Histoire De Cinema Experimental Anthologie‹. Brown also works as a photographer, holographer and writer. ÆCDN 2009, 35 mm, 36:00 ÆRealisation Carl E. Brown ÆMusic Dan Browne ÆDistribution CFMDC

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INTERNATIONAL SELECTION FLASHES OF MEMORY

TREES OF SYNTAX, LEAVES OF AXIS Daïchi Saïto

›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ ist, nach ›All That Rises‹, Saïtos zweite Zusammenarbeit mit dem Komponisten/Violinisten Malcolm Goldstein, der, auf der Grundlage der originalen Struktur, die improvisierte Musik ›Hues of the Spectrum‹ für den Film komponierte und spielte. Der Film zeigt vertraute Landschaftsszenen, die Saïto und Goldstein beide aus ihrer Nachbarschaft am Fuße des Mount-Royal Parks in Montreal kennen. Unter Verwendung von Bildern der Ahornbäume im Park als vorwiegendes Motiv, schafft Saïto einen Film, in dem die Baumgruppen und ihr sanftes Zusammenspiel mit der umliegenden Szenerie als Vermittler dienen, um die Sinneswahrnehmung des Zuschauers hinsichtlich der dargestellten Landschaft umzusetzen. Gänzlich handbearbeitet vom Filmemacher, ist ›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ mit dem kontrapunktischen Violinenspiel von Goldstein, ein Gedicht bestehend aus Bild und Ton, das anstrebt durch seine syntaktische Struktur, basierend auf Mustern, Variationen und Wiederholungen, eine gewisse Einsicht und Enthüllung zu erreichen. ›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ is Saïto’s second collaboration, after ›All That Rises,‹ with composer/violinist Malcolm Goldstein, who composed and performed the original structured improvisation score, ›Hues of the Spectrum‹ for the film. The film explores familiar landscape imagery Saïto and Goldstein share in their neighbourhood at the foot of Mount-Royal Park in Montreal. Using the images of maple trees in the park as the main visual motif, Saïto creates a film in which the formations of the trees and their subtle interrelation with the space around them act as an agent to transform the viewer’s sensorial perception of the space portrayed. Entirely hand-processed by the filmmaker, ›Trees of Syntax, Leaves of Axis,‹ with the contrapuntal violin by Goldstein, is a poem of vision and sounding that seeks certain perceptual insight and revelation through a syntactical structure based on patterns, variations and repetition. Originally from Japan, Daïchi Saïto is an independent filmmaker based in Montreal. In 2004, Saïto co-founded the Double Negative Collective, a Montreal-based artist filmmaking group dedicated to the exhibition and production of experimental cinema, and has been active as a catalyst for the resurfacing interest in celluloid in the local artistic community. The films of Saïto explore the relation between the corporeal phenomena of vision and the material nature of the medium, fusing a formal investigation of frame and juxtaposition with sensual and poetic expressions. His films have screened in various venues both in Canada and abroad, including: The New York Film Festival; The International Film Festival Rotterdam; The Images Festival; The Toronto International Film Festival; The London Film Festival; The Hong Kong International Film Festival; San Francisco MOMA; Cinematheque Ontario; Anthology Film Archives, among others. His films are distributed in Europe by Light Cone (Paris) and in North America by the Canadian Filmmakers' Distribution Centre (Toronto), where he serves as a member of the Board of Directors. ÆCDN 2009, 35 mm, 10:00 ÆRealisation Daïchi Saïto ÆSound (violin) Malcolm Goldstein (original structured improvisation score Hues of the Spectrum) ÆDistribution CFMDC

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INTERNATIONAL SELECTION LET EACH ONE GO WHERE HE MAY

LET EACH ONE GO WHERE HE MAY Ben Russell

Der Film besteht aus dreizehn Aufnahmen von jeweils zehn Minuten. Zwei Brüder (Benjen und Monie Pansa) werden mit einer 16mm Steadycam verfolgt, eine athletische und ästhetische Hochleistung vom Kameramann Chris Fawcett. Beginnend in den Vorstädten von Paramaribo, an Waldpfaden und Marktplätzen entlang, an illegalen Goldminen vorbei bis zum Dschungel und dann in einem Motorboot den Fluss entlang bis zu einem Dorf der Maroons, wo sie an den spannendsten Ritualen teilnehmen, die immer noch durch diese Nachfahren von Sklaven, die einst den niederländischen Kolonialherrschen entkommen sind, praktiziert werden. Das Ergebnis ist eine Reflektion der Geschichte der Zwangsmigration und eine tiefgreifende Untersuchung der kulturellen Besonderheiten des Betrachtens und der Darstellung. ›In seiner kartographischen Darstellung zeitgenössischer Saramaccaans Kultur, lädt "Let Each One Go" den Anachronismus und die Legendenbildung ein, teilzunehmen an der gewagten Verschmelzung der Geschichte, die im Film entsteht, sowie an dessen Schwankungen zwischen Nachstellung und Bericht, an dessen Untersuchung des Anstaunens, der kulturellen Unterdrückung und des Überlebens. Wie eine Ethno-Fiction von Rouch, führt der Film den Zuschauer nicht nur auf eine außergewöhnliche Suche, sondern auch auf eine Untersuchung über Darstellung und die Veränderungskraft der Kamera.‹ - Andréa Picard, Toronto International Film Festival The film is made up of thirteen takes of ten minutes each. Two brothers (Benjen and Monie Pansa) are followed with a 16mm steady cam, an athletic and aesthetic top achievement by cameraman Chris Fawcett. From the outer suburbs of Paramaribo, along forest paths and marketplaces, past illegal goldmines to the jungle and on a motorboat along the river to a Maroon village, where they take part in the most exciting rituals still performed by these descendants of slaves who once fled the Dutch colonial rulers. The result is a reflection on the history of forced migration and a profound investigation into the cultural characteristics of looking and showing. ›In its cartographic portrayal of contemporary Saramaccan culture, "Let Each One Go" invites anachronism and myth-making to participate in the film's daring conflation of history, its oscillations between re-enactment and record, its investigation of the gaze and cultural oppression and survival. Like a Rouchian ethno-fiction, the film leads the viewer not only on an extraordinary quest, but also into an inquiry on representation and the camera's transformative powers.‹ - Andréa Picard, Toronto International Film Festival Ben Russell, *1976, is an itinerant photographer, curator, and experimental film/videomaker whose works have screened in spaces ranging from 14th Century Belgian monasteries to 17th Century East Indian Trading Company buildings, police station basements to outdoor punk squats, Japanese cinematheques to Parisian storefronts, and solo screenings at the Rotterdam Filmfestival and the Museum of Modern Art. A 2008 Guggenheim award recipient, he began The Magic Lantern screening series in Providence, Rhode Island and currently teaches at the University of Illinois in Chicago. ÆUSA 2009, 16 mm, 135:00 ÆDirector, producer, editing Ben Russell ÆPhotography Chris Fawcett, Ben Russell ÆCast Benjen Pansa, Monie Pansa ÆDistribution Ben Russell

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VIDEOFORMES CLERMONT FERRAND

PHONE TAPPIN

AANAATT

STRANGE LIGHTS

HeeWon Navi Lee

Max Hattler

Joe King

Der Film wird an einem Wendepunkt gedreht, der uns unmerklich vom Tag in die Nacht führt, ein flüchtiger Moment, in dem alles Vergangene auch verloren ist, in dem Dinge andere Bedeutungen annehmen können. The film is shot from a tipping point that leads us imperceptibly from day to night, showing a fleeting moment where what was is gone, where things can take on another meaning.

Analoger Futurismus... Analog futurism...

In einer Winternacht, 1980 werden amerikanische Soldaten, auf einem RAF Stützpunkt, Zeugen einiger rätselhafter Lichterscheinungen in den Bäumen des Redendlesham Forest. On a winter’s night in 1980, American servicemen stationed at an RAF base witnessed some ›unexplained lights‹ through the trees in Redendlesham Forest.

ÆF 2009, 10:20

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ÆGB 2009, 4:45

ÆGB 2009, 8:00

LOOPLOOP

SIX EASY PIECES

PASSENGER

Patrick Bergeron

Reynold Reynolds

Robert Croma

Im Zug Richtung Hanoi - die Häuser ziehen vorbei. Durch Animation und Zeitverschiebungen läuft das Video vor- und rückwärts, auf der Suche nach vergessenen Details, und imitiert so den Prozess, wie Erinnerungen durch das Gedächtnis wiedergegeben werden. In a train going to Hanoi the houses pass by. Using animation and time shifts, this video runs backwards and forwards looking for forgotten details, mimicking the way memories are replayed in the mind.

Sechs einfache Stücke verbinden Kunst und Wissenschaft, richten ihren Fokus auf Raum und Zeit und verweisen auf romantische Art und Weise auf eine Epoche, in der Künstler und Wissenschaftler ganz ähnliche Anliegen hatten, ja, häufig beides in sich vereinten. Six easy pieces connect art and science, focusing on space and time, and romantically refers to an age when artists and scientists had similar concerns and were often one and the same person.

Jedermann ist ein Reisender. Everyone is a passenger.

ÆCDN 2008, 5:00

ÆD/USA 2010, 7:00

ÆGB 2009, 5:57

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CINETRANS EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL

WESTCOAST

BURLESQUE

PAINTING PARADISE

Ulu Braun

Tim Shore

Barbara Hlali

Zwischen Film, Video, Collage und Animation angesiedelt, schwenkt ein Bildausschnitt horizontal über ein digital montiertes Tableau, das Menschen und Tieren Raum für ihr Dasein bietet. Settled between film, video, collage and animation, an image detail pans a digitally mounted tableau that offers humans and animals space for their existence.

Fünf Soldaten führen eine Performance durch. Sie bringt die aggressiv körperlichen Spiele an britischen Privatschulen ins Bewusstsein. Five soldiers enact a performance that evokes the aggressively physical games of the British public school..

In den Medien wird asthetische Gestaltung eingesetzt, um militärische Maßnahmen und Kriegsauswirkungen zu kaschieren. Ähnlich verfahre ich im Film: Bilder aus Krisengebieten sind mit Farbe überdeckt, verändert, verschönert. Media use aesthetic creation to cover military measures and war effects. In the film I am applying a similar technique regarding the overall situation: Pictures from conflict areas are layered with colour, changed, adorned.

ÆD, 7:00, V

ÆGB, 10:00, V

ÆD, 6:00, V

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NAUFRAGE

IVO BUROKVIC…

REHAB

Clorinde Durand

Paul Wiersbinski

Camille Verbunt

Was ist da los, im Büro? Eine Auseinandersetzung, ein Erdbeben oder doch ein Liebesdrama. Reduziert auf das Nötigste, spielt sich etwas Katastrophales ohne Erzählung ab. ›Naufrage‹ lists fears: the narration stops at the frozen instant. What is it talking about? We don’t know... perhaps an accident, a depression, an explosion?

›Ivo Burokvic – The Life Of The Fake Artist As A Young Business Model‹ zeigt wie die Bestellung eines Ölgemäldes nach Photovorlage in China und der Dokumentation und dessen Versteigerung bei einer renommierten Benefizveranstaltung, das Verhältnis zwischen ideellen und profanen Werten und deren Erschaffung in der bildenden Kunst ändert. ›Ivo Burokvic – The Life Of The Fake Artist As A Young Business Model‹ documents the ordering of an oil painting after a photoshop-picture in China and the selling of this piece at a renowned auction. The tension of symbolic and material value and their creation within fine arts is put to a test.

Menschen singen Amy Winhouse’s Rehab. People singing Amy Winehouse’s Rehab.

ÆF, 7:00, V

ÆNL, 4:00, V

ÆD, 12:00, V

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CINETRANS AMSTERDAM FILM EXPERIENCE

Oliver Conrad, Gian Klainguti

SINUS AESTUM

THE DAY WE SURRENDER TO THE AIR

Bret Battey

Antonio Jose Guzman

Dennis H. Miller

Ein mit viel Geduld und Strenge gemachtes Musikvideo, in dem Tausende Standbildfotografien zusammengefädelt werden, um ein flüssiges, einzigartig originales Animationswerk zu schaffen. Die Geschichte handelt von Krussia und C-Rayz Walz, die wildesten und härtesten Underground HipHop-Künstler aus Russland und New York. A music video made with great patience and rigour, threading together thousands of still image photographs to create a fluid, uniquely original animated work. Its story features Krussia and C-Rayz Walz - Russia's and New York's most rugged and hardened underground Hip Hop artists.

Sinus Aestum (Bay of Billows) ist eine glatte, dunkle Mondebene, die durch Fäden aus weißem Staub aufgegliedert wird, wie die verschwindenden Schaumkronen fließender, geräuschloser Wellen. Aus diesem Bild heraus präsentiert die Tonund Bildkomposition einen Klangsyntheseprozess und an die 12.000 einzelnen Punkte, die ständig verändert und verzerrt, zurückgehalten und wieder befreit werden, ohne Schnitte, um vermischte, multidimensionale Wellen der Aktivität zu formen... Sinus Aestum (Bay of Billows) is a smooth, dark lunar plain articulated by threads of white dust, like evanescent tips of flowing and silent waves. Drawing from this image, the sound and image composition presents one sound-synthesis process and nearly 12,000 individual points, which are continually transformed and warped, restrained and released, without cuts, to form compound, multi-dimensional waves of activity...

Diese Arbeit ist Teil eines größeren multimedialen Kunstprojektes, das die Verbindung zwischen Migration, der Diaspora und der Schwerkraft untersucht. Ausgehend von der eigenen DNA Guzmans, begleiten wir ihn auf seiner Reise in dieser mitreißenden abstrakten Erzählung. This work is part of a larger multi-media art project exploring the connection between migration, Diaspora and gravity. Starting with Guzman’s own DNA, we follow his journey in this sweeping abstract narrative.

Echoing Spaces untersucht einige virtuelle Umgebungen, in der die Hauptelemente sich wiederholen (widerhallen) sowohl unmittelbar hintereinander als auch zu unterschiedlichen Zeitpunkten über das ganze Werk hinweg, aber immer in abgewandelter Form. Die visuelle Darstellung verwendet einige ähnlich geformter Elemente, die in überlappenden, gemorphten Strukturen erscheinen. Die begrenzte Farbpalette hilft, dich auf die Hauptobjekte zu konzentrieren. Echoing Spaces explores a number of virtual environments in which the primary elements recur (echo) both in immediate succession and at different times throughout the piece, always in varied form. The visual imagery employs a number of similarly shaped elements that appear in overlapping, morphing configurations, and the restricted colour palette helps maintain a focus on the primary objects.

F@©K THAT

ÆUSA 2008, 3:22, V ÆMusic: Krussia

ÆGB 2009, 8:30, V

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ÆNL/Panama 2009, 15:00, V

ECHOING SPACES

ÆUSA 2009, 9:10, V

CINETRANS L'ALTERNATIVA BARCELONA PRESENTS

MY DEAR GRANDMA

DAGER AV KJÆRLIGHET (DAYS OF LOVE)

LAPSUS (SLIP)

Marta Abad Blay

E. Magnusson

Juan Pablo Zaramella

In ihren Träumen ist Dolores eine ganz normale Großmutter, die Ihre Ruhe und ihren Frieden, sowie ihre Familie genießt. Die Realität sieht jedoch ganz anders aus... In her dreams, Dolores is an ordinary grandmother who enjoys her peace and quiet and her family. The reality, however, is quite different...

Eine Ehe, ganz viel Knäckebrot und zu wenig Sex. Das ist der Ausgangspunkt dieses Kurzfilms über die Liebe. A marriage, a lot of crispbread and too little sex. That is the starting point of this short film about love.

Unterschätzen Sie nie die Kraft der dunklen Seite. Never underestimate the power of the dark side. ÆRA 2007, 4:00, V

ÆN 2007, 7:00, V

ÆNL 2008, 5:00, V

DEN FREMDEN LANGE ANSTARREN

DIALOGOS

RIF (REEF)

S. Winkler & S. Köperl

Ülo Pikkov

Eric Steegstra

Staring at the Stranger for a Long Time. Wir halten das Skript und die Videokamera zwischen uns und stellen uns in einem lebhaften Viertel zur Schau. Staring at the Stranger for a Long Time. Holding the writing and having the video camera between us, we put ourselves on display in a lively neighbourhood.

Eine experimentelle Animation, in der das gesamte visuelle Material direkt auf die Filmkopie gezeichnet wurde. Sie basiert auf absurdem Humor. Der Film handelt von einer modernen High-Tech-Gesellschaft, die zu viele Zeichensysteme hat. An experimental animation, where all visual material has been drawn directly on the film print. It's based on absurd humour. Subject of the film is a modern hi-tech society, which has too many sign systems.

Eine einzigartige Puppenanimation über ein Treffen unter Wasser. A unique puppet animation about an underwater meeting.

ÆCN 2007, 2:00, V

ÆNL 2008, 12:00, V

ÆEST 2008, 5:00, V

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CINETRANS SIGNES DE NUIT PARIS PRESENTS

HAMLET

COCAIS, THE REINVENTED TOWN

BRISES (WAVES)

NOUS (US)

Andres Amory Bartos

Ines Cardoso

Enrique Ramirez

Olivier Hems

Eine Nacherzählung des Klassikers von Shakespeare, im heutigen Hongkong; zusammengesetzt aus ›gefundenem Material‹, aufgenommen mit der ›Film‹-Funktion einer herkömmlichen kompakten Digitalkamera. Dank der geringen, unauffälligen Größe der Kamera, konnten Sequenzen gedreht werden, die sonst unzugänglich gewesen wären. Die daraus entstandenen Bilder sind eindringlich, ein Zeitdokument der Erfahrung einer Person aus dem Westen in Hongkong, erzählt in einminütigen Segmenten. A retelling of the Shakespeare classic set in modern day Hong Kong; pieced together from ›found footage‹ shot using the ›film‹ function of an ordinary compact digital camera. Due to its small, inconspicuous size, sequences were filmed that would have otherwise been inaccessible. The resulting images are haunting, a time document of a Westerner's experience in Hong Kong told in one minute segments.

Ein poetischer Dokumentarfilm, realisiert mit Patienten und Angestellten einer psychiatrischen Klinik, die ihre Stadt wieder erfinden. A poetic documentary, realised with the patients and employees of a psychiatric hospital, who reinvent their town.

Wie kann man Geschichte erneut sehen? Wie kann man die Zeit zurückdrehen? Ich wurde 1979 geboren, sechs Jahre nach dem Militärputsch in Chile. Ich bin Teil dieser Geschichte, voller Widersprüche. How to look again at History? How to turn back the hands of time? I was born in 1979, six years after the military coup d'état in Chile. I am part of this history, full of contradictions.

Ein Polizist untersucht die Wohnung eines Mannes und dringt in das Leben eines Menschen ein, der von allen anderen vergessen worden ist. A police officer carries out a search of a man's apartment and enters the life of someone who has been forgotten by everyone.

ÆE 2008, 9:30, V

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ÆBR 2008, 15:00, V

ÆF/RCH 2008, 13:00, V

ÆF 2007, 11:00, V ÆFrench with English subtitles.

CINETRANS CORK FILM FESTIVAL PRESENTS

SNAKES

POINT OF DEPARTURE

WOUND FOOTAGE

Paddy Jolley

Maximilian Le Cain

Thorsten Fleisch

Ein Mann liegt in einem Hotelzimmer und wird von glitschernden Schlangen überwältigt. Lying in a hotel room, a man is overcome by the slithering of snakes.

Betty verbringt die letzten Jahre ihres Lebens in einer Institution. Aber das Bedürfnis zu entkommen und wieder eine Verbindung zur Außenwelt herzustellen motiviert sie weiterhin zu jeder Zeit. Betty is spending her last years in an institution. But the need to escape and reconnect with the outside world continues to motivate her every waking and sleeping hour.

Das Ausgangsmaterial ist das Found-Footage eines mit Super8 gedrehten Films. Der Tonträger wurde auf vielfältige Weise beschädigt. Er wurde gekratzt, aufgeschnitten und zerstört. Source material is a found footage super-8 film. The visual carrier was attacked in a multitude of ways. It was scratched, cut open and violated.

ÆIRL 2009, 9:00, V

ÆD 2009, 6:00, V

ÆIRL 2009, 5:00

LADY OF SOULS M. De Inimas & Oriol Sanchez Täglich nach Einbruch der Dämmerung geht die Lady of Souls durch das Dorf und führt ein Ritual durch: Sie hält an den Ecken an, läutet eine Glocke und stimmt eine den Toten gewidmete Psalmodie an. Every day at dusk, the Lady of Souls walks around the village performing a ritual: stopping at corners, she rings a bell and intones a psalmody dedicated to the dead. ÆE 2009, 15:00, V

CONTRE-JOUR Christoph Girardet, Matthias Muller Der Blick, mit dem wir die Welt verstehen, und den sie uns als Antwort zurückgibt, zerbricht in beunruhigende Fragmente. Flecken, Blitze und Stroboskopmontagen zerschlagen die Realität in schattenhafte Bilder. The look with which we comprehend the world and which it casts back at us in response, breaks up into disquieting fragments. Blurs, flashes and stroboscope montages disintegrate reality into shadowy images. ÆD 2009, 11:00, V

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SPECIAL PROGRAM DER REISENDE FESTIVALZIRKUS DER REISENDE FESTIVALZIRKUS: EMAF 1988-2009 EIN PERFORMATIVER SCHMALFILMABEND MIT DV-SUPPORT Reinhard Westendorf, Holger Tepe

›Es begann mit einem Geschenk von Reinhard Westendorf, eine Super 8-Kamera – die lichtstarke Canon 310XL. Die ›Nachteule‹ wurde meine treue Begleiterin bei allen Filmfestivals. Jahrelang. Das Modell benutze ich noch heute, auch wenn zwischenzeitlich einige Geräte verschlissen wurden. Das Ergebnis: Die Langzeitdokumentation ›Der Reisende Festivalzirkus‹. Ein Work in Progress, das mittlerweile rund 100 Kurzfilme umfasst: Hamburg, Basel, Berlin, Luzern, Rotterdam, Weiterstadt, Wiesbaden, Osnabrück... Nie geschnitten, grundsätzlich nur aneinander montiert, streng chronologisch. Die Akteure: Freunde, Bekannte, Festivalkolleginnen und -kollegen. Alltägliches, Ungewöhnliches, Unsinniges. Festgehalten im Augenblick: Unbedacht, zufällig, glücklich.‹ (Holger Tepe) Schmalfilm-Schnüffler Reinhard Westendorf filmt seit 1979 alles kurz und klein. Schon 1982 tummelte er sich auf dem damals noch ›Internationaler Experimentalfilm-Workshop‹ genannten Medienkunst Festival in Osnabrück. Kurz darauf traute er sich mit selbstgedrehten Kurzfilmen selbst an die Festival-Öffentlichkeit. Als Leiter des Kinos in der Lagerhalle betreut der Langzeit-Hobbyfilmer und sporadische Vollvideot das EMAF bis heute projektionstechnisch. Exklusiv für das EMAF präsentiert Holger Tepe eine Auswahl der Osnabrücker Filme aus dem Reisenden Festivalzirkus (ab 1997). Kamera-Kollege Reinhard Westendorf greift noch tiefer ins Archiv, sein ältester Beitrag zeigt das erste European Media Art Festival im Jahr 1988. Gemeinsam plaudern die beiden Film-chrono-grafischen Festivalarchivisten aus Ihren S8-Kameratäschchen und lassen die letzten Jahrzehnte des EMAFs spannend und unterhaltsam Revue passieren. So war es wirklich! Für eine optimale Projektion sorgt authentische Schmalfilm-Technik, die begeistert: Der legendäre ›Bauer T 610 Microcomputer Stereo‹ mit Public-Address-Technology und der ›Braun Visacustic 1000 Stereo‹ mit monomorpher Tonwiedergabe eisenloser Gegentaktendstufen.

The Travelling Festival Circus: EMAF 1988-2009 A performative narrow gauge film evening with DV support ›It all started with a present from Reinhard Westendorf, a Super 8 camera – the high-speed Canon 310XL. The ›night owl‹ soon became my trusty companion at all of the film festivals. For years. I even use the model today, even though the wear and tear is now showing. The result: the long-term documentary ›The Travelling Festival Circus.‹ A work in progress, now comprising around 100 short films: Hamburg, Basel, Berlin, Lucerne, Rotterdam, Weiterstadt, Wiesbaden, Osnabrück... Never edited, simply mounted together in strict chronological order. The actors: friends, acquaintances, festival colleagues. Everyday events, unusual occurrences and nonsense. Captured in the moment: unreflected, haphazard, happy.‹ (Holger Tepe) Narrow gauge film enthusiast Reinhard Westendorf has been filming everything short and small since 1979. Even back in 1982, he cavorted at the Media Art Festival in Osnabrück, then called the ›International Experimental Film Workshop.‹ It was not long before he dared to share his own short films to the festival audience. As cinema director at the Lagerhalle, the long-term amateur filmmaker and sporadic ›Vollvideot‹ has been managing the projection at the EMAF to the very day.

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Exclusively for the EMAF, Holger Tepe will present a selection of Osnabrück films from the Travelling Festival Circus (from 1997). Camera colleague Reinhard Westendorf delves even deeper into the archives – his oldest contribution shows the first European Media Art Festival back in 1988. Together, the two film chronographic festival archivists will reveal the secrets of their S8 collection, giving us an exciting, entertaining reflection of the past decades of EMAF. For real! To ensure ideal projection, we'll provide inspiring authentic narrow gauge film technology: the legendary ›Bauer T 610 Microcomputer Stereo‹ with public address technology and the ›Braun Visacustic 1000 Stereo‹ with monomorphic sound reproduction from ironless push-pull amplifiers.

Die Filme des Programms (Reihenfolge ohne Gewähr) The programme comprises the following films (sequence not guaranteed) Reinhard Westendorf: EMAF 1988: Troy Tempest meets the European Media Art Festival, S-8, Livesound, 3:00 EMAF 1992, S8, 2:00 EMAF 1997, S8, 3:00 EMAF 1998: Dante Orgel, S8, 3:00 EMAF 2006: Doppelprojektion, 2 x S8, x 3:00 Ten Things Projectionists Hate About Filmmakers, MiniDV, 4:00 Holger Tepe (a selection from): EMAF 5/1997, S8, 3:00 EMAF 5/1998, S8, 12:00 EMAF 5/1999, S8, 3:00 EMAF 4/2000, S8, 12:00 EMAF 4/2001, S8, 12:00 EMAF 4/2002, S8, 12:00 EMAF 4/2003, S8, 12:00 EMAF 4/2004, S8, 12:00 EMAF 4/2005, S8, 9:00 EMAF 5/2006, S8, 9:00 EMAF 4/2007, S8, 3:00 EMAF 4/2008, S8, 12:00 EMAF 4/2009, S8, 4:00

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA

ELEKTROMEDIA: ZUM THEMA UNBESTÄNDIGKEIT EINE PHILOSOPHISCHE AUSFÜHRUNG

Slide Scan Of Lumagram

Black Trip2

Painting Untitled 1960

Ein Gedankenaustausch zu den Themen Unbeständigkeit, Elektromedia und Elektronik im Rahmen einer Diskussion zwischen einer Gruppe junger Ingenieure und Techniker von Video Flight, einem Video-Tape- Center in New York, und Aldo Tambellini. Die Gesprächsrunde fand am 15. Januar 1968 im Black Gate Theater in New York statt und wurde in der 2. Ausgabe von ARTS CANADA 1968 erneut veröffentlicht. Die von Aldo formulierten Ausführungen bilden die Philosophie und die Grundlage seiner Arbeiten im Bereich ›Elektromedia‹, die ihren Höhepunkt in ›Black Zero‹ fanden. ›Von Strukturen zu träumen, die sich verändern können, Strukturen, die im ständigen Fluss sind, Strukturen, die schweben und immerzu ihre Verbindungen ändern, so wie auch lebende Organismen wachsen und sich selbst verwandeln und somit auf ihre Umgebung reagieren. Je schneller die Menschheit sich im freien Raum ausweitet, desto mehr erweitert sie auch ihre Sinne und desto schwerer wird es für sie, das Gefühl der Beständigkeit zu erhalten und zu bewahren. Der Mensch betrachtet Gewicht, Masse und Größe als Stabilitätsfaktoren unserer Erde. Wir sind beeindruckt von enormer Größe, wie sie von den Pyramiden, gotischen Kathedralen und Wolkenkratzern imposant dargestellt wird. In der Zukunft wird es um Energie gehen. Wie die Atomenergie, die ständig in Bewegung ist, im Prozess der Verschmelzung. Das Konzept der Instabilität, der Unbeständigkeit, der Schwerelosigkeit wird ein Teil der Menschheit werden. Oder diese wird ein Teil dieses Konzepts. Besagte Konzepte werden jedoch immer unmittelbarer werden, sie währen nicht ewig, sondern unterliegen einer ständigen Veränderung. Der Mensch wird sich dem anpassen, er wird seine Umgebung dementsprechend umändern, wie auch seine sozialen Muster, er wird sich wandeln. Je tiefer er in die schwarze Natur da draußen eindringt, je mehr wird er seine Angst und überhaupt seine gesamte sichere Vorstellung von Stabilität verlieren. Wir werden uns im freien Raum bewegen wie Nomaden des Himmels. Erst gestern krochen wir auf allen Vieren; heute gehen wir aufrecht auf zwei Beinen, morgen werden wir fliegen – und morgen ist das Hier und Jetzt. Wir werden geboren und wir sterben, der Körper hat keine Beständigkeit. Von Erde zu Erde. Von Staub zu Staub. In der Zukunft wird es für uns freie Sphären geben, in denen wir leben, im Meer treibend, im Himmel schwebend. In diesem Fall geht es nicht um Unbeständigkeit gegen Beständigkeit, sondern um eine realistische Annäherung an das Weltraumzeitalter, basierend auf Energie, das neue Lösungen erforderlich macht.‹ ›Aldo wünscht sich eine Zukunft, in der Kunstobjekte nicht mehr vom Sammler erworben werden, denn Elektromedia hat mit Film zu tun und muss erlebt werden.‹ Jerry Wakefield, Down Town Magazine, NYC, 7. Okt. 1967 Aldo beschreibt, wie er die sogenannten ›lumagrams‹ und Filme machte, die er für sein ›Elektromedia‹-Projekt verwendete. Diese Beschreibung steht in einem Kapitel, den er für das Buch ›Captured; A Film and Video History of the Lower East Side‹ schrieb. Herausgeber war Clayton Patterson. Ich hatte jede Menge 35mm-Dias, die ich eigentlich wegwerfen wollte. Eines Tages, es muss so um 1963 gewesen sein, nahm ich sie und benutzte instinktiv Nadeln und andere kleine Werkzeuge, um Muster in die Filmschicht zu kratzen. So kratzte ich Spiralen und andere runde Formen und stach ab und zu noch Löcher hinein. Zusammen mit ein paar Leuten projizierte ich diese Dias mit Hilfe eines Kodak Diaprojektors mit Rundmagazin vom Dach eines Wohnhauses, 6. Straße und Avenue D, auf die Fassade des Gebäudes auf der gegenüberliegenden Straßenseite. Das war der Anfang meiner Leidenschaft für den Bereich Multimedia.

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ELECTROMEDIA: ON IMPERMANENCY A PHILOSOPHICAL STATEMENT

Tambellini with VCR

Lobby Blackgate Performance

Black Gate Audience

Some exchanged thoughts on impermanency, electromedia and electronics in a conversation between a group of young engineers and technicians from Video Flight, a video tape center in New York City, and Aldo Tambellini. The conversation took place at The Black Gate Theater on January 15, 1968, in New York City and was reprinted in the 2nd issue of ARTS CANADA, 1968. The statement made by Aldo forms the philosophy and underpinnings of the ›electromedia‹ work which culminated in ›Black Zero‹. ›To dream of structures which can transform, structures in a state of flux, structures to float, to constantly change relationship, this like living organisms will grow and transform themselves and react to the environment. The faster man expands into space, the more he expands the senses, the harder it becomes for him to retain and preserve his sense of permanency. Man considers weight, mass and size in terms of stability upon this earth. We are impressed by enormous physical size, like pyramids, gothic cathedrals, skyscrapers. The future will deal with energy. Like atomic energy which is constantly in motion, in the process of fusion. The concept of instability, impermanency, weightlessness will become part of man or man part of it. Concepts will become instantaneous, not everlasting but ever changing. Man will adjust to it, he will reshape his environment, his social pattern, he will mutate. As he penetrates deeper into the black nature out there, he will lose his fear and his whole secure concept of stability. We will move in space as nomads of the sky. Yesterday we crawled on four; today we walk on two, tomorrow we will float, and tomorrow is here. We are born and we die, the body is not permanent. As from dust to dust. From particle to particle. In the future there will be floating spheres to live in, floating in the sea and sky. It is not a case of impermanency against permanency but a realistic approach to the space age based on energy, demanding new solutions.‹ ›Aldo is looking to a future in which art objects are no longer purchased by a collector, for Electromedia is kinematical and must be experienced.‹ Jerry Wakefield, Down Town Magazine, NYC, Oct. 7, 1967 Aldo describes the process used to make the ›lumagrams‹ and films which he used in his ›Electromedia‹ in the chapter which he wrote for the book, ›Captured; A Film and Video History of the Lower East Side‹ Clayton Patterson, Editor. I had a bulk of 35 mm slides which were ready to be discarded. One day, around 1963, I took them and instinctively I used needles and other tools to scratch the emulsion. I scratched spirals and other round forms sometimes piercing holes through them. With a small gathering, I projected these slides onto the façade of the building across the street from a tenement rooftop on 6th Street and Avenue D using a Kodak Carousel Projector. This marked the beginning of my involvement with multi-media. Don Ross from the ›New York Herald Tribune‹ later, on June 13, 1965 describes the ›lumagrams‹: ›Some of the lumigrams are reminiscent of slides of diseased tissue…..Tambellini said he is interested in evolving an art form from the revelation of the microscope. He is also interested in the revelation of the telescope in the cosmos, and some of the lumigrams are reminiscent of sidereal space. Others have a kind of fetal, placenta look…..I work from intuition, he (Tambellini) says, and not from intellectualization.‹ Holding true to the philosophy of the underground that art can be created outside the restriction of expensive equipment and materials, I continued to work in many art forms. Therefore, it was a natural progression to treat my films in a physical way by experimenting with painting, drawing and burning on clear leader and scratching,

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA

Black Zero (Photo by Paul Ehrlich) Einige Zeit später, am 13. Juni 1965, beschreibt Don Ross von der ›New York Herald Tribune‹ die ›lumagrams‹ wie folgt: ›Einige der ›lumagrams‹ erinnern an Diapositive aus längst verrottetem Material ….. Tambellini sagte, er sei daran interessiert eine Kunstform zu entwickeln, die zeigt, was unter dem Mikroskop alles zu sehen ist. Ebenso interessiere es ihn darzustellen, was ein Teleskop uns vom Kosmos zeigt. Einige der ›lumagrams‹ erinnern auch an siderische Räume. Andere sehen aus wie ein Fötus oder eine Plazenta ….. Ich arbeite intuitiv, so Tambellini, und nicht mit dem Kopf.‹ Der Philosophie aus meinen künstlerischen Untergrundzeiten nach wie vor treu bleibend, nämlich dass Kunst durchaus auch ohne teure Ausrüstung und Materialien gestaltet werden kann, arbeitete ich auch weiterhin mit vielen Kunstformen. Aufgrund dessen war es nur eine logische Entwicklung, dass ich meine Filme auch auf eine technische Art und Weise behandelte, indem ich mit Mal- und Zeichentechniken experimentierte, auf Blankfilm brannte, kratzte, Löcher stanzte und später die Schicht von Schwarzfilmen entfernte, unter der Verwendung von Chemikalien, die bei mir schwere Allergien verursachten. Gleichzeitig arbeitete ich an Bildfolgen auf 35mmDias. Ich produzierte meinen ersten 4 Minuten-Film mit dem Titel ›BLACK IS.‹ Der Grove Press Filmkatalog, der später fast all meine Filme vertrieb, beschrieb ›BLACK IS‹ folgendermaßen: ›Zum Klang eines Herzschlags und ohne die Verwendung einer Kamera, projiziert dieser Film abstrakte Formen und Illuminationen auf einen nachtschwarzen Hintergrund, der, so Tambellini, auf das ‘Schwarz der Samen, das Schwarz der Samen, das Schwarz der Spermien, das Schwarz der Spermien’ hindeutet‹. Eines Tages, als ich auf der Straße spazieren ging, fand ich eine große, weggeworfene Rolle, bei der es sich, wie ich dann feststellte, um Computerdatenband handelte. Die ausgestanzten Löcher bedeuteten Daten in einer Sprache, die nur ein Computer verstehen kann. Ich übertrug diese Sprache auf Blankfilm, indem ich dieses Band praktisch als Schablone nutzte und die Löcher mit schwarzer Farbe besprühte. Als ich diesen Film abspielen ließ, bemerkte ich die hektischen Bewegungen, die die einzelnen Ausschnitte produzierten, wobei sie eine neue visuelle Sprache durch ihre Bilder entstehen ließen. Ich begann Vorspänne von japanischen Filmen zu sammeln, deren Markierungen anders waren, sowie anderes gefundenes Filmmaterial und Filmschnipsel. Ein Filmemacher verkaufte mir eine gebrauchte Bolex Kamera für $ 300 und ich begann Filme zu drehen. Nachdem ich unendlich viele Stunden damit verbrachte hatte zu schneiden, anzuschauen und danach wieder neu zu schneiden, war eine Filmreihe, die ich mit vielen ›Sinneserfahrungen‹ verbinde, geboren. Meine 10 Filme wurden zu bewegten Bildern.

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Aldo as projectionist

Blackout

Black

punching holes and eating away the emulsion on black leader later, using chemicals which caused me to develop severe allergies. Simultaneously, I was working on 35 mm sequential images on slides. I produced my first 4 minute film called ›BLACK IS.‹ The Grove Press Film Catalog which later distributed almost all of my films described ›BLACK IS‹: ›To the sound of a heartbeat and made entirely without the use of a camera, this film projects abstract forms and illuminations on a night-black background and suggests says Tambellini, ‘seed black, seed black, sperm black, sperm black’‹. One day, while walking on the street, I found a large discarded roll of what was then computer tape. The punched out holes was data in a language understood by a computer. I transferred this language onto clear leader by using this tape as a stencil, spraying the holes with black paint. By projecting this leader, I realized the frantic action that the frames produced forming a new visual language through its images. I began to collect leader from Japanese films whose markings were different, other found footage and scraps of film. A filmmaker sold me a used Bolex Camera for $300 and I started shooting film. After endless hours of editing, viewing and re-editing a series of film which were ›sensory experiences‹ was born. My 10 films became paintings in motion. My films began to be used in many ways not only shown in the movie theatre as a traditional projected film; but also, as part of my ›Electromedia‹ performances de-materializing the space where it was projected and producing a dislocation of the senses of the viewer. I consider my films to be an ›experience‹. Sometimes, the films were used as an environment projected on a given space and sometimes, films and the zooming of the animated slides became one. At times, the films were projected on bodies of performers and objects such as inflatable screens (black weather balloons) and other times, the films were projected on split screens or in simultaneous multiple projections. Richard Preston in Status Magazine wrote: ›Like LSD, mixed media heightens the senses to give the audience a total and overwhelming experience. To this end, film, slides, stroboscopes, oscilloscopes, stereo-sound, actors, dancers and musicians are used singly and collectively in this grand synthesis of the arts. Aldo Tambellini is one of the major practitioners.‹ For me, ›Electromedia,‹ at that time was the fusion of the various art and media forms, breaking media away from the ›traditional‹ media role bringing it into the area of art-bringing the other arts, poetry, sounds, painting and kinetics and film and later video into a time and space re-orientation toward media transforming both the arts and the media. I acknowledged an historical shift into the culture, defining the time in both the social and technological revolution, I defined the role of the ›new‹ artist in my 1962 Art Manifesto, ›The Seed,‹ as a ›primitive of a new era.‹ I later wrote, ›The editing process of our culture takes place continuously every night in front of the TV screen---and bits of information we call news…images and words we call information. In the regeneration of old icons, the making of new ones---in a digested format, the world is defined.—we connect for a moment over the air in isolated spheres we called homes. Years from now we will remember that art was swallowed by media—that media was the language of communication---that interactive media brings the process to a live response. Aldo Tambellini

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA

Black Gate Cologne Meine Filme fingen an vielerlei Anwendung zu finden, sie wurden nicht nur in Filmtheatern als traditionell abgespielter Film gezeigt, sondern auch als Teil meiner ›Elektromedia‹-Performances, die die Fläche, auf die sie projiziert wurden, entmaterialisierte und eine Sinnesverschiebung seitens der Zuschauer zur Folge hatte. Ich betrachte meine Filme als Erfahrung. Manchmal wurden meine Filme als eine Art Kulisse verwendet, wobei sie auf eine vorhandene Fläche projiziert wurden, und manchmal wurden die Filme und die herangezoomten, animierten Dias zu einer Einheit. Zuweilen wurden die Filme auch auf die Körper von Darstellern und auf Objekte projiziert, wie z.B. aufblasbare Leinwände (schwarze Wetterballons) oder sie wurden auf geteilte Bildschirme projiziert bzw. in zeitgleiche, Multiprojektionen. Richard Preston schrieb im ›Status Magazine‹: ›Wie LSD schärfen miteinander kombinierte Medien die Sinne und verschaffen somit dem Publikum eine totale und überwältigende Erfahrung. Aus diesem Grund nimmt man Filme, Dias, Stroboskope, Oszilloskope, Stereoton, Schauspieler, Tänzer und Musiker in dieser großen Synthese der Kunst einzeln oder gemeinsam zu Hilfe. Aldo Tambellini ist ein Meister dieses Fachs.‹ Für mich bedeutete ›Elektromedia‹ seinerzeit eine Verbindung der verschiedenen Kunst- und Medienformen, es löste die Medien praktisch aus ihrer ›traditionellen‹ Medienrolle und entführte sie in den Bereich der Kunst – und führte andere Kunstformen wie die Dichtkunst, Klänge, Malerei, Kinetik, Film und später Videos zeitlich und räumlich zu einer Neuorientierung in Richtung Medien. Somit wurden sowohl die Kunst als auch die Medien einem Wandel unterworfen. Ich erkannte eine historische Verlagerung in den kulturellen Bereich, für mich gab es ganz klar eine Zeit der sozialen als auch eine der technologischen Revolution. Ich definierte die Rolle des ›neuen‹ Künstlers in meinem künstlerischen Manifest ›The Seed‹ aus dem Jahr 1962 als den ›Urvater eines neuen Zeitalters‹. Später schrieb ich ›Der Änderungsprozess unserer Kultur findet kontinuierlich Nacht für Nacht vor unserem Fernsehbildschirm statt – bruchstückhafte Informationen, die wir Nachrichten nennen…Bilder und Worte, die wir Informationen nennen. Bei der Wiederauflebung alter ›Ikonen‹ und der Schaffung von neuen - in verkürzter Form, wird die Welt definierbar. — Für einen Moment werden wir quasi über die Luft miteinander verbunden, in unseren isolierten Räumen, die wir Zuhause nannten. Auch Jahre später werden wir uns noch daran erinnern, dass die Kunst einst von den Medien geschluckt wurde, — dass die Medien die Sprache der Kommunikation war --- und dass interaktive Medien den Prozess zu einer lebendigen Reaktion führen. Aldo Tambellini FUTURISMUS UND BLACK ZERO Es gibt eine Verbindung zwischen Black Zero und den Futuristischen Performances. Nicht als ein Duplikat der früheren Performances; sondern als Einfluss der einzelnen Bestandteile in einem modernen Umfeld. So wie die Futuristen neue Wege einschlugen, so wagten sich auch ›Elektromedia‹ und Black Zero auf unbekanntes Terrain, und verhalfen somit dem Publikum zu einer Erfahrung, die alles bisher Erlebte in Schatten stellte. Verwendung von Sound (Geräusche). Black Zero nutzt Geräusche oder ›rumori‹, wie beispielsweise im Futuristischen Theater. Das wird erreicht durch die Verwendung folgender Hilfsmittel: - Geräuschmaschinen - Das Geräusch des Aufblasens - Verstärkte Celloklänge, live, mit improvisierten Dissonanzen - Provozieren des Publikums

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA

Die Futuristen hatten es sich zur Aufgabe gemacht, das Publikum zu provozieren, als eine Art Herausforderung für die Zuschauer. Black Zero provoziert das Publikum in diesen beim Thema Rassismus so schwierigen Zeiten und stellt es durch Calvin Hertons Gedicht ›Monster Demon‹, das mit Hilfe eines Spulentonbandgerätes aufgenommen worden waar, auf die Probe. ›Monster Demon‹ verstört das Publikum mit unscharfen, rassischen Darstellungen eines schwarzen Dichters, live, der das Gedicht ›Jitterbugging in the Streets‹ vorträgt, das von den Ausschreitungen in Harlem handelt. Verwendung von Licht. In den Arbeiten der Futuristen wird Licht nicht als Effekt auf der Bühne eingesetzt, sondern als Element selbst. In Black Zero gibt es viele Momente, in denen das Licht ein Element ist: Am Anfang wird Blitzlicht verwendet, wodurch aufwändige Schattenformen in einem schwarzen Umfeld entstehen. Ein Darsteller in einem dunklen, leeren Raum trägt eine Gasmaske, die er mit einer Taschenlampe, die er darunter hält, beleuchtet. Andere Darsteller halten eine runde Metalloder Masonitscheibe mit einem Loch in der Mitte, durch das sie flackernde Lichtsignale an das Publikum senden. Vier Fernsehmonitore im hinteren Teil des Raumes mit elektronischen Bildern, elektronischer Sound und menschliche Atemgeräusche werden gemischt. Aufblasbare schwarze Wetterballons werden größer und größer, während gleichzeitig schwarz-weiße Diaprojektionen von Handprojektoren mit Rundmagazin und zusätzlich mit der Kurzschnittmethode produzierte Bilder aus dem Jahr 1960 (Nachrichten, Bilder von der NASA, Ausschreitungen, Polizei schlägt Demonstranten etc.) gezeigt werden.

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Black Zero Score

Video image Double Screen

FUTURISM AND BLACK ZERO There is a relation between Black Zero and the Futurists Performances. Not as a duplication of those early performances; but, as an influence of those components in a modern setting. As the futurists were breaking ground so, too, ›Electromedia‹ and Black Zero was venturing into uncharted waters bringing the audience a new experience, unlike anything they had experienced before. Use of Sound (noise ) Black Zero uses noise or ›rumori‹ as in the Futurist Theater. This is achieved through the use of: - Noise Machine - Sound of inflating air - Live amplified cello, improvised dissonance - Provocation of Audience The Futurists made a point of provoking the audience as a challenge to them. Black Zero is provoking and challenging the audience of the modern racially torn times through: Calvin Herton’s poem on reel to reel tape recorder, ›Monster Daemon,‹ disturbing audience with scaly racial imagery of Black poet, live, reciting poem, ›Jitterbugging in the Streets,‹ dealing with the riots in Harlem. Use of Lights. As in the Futurists work, Lights is used not as a stage lighting effect but Light used as an element in itself. Black Zero contains many moments where light is an element: Use of flashlight in the beginning, creating intricate shadow forms on a black environment. Performer in a dark empty area wears a gas mask lighting it with a flashlight held under it. Performer hold a round metal or masonite disc with a hole in the middle through which pulsating light messages are sent to the audience. Four television monitors in the back of the space with electronic images and electronic sounds and human breathing sounds combined. Inflatable black weather balloon that expands as simultaneously black and white slide projections from hand held carrousel projectors plus short cut images from 1960 (news, NASA images, riots, police beating protesters etc.) are also projected. MULTIMEDIA PERFORMANCES BLACK, the first of Aldo’s ›electromedia‹ performances, a work in progress, was first performed at International House, Columbia University (1965) & culminated as BLACK ZERO at the Brooklyn Academy of Music (1968). The performances toured in the United States and Canada. The performances brought together poets, experimental dancers, concrete sounds, lights, improvised music, inflatable screens & projected paintings (lumagrams), films and videos. It was a fusion of arts & media in a series of organic performances; expressing, conceptually, the expansion of humans into the space era contrasted with the socio-political turmoil of the times on earth. ›During the performance, as the creator of ›BLACK,‹ I interacted with over 40, 21/4 by 21/4, handpainted glass projected slides which I called ›lumagrams.‹ Don Ross from the ›New York Herald Tribune‹ later, on June 13, 1965 describes the ›lumagrams‹: ›Some of the lumigrams are reminiscent of slides of diseased tissue…..Tambellini said he is interested in evolving an art form from the revelation of the microscope. He is also interested in the revelation of the telescope in the cosmos, and some of the lumigrams are reminiscent of sidereal space. Others have a kind of fetal, placenta look…..I work from intuition, he (Tambellini) says, and not from intellectualization.‹

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA

MULTIMEDIA PERFORMANCES BLACK, die erste von Aldos ›Elektromedia‹-Performances, eine unvollendete Arbeit, wurde erstmalig 1965 im Internationalen Haus der Columbia Universität vorgeführt und hatte ihren Höhepunkt als BLACK ZERO an der Brooklyn Academy of Music im Jahr 1968. Die Performances gingen in den USA und Kanada auf Tour. Dichter, Experimentaltänzer, konkrete Sounds, Licht, improvisierte Musik, aufblasbare Leinwände und projizierte Bilder (›lumagrams‹), Filme und Videos, all das war Teil dieser Performances. Kunst und Medien wurden in einer Reihe von organischen Performances vereint; die Ausbreitung der Menschen in das Weltraumzeitalter, konzeptionell zum Ausdruck gebracht, im Kontrast zu den sozio-politischen Unruhen dieser Zeit auf der Erde. ›Während der Performance, als Schöpfer von ›BLACK‹ arbeitete ich mit mehr als vierzig 21/4 mal 21/4 handgemalten, auf Glas projizierten Dias, die ich ›lumagrams‹ nannte. Einige Zeit später, am 13. Juni 1965, beschreibt Don Ross von der ›New York Herald Tribune‹ die ›lumagrams‹ wie folgt: ›Einige der ›lumagrams‹ erinnern an Diapositive aus längst verrottetem Material ….. Tambellini sagte, er sei daran interessiert eine Kunstform zu entwickeln, die zeigt, was unter dem Mikroskop alles zu sehen ist. Ebenso interessiere es ihn darzustellen, was ein Teleskop uns vom Kosmos zeigt. Einige der ›lumagrams‹ erinnern auch an siderische Räume. Andere sehen aus wie ein Fötus oder eine Plazenta ….. Ich arbeite intuitiv, so Tambellini, und nicht mit dem Kopf.‹ Black Zero wurde Teil der ›Intermedia ‘68‹, einem von John Brockman organisiertem Festival, das zwei Monate lang auf Tour ging und bei sieben Universitäten Station machte. Unterstützt wurde dieses Festival durch Zuschüsse vom New York State Council of the ARTS und dem National Council of the Arts. ›Zur Zeit verändert und wächst BLACK ZERO mit jeder Vorführung weiter, während der SCHWARZE Ballon, der im Laufe der Performance erscheint, qualvoll wächst, größer wird und verschwindet. In BLACK ZERO findest du dich innerhalb des schwarzen Leibes des Weltraumzeitalters wieder. Und in diesem Leib, wird der Schwarze Dichter Calvin C. Herton, vom ›Monster Demon‹ aus ›Jitterbugging in the Street‹ erzählen, die Geräusche der eingesetzten Schlagstöcke während der Straßenunruhen in Harlem im Hintergrund. Eine Gestalt mit einer Plastikgasmaske schwebt wie ein Astronaut unter den gleichzeitig ausschweifenden Bewegungen der Sterne. Die Fernsehmonitore flackern in ihrem irrsinnigen, kosmischen Tanz. Eines Tages werden das Licht und die Energie der Sonne eiskalt werden und die riesige Sonnenscheibe wird SCHWARZ.‹ Aldo Tambellini über Black Zero, 1968 ›Aldo Tambellini beschreibt sein BLACK ZERO als ein Event mit Raum—Licht—Sound. Mit Ausnahme der beiden überzeugenden, aufwühlenden Gedichte, besteht es aus abstrakten visuellen und akustischen Reizen — das ist Theater für die Sinne. Vieles hat mich beeindruckt ….. Tambellini schafft etwas Lohnenswertes. Das Theater hat nicht diese Fähigkeit, die Sinne des Publikums zu stimulieren. Tambellini verhilft dem Theater sich auf unbekanntes Terrain zu wagen, verstärkt dessen die Sinne ansprechenden Inhalte und bezieht das Publikum auf einem ganz neuen Niveau mit ein.‹ Michael Smith, the Village Voice, 1965 ›Aldo Tambellinis ›Black Zero‹ bietet explosive, schwarz-weiße Abstraktionen, die auf Videoband produziert wurden, ergänzt durch handgemalte Filme und Diabilder.‹ Howard Junker, Newsweek, 18. März 1968 ›Gegen Ende begann ein riesiger Ballon anzuschwellen. Kurz bevor dieser zu platzen drohte, passierte etwas Unerwartetes. Er löste sich aus seiner Halterung und schwebte bedrohlich in Richtung Publikum, an dessen ausgestreckten Händen er schließlich zerplatzte. Als eine Art symbolischer Kommentar zu der explosiven Rassensituation in diesem Land, war Mr. Tambellinis Werk im wahrsten Sinne des Wortes eine durchaus schmerzhafte Erfahrung. Andererseits war es aber auch ein höchst effektives Stück abstrakten Theaters.‹ Grace Glueck, New York Times, 9. März 1968 ›Sich auf das ursprüngliche Bild fokussierend (interstellar oder innerzellulär), nimmt Tambellini uns von Beginn an mit auf eine verwirrende Reise funkelnder Dunkelheit bis hin zu einem grellen und explosiven Finale.‹ David Bourdon, Redaktionsassistent Bereich Kultur, Life Magazine Anlässlich seiner letzten Performance von Black Zero an der Brooklyn Academy of Music als Teil des Intermedia 68, gefördert vom New York Council of the Arts und dem National Council of the Arts, schrieb Aldo Tambellini folgendes: ›BLACK ZERO begann und wuchs in New York, es wird jedoch irgendwo da draußen weiter wachsen, außerhalb von New York, denn Amerika lehnt alles ab, was auf natürliche Art wächst‹.

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Black Zero became part of ›Intermedia ‘68‹ a two month touring festival which went to seven university campuses produced by John Brockman and supported by grants from the New York State Council of the ARTS and the National Council of the Arts. ›At present, BLACK ZERO keeps on changing and growing with each presentation as the BLACK balloon which appears through the performance agonizingly grows, expands and disappears. In BLACK ZERO you’ll be inside of the black womb of the Space Era. And in that womb the Black poet, Calvin C. Herton, will speak of the ›Monster Demon,‹ of ›Jitterbugging in the Street‹ under the beat of the bully sticks during the Harlem riot. The plastic gas masked figure floats like an astronaut under the expanding simultaneous motion of the stars. The television monitors pulsate in their insane cosmic dance. One day the light and the energy of the sun will become ice cold and the enormous sun disc will become BLACK.‹ Aldo Tambellini on Black Zero, 1968 ›Aldo Tambellini describes his BLACK ZERO as a space—light—sound event. Except for two strong energizing poems it consists of abstract visual and auditory stimuli — it is theatre of the senses. I was impressed by much of it….. Tambellini is doing something worthwhile. The theatre lacks and needs the ingredient of direct sense stimulation. He’s expanding the theatre into unexplored territory, intensifying its sensory content and engaging the audience on a new level.‹ Michael Smith, the Village Voice, 1965 ›Aldo Tambellini’s ›Black Zero‹ provides explosive black-and-white abstractions produced on video tape supplemented by hand-painted film and slide images.‹ Howard Junker, Newsweek, March 18, 1968 ›Toward the end a huge balloon began to swell. As it reached the bursting point, something unplanned happened. It broke from its mooring and floated threateningly out over the audience, at whose hands it finally exploded. As a symbolic comment on the explosive racial situation in this country, Mr. Tambellini’s work was a painfully literal experience. On another level, as well, it was a highly effective piece of abstract theatre.‹ Grace Glueck, New York Times, March 9, 1968 ›Zeroing in on a primal image (interstellar or inner cellular), Tambellini leads us on a dazzling voyage from the first moment of glittering darkness to a blinding an explosive finale.‹ David Bourdon, Assistant Editor of Arts, Life Magazine In Tambellini’s ›electromedia‹ there are images which are like microscopic or sidereal visions, telescopic, space-like I would say, nuclear at the same time, circles, biological, cellular organisms. Black was the emblem of the new generation of existentialists extensively existing throughout Europe as well as the United States. It is a moment in which a whole generation is evolving which is totally new which re-enters, for the first time, back into the historical scene: this was due to youth and the economic boom. They will be the ones to first experience the crisis which their so called good life was unable to address.‹ Paolo Antognoli, Art Critic, Aldo Tambellini’s Retrospective in Lucca, Italy, 2007 For the final performance of Black Zero at the Brooklyn Academy of Music as part of Intermedia 68, sponsored by the New York Council of the Arts and the National Council of the Arts, Aldo Tambellini wrote the following: ›BLACK ZERO began and grew in New York but it will grow out there somewhere outside of New York for America rejects that which naturally grows.‹

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - BIOGRAPHICAL WORKS

AN INTRODUCTION AND SURVEY OF TAMBELLINI'S LIFETIME ART-WORK

In einem seiner Gedichte schrieb Aldo, dass er bereits im zarten Alter von 3 Jahren wusste, dass er der geborene Künstler sei. Seine künstlerische Ausbildung begann er mit 10 Jahren im italienischen Lucca, als seine Mutter ihn am A. Passaglia Kunstinstitut anmeldete. Dort vertiefte er sich in die Geschichte und die traditionellen Methoden der Kunst. Als er in die USA zurückkehrte, erhielt er ein Vollstipendium für ein Kunststudium an der Universität von Syracuse und anschließend ein Lehrstipendium, um an der Notre Dame Universität unter dem jugoslawischen Meister-Bildhauer Ivan Mestrovic ein Studium zu absolvieren, das er mit einem MFA in Bildhauerei abschloss. In den späten 50er-Jahren zog Aldo in die Stadt New York, genauer gesagt an die Lower East Side. Dort widmete Aldo sich der Bildhauerei und der Malerei, leistete im Bereich Videokunst bedeutende Pionierarbeit, organisierte Multimedia-Performances, drehte Filme und schrieb Gedichte. Dieses Video umfasst mehr als 40 Jahre seines Lebens und beinhaltet eine Übersicht seiner Arbeiten. In einem Interview beim Fernsehsender WNYS in Syracuse, New York, gibt Aldo Details seiner eigenen künstlerischen Entwicklung bekannt, während er Fotografien zeigt, die er 1948 im Alter von 18 Jahren in seiner Nachbarschaft in Syracuse, New York, machte. Eine multimediale Reise durch Fotografien, Auszüge aktueller Arbeiten sowie Film- und Zeitungsausschnitten quer durch Aldos künstlerisches Schaffen. Aldo wrote in one of his poems that he knew he was born an Artist as early as the age of 3. His formal artistic training Arts began at the age of 10 when, in Lucca, Italy, his mother enrolled him in the Art Institute A. Passaglia. There, he became steeped in the history and the traditional methods of art. When he returned to the United States, he received a full scholarship to study Art at Syracuse University and then got a Teaching Fellowship to attend Notre Dame University where he received his MFA studying under the Yugoslavian Master Sculptor, Ivan Mestrovic. In the late 1950’s Aldo moved to New York City and specifically, the Lower East Side. There Aldo did sculpture, painting, pioneered in video art, did multi-media performances and made films and wrote poetry. This video spans over 40 years of his life and contains a survey of his work. Aldo, in an interview at WNYS in Syracuse, New York, details his own artistic development while showing photographs which he took of his neighborhood in Syracuse, New York, in 1948 at the age of 18. A multi-media journey through photographs, excerpts from actual work, film and newspaper clippings through Aldo’s artistic output. Video contains: - The interview from WNYS, Syracuse, NY, 1975 which include some early drawings, paintings and sculpture - Interview at the Black Gate Theatre, New York City with ABC Television on multi-media - Aldo’s first video tape, New York City, 1966 - TV as a Creative Medium Howard Wise Gallery, New York, 1969 (excerpts) from a video made by Ira Schneider - ›Electromedia‹ Explanation and Performances - ›Moonblack‹ Performance Film, 1966- an ›Electromedia‹ Performance excerpts from a film by Jud Yalkut - ›Black Gate Cologne‹ WDR3 TV Cologne Germany, 1968 (excerpts) - ›Black‹ in ›The Medium is the Medium‹. WGBH TV, Boston MA., 1969 (excerpts) - ›6673‹ Aldo’s original tape from 1966 was reprocessed using the Paik-Abe Synthesizer in 1973 WNET TV channel 13 The Television Laboratory. Aldo made some of the unusual sounds heard on the video (excerpts) - ›Atlantic in Brooklyn-the life of a street‹, in camera edited, 1971 (excerpts) ÆUSA 2005, 57:00 ÆAldo will be present to give a personal insight in his artistic Life and will answer questions from the audience.

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - THE BLACK FILM SERIES BLACK ON BLACK Eine poetische Einführung in die Black Film-Reihe A poetry introduction to the Black Film Series

BLACK IS

›Our creative involvement with television must begin now so that the electronic energy of communication can give birth to new visions: we will face the realities which astronauts and scientists know to be part of life.‹Intermedia-Künstler und Filmemacher Aldo Tambellini arbeitete viele Jahre kreativ mit dem Medium fernsehen. Er produzierte synaesthetische Videos, videographische Film, und Closed Circuit teledynamische Environments. Seine gesamte Arbeit in welchem Medium auch immer beschäftigt sich mit dem Thema ›Schwarz‹ als Idee und als Erfahrung. Für Tambellini ist Schwarz der Mutterleib und der Kosmos, die Farbe von Haut und die Farbe des neuen Bewusstseins. ›Schwarz ist der Anfang von Allem‹ sagt er, ›es ist die Geburt, die Erweiterung der Bewusstseins in alle Richtungen. Intermedia artist and filmmaker Aldo Tambellini has worked creatively with television in many ways over the years. He has produced synaesthetic videotapes, videographic films, and closed circuit teledynamic environments. All of his work, in whatever medium, is concerned with the theme of ›black,‹ both as idea and experience. For Tambellini, black is the womb and the cosmos, the colour of skin and the colour of the new consciousness. ›Black is the beginning,‹ he says. ›It is birth, the oneness of all, the expansion of consciousness in all directions.‹

Hierbei handelt es sich um Aldo Tambellinis ersten Film, bei dem auf die Kamera ganz verzichtet wurde. Der Film wird im Programm des Bridge Theaters in New York wie folgt beschrieben: ›Schwarze, teuflische Spermien zeugen, eilen durch die Dunkelheit ans Licht. Zum Leib, zu Reibung, Wehen und Ausdehnung. Metamorphose. Sie projizieren abstrakte Formen und Illuminationen vor einem nacht-schwarzen Hintergrund, der, so Aldo, auf ›das Schwarz der Samen, das Schwarz der Samen, das Schwarz der Spermien, das Schwarz der Spermien‹ hindeutet. This is Aldo Tambellini’s first film done entirely without the use of a camera. The film is described in the Bridge Theatre, (NYC) Program, ›Black sperm Demons generate, speed through darkness into light. To the womb, to friction, contraction and expansion. Metamorphosis. Projecting abstract forms and illuminations in a night-black background which Aldo says it suggests ›seed black, seed black, sperm black, sperm black.‹

Aldo Tambellini

ÆUSA 1965, 4:00, 16mm, b&w, opt. sound

ÆUSA 2009, DVD, 9:30 ÆBlack Film Series 1965-1969:

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - THE BLACK FILM SERIES

BLACK TRIP1

BLACK TRIP 2

BLACKOUT

Aldo Tambellini

Aldo Tambellini

Aldo Tambellini

Im Filmkatalog der Grove Press wird diese Arbeit als ›reine Abstraktion nach Art von Jackson Pollock beschrieben. Durch die Verwendung von Bildwiedergaberöhren, Video, Multimedien und der direkten Malerei auf den Film, erhält man den Eindruck hektischer Aktivität von Protoplasma unter einem Mikroskop, wo der imaginäre Betrachter vielleicht sogar den Ursprung des Ganzen zu sehen vermag.‹ Die japanische Film Review (Tokio) sagt, dass ›Tambellini eine neue Stufe der Bilddarstellung beschritten hat und seine Arbeit eine Innovation des elektronischen Zeitalters ist.‹ Described in the Grove Press Film Catalogue as ›pure abstraction after the manner of Jackson Pollock. Through the uses of kinescope, video, multimedia and direct painting on film, an impression is gained of the frantic action of protoplasm under a microscope where an imaginative viewer may see the genesis of it all.‹ The Japanese Film Review (Tokyo) says that, ›Tambellini stepped into a new stage of imagery and his work is a pioneer piece of the electronic age.‹

Aldo Tambellini beschreibt diesen Film als ›innerliches Erforschen der Gewalt und des Mysteriums der amerikanischen Seele, gesehen durch die Augen eines schwarzen Mannes und der russischen Revolution.‹ Aldo Tambellini describes this film as ›an internal probing of the violence and mystery of the American psyche seen through the eyes of a black man and the Russian Revolution.‹

Aldo Tambellini schreibt über den Film, ›…nach New York, ins tiefe Schwarz, ins Licht, wie ein neues Embryo, das Schwarze gebärend.‹ Der Filmkatalog von Grove Press sagt, ›…. wie eine Aktionsmalerei von Franz Kline, ist es ein steigendes Crescendo abstrakter Bilder. Rasche Schnitte weißer Formen auf einem schwarzen Hintergrund, ergänzt durch einen gleichermaßen abstrakten Soundtrack, erinnern an ein Bombardement am Himmelszelt oder an ein Schlachtfeld, auf dem Kanonen auf einen unsichtbaren Feind in der Dunkelheit schießen.‹ Dieser Film wurde ohne Verwendung einer Kamera gemacht. Aldo Tambellini writes about the film, ›…to New York-to black-to light as a new embryo giving birth to black.‹ Grove Press film Catalogue talks about the film ›….like an action painting by Franz Kline, is a rising crescendo of abstract images. Rapid cuts of white forms on a black background supplemented by an equally abstract soundtrack give the impression of a bombardment in celestial space or on a battlefield where cannons fire an unseen enemy into the night.‹ This film was done without the use of the camera.

ÆUSA 1965, 4:30, 16mm, b&w, opt. sound

ÆUSA 1967, 3:00, 16mm, b&w, opt. sound

ÆUSA 1965, 9:00, 16mm, b&w, opt. sound

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BLACK PLUS X

MOONBLACK

BLACK TV

Aldo Tambellini

Aldo Tambellini

Aldo Tambellini

In diesem Werk beobachtet Aldo das Geschehen im Coney Island Park, New York. Er verfolgt das Spiel der schwarzer Kinder, nimmt die Aktivitäten der Familien dort auf und den Spaß, den diese im Wasser und rund um den Freizeitpark haben. Dieser Film wurde professionell in der Kamera geschnitten. Aldo here focuses on the activities at Coney Island Park, NY. He follows black children through their playing, capturing family activities and the fun they are having in the water and around the amusement park. This film is competently edited in camera.

Aldo Tambellini schafft hiermit eine nachempfundene Reise durch den Weltraum, der Mond ist das Ziel. Das Gefühl eines Weltraumfluges wird noch durch das permanente Dröhnen eines Raketentriebwerks sowie den Gesprächen zwischen den Astronauten und der Kontrollstation in Houston verstärkt. Aldo Tambellini, für den die Farbe Schwarz eine Quelle ständiger Fantasie darstellt, schrieb über Moonblack, ›und bevor alles anfing war es schwarz‹. Bei diesem Film wurde auf die Kamera gänzlich verzichtet. Aldo Tambellini creates a vicarious trip through space, destination Moon. The sensation of space flight is further heightened by the continuous roar of rocket engines and the conversation between the astronauts and Houston Control. Aldo Tambellini for whom black was a source of permanent imagination wrote about Moonblack, ›……and before beginning there was black.‹ This is a film done entirely without the use of the camera.

›Der Film‹ so der Filmkatalog der Grove Press, ›zeigt die sensible Wahrnehmung der Gewalt seitens des Künstlers auf der Welt, in der wir leben, quasi durch die Fernsehröhre dargestellt.‹ Die Japanese Film Review (Tokio) nennt es ›sein (Tambellinis) Meisterwerk. Ein Werk, in dem das Video TV zu einem persönlichen und künstlerischen Medium geworden ist. Dieser Film gewann den Grand Prix beim Filmfestival in Oberhausen im Jahr 1969. ›The film‹ Grove Press Film Catalogue writes, ›is the artist’s sensory perception of the violence of the world we live in, projected through the television tube.‹ The Japanese Film Review (Tokyo) calls it ›his (Tambellini’s) masterpiece. Where video TV has become a personal and artistic medium. This film won the Grand Prix at the Film Festival Oberhausen, Germany in 1969.

ÆUSA 1966, 4:00, 16mm, b&w, opt. sound

ÆUSA 1968, 10:00, 2x16mm split screen, b&w, opt., shown on DVD

ÆUSA 1969, 13:00, 16mm, b&w, opt. sound

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI - VIDEOWORKS

A ›DIGITAL TRIPTYCH‹: -1

MARCH 27, 1980 8:00PM–1:00AM

Aldo Tambellini

Aldo Tambellini

Im Studio des WXXI TV, Rochester, New York, wurde 1969 auf einem 2Zoll-Quadband eine Videoaufnahme gemacht, gefördert mit einem Zuschuss der New York State Council of the Arts, die Teil einer Programmreihe bildete, die vom New York State Education Television produziert und gesendet wurde. Aldo Tambellini, Pionier im Bereich Multimedien, veranstaltete ein Live-Event im Fernsehstudio, wo er ein urbanes Klassenzimmer mit Kindern nachstellte. Aldos Film/Video bombardiert die Kinder, die spontan anfangen zu singen, wobei ihre Kinderlieder mit dem sich wiederholenden Countdown eines Raketenstarts vermischt werden; die Gespräche zwischen den Astronauten und der Weltraumflugkontrollstation und US-amerikanischen Truppen im Vietnamkrieg, mitten im Gefecht. Der 1.Teil des Triptychons besteht aus reiner Improvisation, ohne jegliches Drehbuch. Im 2.Teil des Triptychons hört das Publikum vor einem tiefschwarzen Hintergrund drei Anti-Kriegsgedichte, die von Aldo verfasst und aufgenommen wurden. Der 3.Teil besteht aus animierten Zeichnungen, die außer Landes geschmuggelt worden waren, Zeichnungen irakischer Kinder, die den Krieg hautnah miterlebten und so dokumentierten. Diese kleinen Kunstwerke der Kinder stammen aus Aldos Digitalfilm ›LISTEN‹ aus dem Jahr 2005, Gewinner beim Syracuse International Film Festival sowie beim New England Film and Video Festival 2006, in der Kategorie ›Bester Experimentalfilm eines unabhängigen Filmemachers‹. A videotape was made in the studio of WXXI TV, Rochester, N. Y. on a 2 inch Quad broadcast tape in 1969 with a grant from the New York State Council of the Arts as part of a program series which was produced and aired by New York State Educational Television. Aldo Tambellini, multi-media pioneer, created a live event in the television studio using an urban classroom of children. Aldo’s film/video bombard the children who are spontaneously singing, their children’s’ songs mixed with the repeated countdown of a rocket launch; the conversation between the astronauts and Mission Control and US troops engaged in battle in the Vietnam War. Part 1 of the triptych is a non-scripted improvisation. Part 2 of the triptych, in a background of intense black, the audience hears 3 anti-war poems written and recorded by Aldo. Part 3 is the animated smuggled drawings by Iraqi children as they witnessed and document the present war. This children’s artwork is from Aldo’s digital film ›LISTEN‹ 2005, winner of the Syracuse International Film Festival and the New England Film and Video Festival for best experimental-film by an independent filmmaker category in 2006.

Dieses Video dokumentiert fast minutiös einen ganz gewöhnlichen Alltag. Es ist der 27. März 1980. Aldo zappt zwischen den einzelnen Fernsehsendern hin und her, von 20.00 Uhr bis 1.00 Uhr. Er nimmt all das auf, dem der Fernsehzuschauer ausgesetzt ist, hält die Dramatisierung und vor allem die Gewalt und Absurdität des wöchentlichen Fernsehprogramms fest. This video frames time of an ordinary day. Aldo switches the stations on a television between the hours of 8:00PM and 1:00 AM on March 27, 1980. He records what a viewer is exposed to being on broadcast television, capturing the dramatization and particularly the violence and absurdity of the weekly programming.

ÆUSA 1969 & 2005, 24:00

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ÆUSA 1980, 13:00 ÆFrom the series ›A Day In The Life Of Television‹

INAUGURATION ‘81 (From the series: ›A Day In The Life Of Television‹) Aldo Tambellini

Neuauflage aus dem Katalog für die Show ›BOSTON: NOW‹, Institute of Contemporary Art, Boston, MA, 10. Mai 1983 - 5. Juni 1983. Es gibt ein von den Medien erfundenes Amerika. Es hat Wurzeln in Hollywood und andere Mythologien, die von den Europäern abgewandelt wurden und im neuen Land somit langsam ihre eigenen Merkmale erhielten. Die Medien verbinden uns und schaffen eine Realität, die mehr als nur Realität ist; sie ist ›das Bild eines Bildes‹ auf Mehrfachkanal. In ›Inauguration ‘81‹ sendet jeder Kanal ›live‹ ---- jedes Sendernetz hat sein eigenes Kamerateam mit Zugang zu Satelliten- und Schaltsystemen — ein Sender strahlt den alten Film ›There’s No Business Like Show Business.‹ aus. Die Fernsehgeräte zeigen hohe Tiere und Stars, darunter Reagan, zum Präsidenten ernannt. Im Fernsehen zeitlich stark verkürzt, bekommt man die wichtigsten Ereignisse geballt gezeigt. Die Struktur des Fernsehens liegt in der Mythologie unserer Regierung, unseres Landes. Das Fernsehen ist das Museum für die Massen; es ist die Welt, die unseren Geist beherrscht, was durch die sich ständig entwickelnden technischen Möglichkeiten in den komplexen Systemen der Kommunikationsnetzwerke nur noch verstärkt wird. Es gibt im Fernsehen Momente von größter Bedeutung. ›Inauguration ‘81‹ ist einer dieser Momente. Werden die Geiseln befreit werden? Ein zunächst siegessicherer Carter, der am Ende die Wahl verlor, triumphiert. Es ist der Glanz der ›Inauguration‹ und des ikonenhaften Bildes einer Marilyn Monroe mit Ethel Merman auf mehreren Kanälen gleichzeitig. Die Aufnahme wurde in einem Videogeschäft in einer kleinen Stadt außerhalb von Boston gedreht. Ich rief im Vorfeld dort an und bat darum, alle verfügbaren Kanäle einzuschalten. Während der Aufnahme nähert sich ein Verkäufer, der sich der Dreharbeiten gar nicht bewusst zu sein scheint, einem Fernsehgerät, in der Bemühung dieses an einen Kunden zu verkaufen und macht somit das Ganze noch glaubwürdiger. Reprinted from the Catalogue for the Show ›BOSTON: NOW‹, Institute of Contemporary Art, Boston, MA, May 10, 1983-June 5, 1983 There is an America invented by the media. It has roots in Hollywood and other mythologies which were transposed by the Europeans and began to have their own characteristics in the new land. Media connects us and creates the reality which is more than reality; it is ›an image of an image‹ in multi-channels. In ›Inauguration ‘81‹ each channel is happening ›live‹----each network has its own camera crew with access to satellite and switching systems—one station is broadcasting the old movie ›There’s No Business Like Show Business.‹ The TV sets project big brass and stars and Reagan is one of them becoming President. The compression of time in television blows up the essence. The structure of broadcast-television is in the mythology of our government and land. TV is the museum of the masses; it is the environment inhabiting our minds, made possible by the ever developing technological means in the complex systems of communication networks. There are moments in television of epic significance. ›Inauguration ‘81‹ is one of those moments. Will the hostages be released? A victorious Carter, who lost the election, is triumphant. It is the glory of the Inauguration and the iconic image of Marilyn Monroe with Ethel Merman on simultaneous channels. The tape was shot in a video store in a small town outside of Boston. I called ahead and asked to have all available channels switched on. During the taping one salesman, oblivious to it all, came in front of a TV set, trying to sell it to a customer which adds a spark of reality. ÆUSA 1981, 35:00

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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI BIOGRAPHY

ALDO TAMBELLINI Aldo Tambellini, Maler, Bildhauer, Fotograf, Videokünstler, Filmemacher und Dichter, wurde 1930 in Syracuse, New York, geboren. Sein Vater stammte aus São Paulo, Brasilien, die Mutter aus Italien. Im Alter von 18 Monaten nahm man ihn mit ins italienische Lucca (Toskana). Bereits mit 10 Jahren wurde er dort an der Kunstschule am A. Passaglia Kunstinstitut angemeldet. Als er 14 war, überlebte er wie durch ein Wunder die Bombardements in seiner Wohngegend während des 2. Weltkrieges, denen viele Nachbarn und Freunde zum Opfer fielen. 1946 kehrte er in die USA zurück. Im Jahr 1954 erhielt er ein Vollstipendium in der Fachrichtung Kunst an der Syracuse Universität, erreicht dort den BFA in Malerei, sowie 1958 ein Lehrstipendium an der Universität, das er mit einem MFA in Bildhauerei abschloss. 1959 zog Aldo an die Lower East Side von New York. Dort gründete er die Gruppe ›Group Center‹, eine im Untergrund operierende ›Gegenkultur‹ Gruppe, die öffentliche Kunstveranstaltungen organisierte und nicht-traditionelle, alternative Methoden aufzeigte, um der Allgemeinheit künstlerische Arbeiten zu präsentieren. Auch die Organisation von anderen Aktivitäten erfolgte, um das politische und künstlerische Bewusstsein der Öffentlichkeit zu wecken. 1964 veranstaltete Group Center die wohl erste Loft Show, an einem Ort, den wir heute als SOHO in New York kennen. In den 60er-Jahren galt Aldo als Pionier der Videokunst-Bewegung. 1965 begann Tambellini direkt auf Film zu ›malen‹, womit er seine ›Black Film Reihe‹ ins Leben rief, von der ›Black TV‹ 1969 den ›International Grand Prix‹ beim Filmfestival in Oberhausen gewann und sich jetzt in der Sammlung des Museum of Modern Art befindet. Gleichzeitig begann Aldo mit einer Reihe von ›Electromedia Performances.‹ ›Black,‹ ein noch unvollendetes Werk, organisch zusammengestellt, zeigte Malereien, Film, Video, Gedichte, Licht, Tanz, Sound und Improvisationsmusiker, und erreichte seinen Höhepunkt mit ›Black Zero‹ bei der ›Intermedia ’68‹ an der Academy of Music in Brooklyn. Es wurde 2009 im Rahmen der Performa09 in der White Box in New York wieder gezeigt. 1966 war er Mitbegründer des ›Gate Theatre‹ in der Lower East Side von New York, wo es täglich Vorstellungen avantgardistischer und unabhängiger Filme gab. Im Jahr darauf gründete er mit Otto Piene, das Black Gate Theater, an dem erstmalig in New York multimedia (Electromedia) Performances und Installationen live gezeigt wurden. Im Jahr 1968 entwickelten Aldo Tambellini und Otto Piene beim WDR in Köln (Deutschland) die erste durch Künstler gestaltete internationale Fernsehsendung mit dem Titel, ›Black Gate Cologne‹. Tambellini nahm an den folgenden bahnbrechenden Ausstellungen teil: ›Some More Beginnings- Experiments in Art and Technology‹ Brooklyn Museum, in Zusammenarbeit mit dem Museum of Modern Art, 1968 – die erste Museumsshow, die Kunst und Technologie verbindet. ›Television as a Creative Media‹ Howard Wise Gallery, New York, 1969 – die erste Show, die das Thema Fernsehen in einer Galerie eingehend behandelt. ›The Medium is the Medium‹ WGBH, Boston, MA. – die erste Fernsehsendung von Künstlern in den USA, 1969. ›Vision and Television,‹ Rose Art Museum, Brandeis Universität, Waltham, MA. 1970 – die erste größere Videoausstellung in einem Museum. ›A Special Video Show,‹ Whitney Museum, New York, 1971 - die erste Videoshow im Whitney Museum. ›First National Videotape Festival,‹ Minneapolis Art Institute in Zusammenarbeit mit dem Walker Art Center Minneapolis, MN., 1972. ›Circuit: A Video Invitational‹ Everson Museum of Art, Syracuse, New York, 1972 – die erste Ausstellung von Videokünstlern, die Museen und Galerien bereisen. Von 1976 bis 1984 arbeitete Aldo als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Center for Advanced Visual Studies am Massachusetts Institute of Technology. Während seiner Tätigkeit dort, wirkte er bei vielen Projekten mit und nahm an den internationalen ›Sky Art Conferences‹ sowie der Biennale 1983 in São Paolo teil und blieb fast ein Jahr in Brasilien. Er war der Austauschkünstler in Paris für das interaktive Medienprojekt ›Interface‹, Paris American Center for Artists und CAVS MIT, im Jahr 1981. Mit dem Prinzip der sogenannten ›Kommunikationssphäre‹, organisierte er eine Reihe von internationalen und interaktiven Kommunikationsprojekten, die eine Welle des ›social networking‹ auslösten, so eine Art Vorläufer des heutigen Internets. Seine dichterischen Werke, aus denen er in zahlreichen öffentlichen Lesungen vorträgt, wurden vielfach veröffentlicht. Mit seinem Werk ›LISTEN‹ aus dem Jahr 2005 schuf er einen digitalen Anti-Kriegsfilm, der 2005 beim Filmfestival in New England in der Kategorie ›Short Experimental Film by an Independent Filmmaker‹ und beim internationalen Filmfestival in Syracuse im Jahr 2006 den ersten Preis gewann. 2007 erhielt Aldo den ›Lifetime Achievement Award‹ ebenfalls von der Universität von Syracuse, im Rahmen des dortigen internationalen Filmfestivals. Im gleichen Jahr wurden ihm die ›Keys to the City of Cambridge‹ vom Bürgermeister Ken Reeves überreicht, als Anerkennung für seinen Beitrag zum kulturellen Leben in der Stadt.

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Aldo Tambellini, painter, sculptor, photographer, video artist, film-maker and poet was born in Syracuse, New York in 1930. Father from Sao Paolo, Brazil - Mother from Italy. He was taken to Lucca (Tuscany) Italy at the age of 18 months. He was enrolled in the art school in Lucca at the A. Passaglia Art Institute at the age of 10. At 14, he miraculously survived the bombing of his neighborhood during WWII when many of his friends and neighbors died. He returned to the United States in ›46. Awarded a full Art Scholarship at Syracuse University, BFA in Painting, ›54 and a Teaching Fellowship at the University of Notre Dame, MFA in Sculpture, ’58. In ›59, Aldo moved to N.Y.’s Lower East Side. He founded the underground, ›counter-culture‹ group, ›Group Center,‹ which organized public art events and non-traditional alternative ways to present artists’ work to the community, and other activities to raise the political and artistic consciousness of the public. In ’64 Group Center held probably the first Loft Show in what is now SOHO in NYC. Aldo pioneered in the video art movement in the 60’s. In ›65, he began painting directly on film beginning his ›Black Film Series‹ of which, ›Black TV,‹ won the International Grand Prix, Oberhausen Film Festival, ’69 - now in the Collection of the Museum of Modern Art. Simultaneously, Aldo began a series of ›Electromedia Performances.‹ ›Black,‹ a work in progress, organically brought together, projected paintings, film, video, poetry, light, dance, sound and improvisational musicians, culminating with ›Black Zero‹ at the Brooklyn Academy of Music in ›Intermedia ’68‹ and performed again in 2009 for Performa09 at the White Box in NYC. In ’66, he co-founded the Gate Theatre, in the Lower East Side of NYC, showing avant-garde and independent films daily and in ›67, he co-founded with Otto Piene, the Black Gate, the 1stspace in NYC for live multi-media (Electromedia) performances and installations. Aldo and Otto Piene created at WDR, Cologne, Germany, the 1stinternational television broadcast by artists, ›Black Gate Cologne,‹ in ’68. He participated in the following pioneering exhibitions: ›Some More Beginnings- Experiments in Art and Technology‹ Brooklyn Museum in collaboration with Museum of Modern Art, 1968 - 1st museum show of arts and technology. ›Television as a Creative Media,‹ Howard Wise Gallery, N.Y., N.Y., 1969 - 1stcomprehensive show about TV in a gallery. ›The Medium is the Medium,‹ WGBH, Boston, MA. - 1stU.S. broadcast by artists, 1969. ›Vision and Television,‹ Rose Art Museum, Brandeis University, Waltham, MA. 1970 - 1stmajor museum video exhibition. ›A Special Video Show,‹ Whitney Museum, N.Y., N.Y. 1971-1stvideo show at the Whitney. ›First National Videotape Festival,‹ Minneapolis Art Institute in collaboration with Walker Art Center‹ Minneapolis, MN., ’72. ›Circuit: A Video Invitational,‹ Everson Museum of Art, Syracuse, N.Y., ’72 - 1stexhibition of video artists travelling to museums and galleries. From 1976 to 1984, Aldo was a Fellow at the Center for Advanced Visual Studies at the Massachusetts Institute of Technology. While at CAVS, he collaborated in many projects and participated in the International ›Sky Art Conferences‹ and the Sao Paolo Biennale ’83, remaining in Brazil almost a year. He was the exchange artist to Paris for the interactive media project, ›Interface,‹ Paris American Center for Artists and CAVS MIT, ›81. With the concept of ›communicationsphere‹ he organized a series of international, interactive, communication projects leading to the wave of social networking, in some way a precursor of the internet. As a poet, he is widely published - performing in countless public readings. He produced an anti-war digital film with his poetry, ›LISTEN‹ in 2005. This film won First Place in the ›Short Experimental Film by an Independent Filmmaker‹ at the New England Film Festival in ›05 and at the Syracuse International Film Festival in ›06. In ›07, Aldo was awarded the ›Lifetime Achievement Award‹ from Syracuse University at the ›07 Syracuse International Film Festival. The same year he received the Keys to the City of Cambridge from Mayor Ken Reeves in recognition of his contribution to the cultural environment of the City.

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MEDIA CAMPUS

MEDIA CAMPUS. Als Forum speziell für studentische Nachwuchskünstler zeigen wir dieses Jahr, was die junge Medienkunst aus 16 Nationen in der Gegenwart ausmacht. In diesem Rahmen finden zwei Ausstellungen statt: Unter dem Titel ›sound reflections‹ werden im Turm Bürgergehorsam Medieninstallationen präsentiert, die sich mit dem Spektrum menschlicher Wahrnehmung befassen, aber auch die Frage nach dem Wahrgenommenwerden stellen. Hierbei wird der Besucher dazu auffordert, seine Sinnesorgane auf ungewohnte Weise zu beanspruchen. Im Stadtgalerie Café wird bis zum 2. Mai 2010 die Ausstellung ›living entities‹ gezeigt. Die einzelnen Installationen, welche unterschiedliche Facetten des Lebens beleuchten, schlagen eine Brücke zwischen Natur und Kultur. Einige dieser Arbeiten bedürfen der Interaktion mit dem Besucher, sodass erst durch diesen das Kunstwerk vervollständigt wird. Diesmal heißen wir drei Hochschulen willkommen, die sich mit Vorträgen und Filmprogrammen vorstellen: Prof. Philipp Pape präsentiert mit ›Visualising Europe‹ und ›Generative Typografie‹ zwei Projekte der FH Mainz, in deren Rahmen abstrakte Daten per Design künstlerisch vermittelt werden. Außerdem stellt sich die Filmklasse der Akademie für Bildende Künste Mainz unter der Leitung von Prof. Harald Schleicher in Form eines Kurzfilmprogramms vor. Prof. Jörg Udo Lensing gewährt mittels des Vortrags ›Experimentelle audio-visuelle Wechselwirkungen im Film‹ und des Filmprogramms ›Filme machen – anders‹ einen Überblick über das Studienangebot des Fachbereichs Design der FH Dortmund. In diesem Jahr hat das Auswahlkomitee des Media Campus sechs Filmprogramme zusammengestellt: ›Passion of Mind‹ widmet sich dem Labyrinth menschlicher Psyche sowie der Gefahr, sich darin zu verlaufen. ›Raum-Zeit-Anomalien‹ durchstreift das akustische und optische Spannungsfeld zwischen Meditation und Reizüberflutung. In ›Constructed Nature‹ werden typisch menschliche Verhaltensmuster auf ungewöhnliche Weise pointiert. Bei ›Minds gone astray‹ steht die Macht der Fantasie im Mittelpunkt, ob als Lebensprinzip oder seelische Stütze. ›Family Affairs‹ thematisiert die Licht- und Schattenseiten familiärer Kommunikation. ›Mosaik‹ hingegen kombiniert Filme unterschiedlichster Themen zu einem Potpourri aus Alltäglichem und Absurdem. Darüber hinaus laden zwei Workshops zu künstlerischer Betätigung ein: Teilnehmer des Workshops ›TRASH UP‹ werden unter der Leitung der Medienkünstlerin Joanna Schulte einen Minimusikfilmclip produzieren. Im Workshop ›Raus aus der Blackbox!‹ von Erik Schmelz gilt es dagegen, miteinander korrespondierende Medien zu einer multimedialen Installation zusammenzufügen. Wir freuen uns auf ein spannendes und unterhaltsames Programm Das Media Campus-Team

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MEDIA CAMPUS. As a forum especially for budding student artists, this year we will show what young Media Art from 16 different countries currently signifies. In this context, two exhibitions will be held: under the title ›sound reflections‹, media installations that explore the spectrum of human perception and the act of being perceived will be presented in the Turm Bürgergehorsam. Here, visitors will be invited to utilise their sense organs in an unusual way. The ›living entities‹ exhibition will be shown in Stadtgalerie Café up to 2 May 2010. The individual installations, which illuminate the various facets of life, build a bridge between nature and culture. Some of these works require interaction with visitors, completing the work of art. This time we would like to extend a warm welcome to three higher education institutions, which will introduce themselves in lectures and film programmes: Professor Philipp Pape will present ›Visualising Europe‹ and ›Generative Typography‹, two projects at Mainz University of Applied Sciences in which abstract data was artistically conveyed by design. Also the Film Class of the Akademie für Bildende Künste Mainz, under the direction of Professor Harald Schleicher, will present itself within a short film programme. In his lecture ›Experimental audio-visual interactions in film‹ and the film programme ›Alternative filmmaking‹, Professor Jörg Udo Lensing will give visitors an overview of the courses on offer at the Faculty of Design of Dortmund University of Applied Sciences and Arts. This year, the selection committee of Media Campus has compiled six film programmes: ›Passion of Mind‹ is dedicated to the labyrinth of the human mind and the danger of losing oneself in it. ›Space-Time Anomalies‹ touches upon the acoustic and optical area of conflict between meditation and stimulus satiation. In ›Constructed Nature‹ typical human behaviour patterns are pointedly illustrated in an unusual way. ›Minds Gone Astray‹ centres on the power of fantasy, whether as a life principle or a mental pillar. ›Family Affairs‹ explores the theme of the bright and dark sides of family communication. ›Mosaic‹, on the other hand, combines films on a variety of topics into a potpourri of everyday matters and the absurd. In addition, in two workshops participants are invited to become artistically active: under the direction of the media artist Joanna Schulte, participants in the ›TRASH UP‹ workshop will produce a mini music film clip. In the ›Out of the black box!‹ workshop by Erik Schmelz, on the other hand, corresponding media will be brought together to create a multimedia installation. We look forward to an exciting, entertaining programme The Media Campus Team

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM MOSAIK / MOSAIC

UNTITLED #44

DIRK & THOMAS 1-17 & 20

MUM’S LUNCH

Stefan Riebel

Henning Basler

Eva Münnich

In seiner werbespotartigen Kürze informiert der Film das Publikum, dass er all jenen Dingen gewidmet ist, die an seiner Stelle hätten gezeigt oder sich hätten ereignen können. Damit stellt er dem Publikum einen Möglichkeitsraum zur Verfügung, der durch die individuellen Vorstellungen der Betrachter gefüllt werden kann. This text-based animation tells the audience that it is dedicated to all those things that could have been shown or that could have occurred instead. The movie therefore offers a space of possibilities that can be used and filled by the audience’s imagination.

Dirk & Thomas 1-17 & 20 ist eine Zusammenstellung von kurzen Clips, in denen die beiden Protagonisten auf mannigfache Weise immer wieder anders interagieren. Der daraus resultierende Spannungsmoment erzeugt eine gewisse Komik. In einer Bierlaune von Andreas Heiser und Henning Basler erdacht, hat es die Serie auf 20 Folgen und für eine Weile auf die Startseite von youtube geschafft. Folge 18 und 19 kamen in der Zwischenzeit bei einem Einbruch abhanden. Gezeigt wurden die Filme unter anderem auf dem Noorderzon und dem Klik! Amsterdam Animation Festival. Dirk & Thomas 1-17 & 20 is a compilation of short clips in which the two protagonists are interacting in different ways. The resulting moment of suspense provides some sort of comic effect. Created by Andreas Heiser and Henning Basler while drinking beer in a mood of relaxation, the series has been completed to a sequence of 20 episodes even to appear on the front page of youtube. Episodes 18 and 19 have meanwhile disappeared due to a burglary. Among other screenings, the films were presented at Noorderzon and the Klik! Amsterdam Animation Festival.

Wie wurden all die großen Affen groß und stark? Ein kleiner Film über eine mögliche Antwort auf diese Frage. How do big bad apes grow big and bad? A small film about a possible answer to this question.

Stefan Riebel, * 1982 in Halle/ Saale, Germany. Studied at the Finnish University of Fine Arts in Helsinki, majoring in Sculpture. Diplom at the Academy of Visual Arts in Leipzig in 2010. ÆD 2009, Video, 1:00 ÆRealisation: Stefan Riebel ÆDistribution: Stefan Riebel

Henning Basler, *1982 in Haselünne, Germany. Studied Communication Design in Minerva, Groningen from 2003-2007. Freelance illustrator and animator since 2007. ÆNL/D 2006-2009, Video, 3:29 ÆConcept: Henning Basler, Andreas Heiser ÆRealisation: Henning Basler ÆDistribution: Henning Basler

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Eva Münnich, *1982. Has been studying film science at the Hfg Offenbach since 2004. ÆD 2008, Video, 1:10 ÆRealisation: Eva Münnich ÆDistribution: Eva Münnich

MIRACLES

SYNCHRONIZATION

CHANCES

Dorian Gaudin

Josh Willard, Daryl Spong

Lindsay Denniberg

Miracles ist ein Versuch, das Göttliche zu einer Kunstfertigkeit zu machen. Eine Kettenreaktion, in deren Verlauf physisch unmögliche Ereignisse aufeinander folgen, während sie gleichzeitig ihre Funktionsweise preisgeben. Dorian Gaudin zieht es vor, diese Kunstgriffe deutlich zu machen, um den Zuschauer dazu einzuladen, sich auf diese Aktion geistig einzustellen bevor die Wunder im Film tatsächlich geschehen. Miracles is an attempt to cristalise the divine into an artifice. A chain reaction in which physically impossible events succeed each other while simultaneously revealing their modality of function. Dorian Gaudin chooses to make these tricks obviously present in order to invite the viewer to mentally anticipate the action before the miracles happen in the film.

Synchronization ist ein Mash-up Video, das die Komplexität linearer Zeit in urbanem Raum untersucht. Das Video wurde dreimal auf dem Dundas Square in Toronto gedreht und dann in eine multi-screen Collage eingefügt. Die Arbeit befasst sich mit Ton, Bewegung und Raum und gibt der Zeit eine fast körperliche Gestalt. Synchronization is a mash-up video that explores the complexity of linear time in an urban space. The video was shot three times at Dundas Square in Toronto, and then placed into a multi-screen collage. The work examines sound, movement and space and formalizes time into something almost physical.

Gefilmt in einem Land aus Glitzer und Ausgespucktem, dokumentiert CHANCES! die Reise zweier Triscults, die einfach nur herumhängen. Dabei werden sie von ihrem bösen Tanzlehrer Herrn Transylvania gestört; die Triscults schwören Rache, treffen neue Freunde und werden von Franks Kraft überwältigt. Das Projekt CHANCES! dauerte ein Jahr und wurde 2009 von einer Gruppe von Freunden ins Leben gerufen, die sich auf ihrer Suche nach Magie der Filmkunst bedienten! Filmed in lands made of glitter and spit-up, CHANCES! documents the journey of two Triscults just hanging out. Disrupted by their evil dance instructor Mr. Transylvania; Triscults seek revenge, meet new friends and overcome with the power of Frank. CHANCES! was a year-long project created in 2009 by a group of friends seeking magic through the use of film!

Dorian Gaudin, *1986 in Paris, France. Has been studying Animation at the Ecole nationale supérieure des arts décoratifs in Paris and is now in Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains in Tourcoing, France. ÆF 2009, Video, 8:00 ÆRealisation: Dorian Gaudin ÆCamera: Xavier Ehrestermann ÆMusic: Florian Billon ÆDistribution: Jean-Louis Padis

Josh Willard, a 4th year Communication Studies & Multimedia student at McMaster University in Hamilton, Ontario, Canada. Daryl Spong, a 4th year Communication Studies & Multimedia student at McMaster University in Hamilton, Ontario, Canada. ÆCDN 2009, Video, 4:34 ÆRealisation, actor: Josh Willard ÆCamera: Daniel Esposto ÆMusic: Daryl Spong ÆDistribution: Josh Willard

Lindsay Denniberg, *29 July 1984 in Miramar, Florida. Studied Film BFA and Palm Reading at the University of Central Florida from 2005-2009. ÆUSA 2009, Video, 16:00 ÆRealisation: Lindsay Denniberg ÆActors: Jill Shea, Brittany Morris, Chris Shields, John Scarboro, Frank Traynor, Uncle Lou ÆCamera: Marco Cordero, Nick Briz, Lindsay Denniberg, Chris Shields ÆDistribution: Lindsay Denniberg

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM MOSAIK / MOSAIC

KLEINE BRÖTCHEN

DESTROYING SULUKULE

SIDE BY SIDE

Marcus Zilz

Zafer Topaloglu

Nassiem Valamanesh

Eine Gesprächsrunde. Wer kennt sie nicht, die Situationen, in denen wir uns offenbaren müssen, doch viel lieber hinter einer glitzernden Wolke der Unkenntlichkeit verbergen würden? Auch in der Welt des Zeichentricks kämpfen die Leute mit sich und mit dem, was sie von ihren Eltern mit auf den Weg bekommen haben. Eine Momentaufnahme. A roundtable. We all know this kind of uneasy situation where we have to show ourselves, although we would much rather hide behind a glittering cloud of unrecognisability… Cartoon characters also have to deal with themselves and what their parents have instilled in them. A snapshot.

Das Video untersucht den Übergang von der Ordnung zur Unordnung in den einzelnen Menschenleben, indem es durch physische Kraft eine Zerstörung in deren sozialem Umfeld hervorruft und somit indirekt in deren Privatsphäre eindringt, und sie praktisch zwingt, Zeuge dieser schockierenden Zerstörung zu sein. The video explores the transition between order and disorder in individuals’ lives via intervention in individuals’ privacy indirectly by physically creating social destruction around them and forcing them to witness to this shocking destruction.

Vertraute und doch befremdlich erscheinende Landschaften animieren uns über die Befreiung nachzudenken, die durch die Zugabe von Banalem zur Schönheit des Absurden entsteht. Fische fliegen. Ein Haus geht auf Reisen. Papierboote setzen ihre Segel. Ein Junge und ein Mädchen schauen, Seite an Seite, gemeinsam, und doch allein. Bei dieser Arbeit wurden sowohl digitale Fotografie als auch Video und Animation verwendet. Die Dreharbeiten fanden in Melbourne, Australien, statt. Landscapes familiar yet strange incite us to consider the liberation that comes from infusing the banal with the beauty of the absurd. Fish fly. A house travels. Paper boats set sail. A boy and a girl watch, side by side, together yet alone. This work mixes digital photography, video and animation. It was filmed on location in Melbourne, Australia.

Marcus Zilz, *1982 in Cologne. Worked as a stage actor, sound designer and musician before enrolling at the Academy of Arts Cologne in 2007. ÆD 2009, Digibeta, 4:26 ÆRelisation: Marcus Zilz ÆAnimators: Katharina Huber, Simon Steinhorst, Nicole Wegner, Marcus Zilz ÆMusic: Andreas Koecher, Marcus Zilz ÆSounddesign, voices: Marcus Zilz ÆMentoring: Raimund Krumme ÆProduction: KHM ÆDistribution: Kurzfilmagentur Hamburg

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Zafer Topaloglu, * 1978 in Sakarya, Turkey. Holds a bachelor in Film-TV from Istanbul Bilgi University. He lives in Rotterdam and studies Lens-Based Digital Media at Piet Zwart Institute. ÆNL, 2009, Video, 0:40 ÆRealisation: Zafer Topaloglu ÆDistribution: Zafer Topaloglu

Nassiem Valamanesh, * 1978 in Adelaide, Australia. Graduated from the Victorian College of the Arts Film and Television School in Melbourne. ÆAUS 2009, Video, 10:00 ÆRealisation: Nassiem Valamanesh ÆActors: Simon Barry, Kristina Brew ÆDistribution: Paco Pictures, Selena Tan

TROY VON BALTHAZAR: CATT ALRIGHT (COS NOTHING IS ALRIGHT) Adrian Schmidt & Jonathan Kromer

daniel R mueller

Bei der Entstehung von CATT wurde sich mit dem Höhengleichnis bzw. der ›Heldenreise‹, auf welcher sämtliche Populärmythen basieren, auseinandergesetzt. CATT handelt von einem Mann, welcher in einem kahlen Raum sitzt, vor einem Puppenspielautomaten, welcher ihn eine verflossene Liebe wiedererleben lässt – immer und immer wieder. Er hat bereits eine Art Suchtverhältnis zu diesem Automaten aufgebaut und völlig vergessen, dass noch ein Leben jenseits des Raumes existiert... Bis etwas unerwartetes geschieht... The idea of CATT was to base the story on the monomyth, better known as the hero’s journey. It tells of a lonely man who finds himself trapped in an uncomfortable, empty room watching the action of a puppet machine. The action mirrors a love he lost long ago, which he is able to relive again and again – until he completely forgets about the real world outside. Until something unexpected happens...

Über 30 000 Fotos Footage wurden über das Nachtleben von Subkulturen in verschiedenen europäischen Städten angefertigt. Der rein dokumentarische Charakter der Fotos soll eine vom Künstler seit langem in Musikvideos vermisste Authentizität schaffen. Die verwendete StopMotion Technik ermöglicht eine präzise Synchronisierung von Musik- und Montageryhthmik. Die Technik imitiert auch die Wahrnehmung beim nächtlichen Feiern. Der Einfluss von Alkohol und Drogen, die optischen Eindrücke durch z.B. Strobo Licht und das Einwirken einer Unmenge an verschiedenen Reizen soll durch die Montagetechnik nachempfunden werden. Die hohe Geschwindigkeit der Montage, die die Aufnahme aller Elemente so gut wie unmöglich macht, spiegelt diese Situation wieder. Das Ergebnis – visual rock’n’roll. More than 30,000 pictures were taken in the nightlife of subcultures in various European cities. The pure documentary style of the photos aims to achieve an authenticity, which often lacks in music videos. The stop motion method used makes possible the precise synchronization of the music and editing rhythm. The execution also imitates the perception of the nightlife. The influence of alcohol and drugs, the visual impressions of flashing lights and the impact of all kinds of different amenities is felt by the editing. This is reflected by the fast editing which makes it impossible to perceive everything. The result – visual rock’n’roll.

Adrian Schmidt, * 1987 in Nürnberg, Germany. Has been studying Design at the GSOHochschule NBG, majoring in Graphic and Film. Jonathan Kromer. Has been studying Design at the GSO-Hochschule NBG, majoring in Film and Photography. ÆD, 2009, Video, 3:20 ÆRealisation: Adrian Schmidt, Jonathan Kromer ÆActors: Stephan Menzel-Gehrke ÆDistribution: Myriam Pitschak

daniel R mueller, *1983 in Rosenheim Germany. Studied Media Design at the Media Design Hochschule München. He has been reading for his Master Degree in Design and Communication Strategies at the HS Augsburg since 2009. ÆD 2009, full HD, 4:12 ÆRealisation: daniel R mueller ÆMusic: chromatic BLaCK ÆDistribution: daniel R Mueller

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM PASSION OF MIND WHO LIVES IN MY HEAD?

STIMME DER LÜCKE

JUKKA

Margarida Paiva

Sunjha Kim

Emmanuel Trousse

Ein experimentelles Video, das mit Wiederholungen den Zusammenhang von Wahnsinn und den Sinn von Angst erforscht. Es untersucht in bestimmten Filmszenen die Rolle einer rebellierenden und kranken Frau. An experimental video which, with the use of repetition, explores the compulsions of madness and the sense of fear. Vaguely inspired in the fictional character of the madwoman in the attic, the video looks into the role of the rebellious and insane woman in certain film representations.

Während die blauen Bilder im verschlossenen Raum umherkreisen, dringen die verschobenen Töne des Tür-Klingelns, des Handys und der Uhr in die Lücke ein, die sich zwischen Raum und Zeit befindet. Licht und Sound wechseln sich ab, und verschmelzen letztendlich miteinander in der Lücke. While the blue images circulate in the closed room, the displaced sounds of the doorbell, the mobile phone and the clock enter the gap between space and time. Light and sound alternate, and finally merge into one another in the gap.

Jukka ist ein Labyrinth, eine Reise in einen menschlichen Zustand, betrachtet durch das Auge eines Fotografen oder vielleicht auch nur eines Voyeurs, der sowohl Herr als auch Sklave seiner Erinnerungen an vergangene Zeiten, an die Gegenwart und die Zukunft ist. Durch eine Reihe kurzer Charakterskizzen, stolpert der Zuschauer quasi in den Entstehungsprozess seines eigenen Kunstwerks. Jukka is a labyrinth, a journey into the human condition seen through the eyes of a photographer or perhaps just a voyeur, both a director and a slave to his memory of the past, the present, and the future. With a series of vignettes, the spectator somehow stumbles into the making process of his own piece of art.

Margarida Paiva, *1975 in Coimbra, Portugal. Degree in plastic arts and sculpture at the Faculty of Fine Arts at the University of Porto in 2000. Erasmus grant at the Trondheim Academy of Fine Arts in Norway. Master of Fine Arts the Oslo Academy of Fine Arts in 2007. ÆN 2009, Video, 4:00 ÆDirector, script, photography, editing Margarida Paiva ÆCast Merete Nordahl ÆDistribution Margarida Paiva

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Sunjha Kim, * 15 June 1983 in Seoul, South Korea. Studied Visual Design and Philosophy at Seoul National University. Has been studying Media Arts at the Academy of Media Arts in Cologne. ÆD 2009, 16mm, 06:06 ÆRealisation: Sunjha Kim ÆActors: Sion Jeong ÆCamera: Gustav Hungar ÆDistribution: Sunjha Kim

Emmanuel Trousse, *Monaco 1984. After studying Fine Art and Photography in France and Spain, he attended a one-year filmmaking course at the New York Film Academy in 2006/2007. Berlinale Talent Campus Alumni 2010. ÆMCO 2009, DVD, 12:00 ÆRealisation: Emmanuel Trousse ÆActors: Jeremiah Maestas ÆEditor: Sasa Jokic ÆMusic: Sacha Vanony ÆDistribution: Emmanuel Trousse

EVEN LOSING YOU

WINDSCHIEF

FERMENT

Daniela Risch

Maximilian Leo

Ioann Maria

Ein persönlicher Film zum Gedicht ›One Art‹ von Elizabeth Bishop. A very personal film based on the poem ›One Art‹ by Elizabeth Bishop.

Der Weg aus dem Wahn – ein Hirngespinst als letzte Rettung. Simon Merten, ein schizophrener Grundwasserwissenschaftler, hat seinen Verstand zwischen den emotionalen Widersprüchen seines Lebens verloren. Seine letzte Rettung ist der neunjährige Jonathan, der nur in seinem Kopf existiert. Der Junge macht sich auf die Suche nach seinem Alter Ego und erschafft dabei ein Netz aus Erinnerungen und Stimmen, die sich in Fäden und scheinbaren Widersprüchen immer mehr ineinander verwickeln, bis sie schließlich auch Jonathan zu erdrücken drohen... The path out of delusion – a phantom as the last resort. Simon Merten, a schizophrenic ground water scientist, has lost his mind over the emotional contradictions of his life. His last resort is nine-year-old Jonathan, who exists only in his mind. The boy begins to look for his alter ego and creates a web of memories and voices. Fueled by the inner turmoil of Simon’s mind, the web creates its own dynamics and threatens to crush Jonathan...

Surrealistische Reise in die deliriöse Dunkelheit einer menschlichen Psyche. Eine Verbindung zwischen zwei Charakteren, deren Leidenschaft innerlich verflochten ist, erreicht den Punkt des realen Wechselspiels innerhalb ihrer sexuellen Vorstellung, die sich am Rande der Perversion bewegt. Es handelt sich hier um den ersten Kurzfilm der Multimedia-Künstlerin Ioann Maria, in dem sie mit den Inhalten experimentiert, die sie bereits zuvor in ihren zahlreichen Live-Videoperformances vorgestellt hat. Surreal ride into delirious darkness of a human's mind. A junction between the two characters, whose passion interlaces internally, meets the point of the real interaction within their sexual imagination on the border of perversion. This is a debut short film by multimedia artist Ioann Maria, in which she experiments with the content previously pictured in her numerous live video performances.

Maximilian Leo, *1979. Freelancer as editor and cutter from 2003 to 2008. He studied Film/Directing at the Academy of Media Arts in Cologne, Germany from 2005 to 2009. He was awarded his Diplom in 2009. Formed augenschein filmproduktion in 2008.

Ioann Maria, *1985 in Poland. Has been studying Game Design and Graphics at the Game Development -Gotland University Visby, Sweden since 2008.

Daniela Risch, *1969 in Dahme/Brandenburg, Germany. Has been studying Media Arts as a postgraduate at the KHM Cologne since 2007. ÆD 2009, DVD, 04:20 ÆRealisation: Daniela Risch ÆMusic: Thomas Buts ÆSpeaker: Matthew McGrath ÆDistribution: KHM

ÆD 2009, MiniDV, 20:04 min ÆRealisation: Maximilian Leo ÆActors: Tilman Fromelt, Vincent Mix ÆDistribution: Maximilian Leo

ÆPL/S 2009, Video, 1:26 ÆRealisation: Ioann Maria ÆMusic: Marco Donnarumma ÆDistribution: Ioann Maria

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM PASSION OF MIND

INSIDE OUT

BASED ON A TRUE STORY

Sarah Mock

Yaschar Scheyda

Ein Bild der inneren Welt, als würde man in einem Traum filmen können. Handlungsort ist ein Modell der Heimatstadt der Künstlerin, und, weiter im Inneren, ein Haus. Dort passieren innere Vorgänge, denen man zusehen kann. Baden in schwarzem Wasser, ein ewiges Bad, da das Wasser immer wieder steigt und sinkt, aber nie ablaufen wird. Im Keller liegt ein seltsames Ding. Es ist ein Teil des Körpers, der sich losgelöst und selbstständig gemacht hat. Dann ein Papp-Raum, eine Erweiterung der seltsamen Stimmung, die im äußeren Inneren herrscht. Draußen hat sich währenddessen eine klaustrophobische Situation entwickelt… The inner world becomes visible, as if it was possible to record a dream. The film is set in a model of the artist's hometown, and, further inside, in a house. There, inner processes occur that can be observed. Someone is taking a bath in black water, an endless bath because the water increases and decreases again and again, but never lapses. In a cellar lies a weird thing. Part of a body has become detached and autonomous. Then a room made of pasteboard, an extension of the strange mood that dominates the outer inside. Meanwhile, a claustrophobic situation is developing outside …

Iran 1981 – im Ausnahmezustand nach der Revolution. Das islamische Regime übt eine Schreckensherrschaft aus und treibt dabei zielsicher und gewaltsam das Land in die geistige Stagnation. Während der Krieg mit dem benachbarten Irak die Aufmerksamkeit der ganzen Welt auf sich zieht, bestimmen im Landesinneren Masseninhaftierungen, Folter und Hinrichtungen Andersdenkender den Alltag. Zwei politischen Häftlingen, deren Traum von Freiheit an den hohen Gefängnismauern geplatzt ist, scheint die Flucht durch ein unterirdisches Tunnelsystem zu gelingen. Es beginnt eine unglaublich kurze Reise, fernab von der Alltagsrealität, in einem undefinierbaren Raum zwischen Hoffnung und Verlust. Iran 1981 – in a state of emergency after the revolution. The Islamic regime exercises a reign of terror, thereby violently driving the country to stagnation. World attention is focused on the war with neighbouring Iraq, whilst mass arrests, torture and executions of dissidents define everyday life in Iran's interior.Two political prisoners, whose dreams of freedom have been shattered by high prison walls, seem to have succeeded in escaping through an underground tunnel system. A very short trip begins, far from everyday reality in an indefinable space between hope and sacrifice.

Sarah Mock, *1984 in Worms, Germany. Has been studying Video/New Media Art at the Akademie für Bilde Künste/ Mainz since 2005. ÆD 2009, DVD, 16:00 ÆRealisation: Sarah Mock ÆActors: Sarah Mock ÆDistribution: Sarah Mock

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Yaschar Scheyda, *1984 in Mashad, Iran. Has been studying Film/Media at the HfG Offenbach/Main since 2007. ÆD 2009, DVD, 02:15 ÆRealisation: Yaschar Scheyda ÆActors: Ali Kamrani, Iman Sadati ÆCamera: Ivan Robles Mendoza ÆDistribution: Yaschar Scheyda

MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM FAMILY AFFAIRS

AM SONNENBERG

CATAFALQUE

O.T. FÜR FOKKO

Kristin Franke

Christoph Rainer

Arne Enno Strackholder

Elke und Bernd, beide Mitte 40, sind seit 20 Jahren zusammen. Sie haben verlernt, was es heißt zu reden, zu leben und zu lieben. In ihrer Routine gefangen, der Ignoranz ergeben, demütigen sie sich gegenseitig um sich selbst noch spüren zu können. Olga, eine jüngere Nachbarin tritt unvermittelt in ihr Leben und treibt sie zum Äußersten. Elke and Bernd, both in their 40s, have been together for 20 years. They've forgotten how it feels to talk, live and love. In this routine they humiliate each other, wanting to be able to feel alive again. Olga, a young neighbour, suddenly enters their life and drives them to extremes…

Zwei Brüder eingeschlossen in der Schwärze des Kellers. Der Vater bleibt eine anonyme Bedrohung aus dem Off. Verkrampft versuchen die beiden Buben den Tathergang zu rekonstruieren; dabei verschwimmen die Grenzen zwischen Traum und Realität, Licht und Schatten, Leben und Tod. Two brothers locked in the blackness of the basement. The father remains an anonymous threat offscreen. The two boys try desperately to reconstruct the course of events; in doing so, the boundaries between dream and reality, light and shadow, life and death become blurred.

Was passiert, wenn man die dem Film zugrunde liegende Technik, die Bewegung durch Erinnerung, umkehrt? Wie funktioniert Familiengeschichtsschreibung? Stimmt es, dass ich Fokko sehr ähnlich bin? Stimmt es, dass ich wenig über ihn weiß? Ein Film über die Konstruktion von Erinnerung. What happens if one reverses the basic technique of film-making, pretending to achieve movement through memory? How does family historiography work? Is it true that I resemble Fokko? Is it true that I don’t know much about him? A film about the construction of memory.

Kristin Franke, *1981 in Leipzig, Germany. Has been studying Feature Film Directing at Baden-Württemberg Film Academy since 2007. ÆD 2009, B/W, Beta SP, 18:00 ÆDirector: Kristin Franke ÆActors: Elisabeth Findeis, Georg Prang, Beate Malkus ÆDoP: Lucia Hofer ÆProducer: Leonid Godik ÆProduction and Distribution: Filmakademie BadenWürttemberg

Christoph Rainer, *1985 in Klosterneuburg, Austria. Has been studying Section Directing at Vienna Film Academy since 2006. ÆA 2010, 35mm, 12:00 ÆRealisation: Christoph Rainer ÆActors: Vito Baumüller, Sam Baumüller, Milie Baumüller, Thomas Mraz ÆCinematography: Felix Striegel ÆEditing: Fabian Rüdisser ÆMusic: Robert Rich, David Furrer ÆProduction: Diego Breit Lira ÆSound: Hannes Plattmeier ÆWritten and Directed by: Christoph Rainer ÆDistribution: Christoph Rainer

Arne Enno Strackholder, * 1980 in Celle/ Lower Saxony. He has been studying Fine Art at the HBK Braunschweig since 2003. He is a member of the Filmklasse and Meisterschüler of Professor Michael Brynntrup. ÆD/A/CH 2009, HDV, 40:00 ÆRealisation: Arne Enno Strackholder ÆActors: Hannah Georgi, Meike Kirscht, Irene Strackholder, Magdalena Wörle u. a. ÆCamera: Arne Strackholder, Hannah Georgi ÆDistribution: Arne Enno Strackholder

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM CONSTRUCTED NATURE

MAKE-DOWN

WORDS

03/28/2009

Maurice Hübner

Laura Schäffer

Philipp Czogalla

Im Unterbewusstsein schlummern in uns verschiedene Identitäten, Ängste, Träume und Abgründe. In ›Make-Down‹ arbeiten sich diese Facetten aus dem Inneren an die Oberfläche und werden als animierte Visionen auf dem Gesicht einer Frau abgebildet. Many different identities, fears, dreams and abysms lie in our subconscious. In ›Make-Down‹ these facets find their way from the inner to the surface and come to life as vivid animated visions on the face of a woman.

‚words’ ist eine experimentelle Körperstudie, die durch Dekonstruktion, Isolation und Fragmentierung eine neue Perspektive auf den Körper eröffnet. Durch mentale Montage wird die Rekonstruktion einer neuen Bewegungssprache möglich, die vom rhythmischen Klang ihrer Umgebung, ihres Atems, ihres Körpers gezeichnet wird. Im Detail oder Kontext werden Strukturen in der Komplexität der Zeichen sichtbar, die ein je eigenes Körperbild entwerfen und so dem Körper seine Beweglichkeit zurückgeben. By deconstruction, isolation and fragmentation of its parts, ›words’ uncages a body freed from all common images. Mental editing makes the reconstruction of a new body language possible, which is drafted by the sound of its environment, its breathing, its rhythm. Free from all prior perception, it is given a meaning by structures in the complexity of signs. In detail or context.

03/28/2009 zeigt vier Minuten eines Tages aus zwei sehr unterschiedlichen Perspektiven. Zwei Tauben, die sich an einen Ast klammern, werden zur Hintergrundfläche, als sich aktuelle Börsendaten durch das Bild schieben. Der Film verknüpft beide Welten in einem stillen Raum zwischen Natur und Hochfinanz, individueller Erfahrung und zahlenbasierter Zusammenfassung des politischen Zeitgeschehens. 03/28/2009 shows four minutes of a day from two very different perspectives. Two doves latching onto a branch are contrasted to overlaid stock market data. The film questions the relationship of both worlds by creating a silent space between nature and high finance, individual experience and numerical summary of the global state of affairs.

Maurice Hübner, *1986 in Freiburg i. Br., Germany. Has been studying Feature Film at the Film Academy Baden-Württemberg since 2008. ÆD 2009, DVD, 03:42 ÆRealisation: Maurice Hübner ÆScreenplay, actress: Kerstin Laudascher ÆCinematography, editing: Christina Heeck ÆSound-Design: Maik Oehme, John Gürtler ÆProduction / Distribution: Filmakademie BadenWürttemberg © 2009 ÆDistribution: Filmakademie Baden-Württemberg

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Laura Schäffer, *1987 in Berlin, Germany. Has been studying New Media and Film at the University of Hildesheim since 2007. ÆD 2009, HDV, 01:51 ÆRealisation: Laura Schäffer ÆActor: Laura Heid ÆDistribution: Laura Schäffer

Philipp Czogalla, *1986 in Coesfeld, Germany. Has been studying Media Culture at the University of Paderborn since 2005. ÆD 2009, DVD, 04:00 ÆRealisation: Philipp Czogalla ÆDistribution: Philipp Czogalla

MY BABY

LITTLE JOHNNY DISCOVERS

DOORS

Moyi Zhang

Benjamin Wilson

Or First

Ein Geist aus einer virtuellen Welt wird in Gestalt eines Babys geboren und erscheint dann in der Realität. Aus der Perspektive eines unschuldigen Babys, beobachtet er das Leben der anderen Leute. Sein Verhalten ist das eines menschlichen Wesens, was ihn befähigt, das Leben zu verstehen. Sein fleischloser Körper hindert ihn jedoch daran, mit seiner Umgebung wirklich eins zu werden. Die große Welt verwirrt ihn genauso, wie sie alle Babys verwirrt, die den Erfahrungen des Lebens gegenüberstehen. A spirit from a virtual world was born in the shape of a baby and then turned into reality. He observes people’s lives from his innocent perspective. His behavior is like that of a human so he can understand life. But his fleshless body prevents him from truly becoming involved with his surroundings. His confusion about the world is the same as the confusions of every baby facing life experience.

Little Johnny Discovers untersucht die Entstehung sexueller Identität mit Hilfe von gefundenem Filmmaterial, darunter Filme über Sexualerziehung sowie wissenschaftliche Filme über den menschlichen Körper. Wilson manipuliert Bild und Ton des Originalmaterials, um entweder eine tiefere oder manchmal auch eine komische Bedeutung zu schaffen. Little Johnny Discovers is an exploration of the formation of sexual identity using found footage, including sexual education films and scientific films about the body. Wilson manipulates the image and sound of the original footage in order to create profound, and, at times, comedic meanings.

Eine Person, die sich im Koma befindet, hat eine außerkörperliche Erfahrung. Sie erreicht eine neue Welt und versucht, ihre eigene Position und Bedeutung darin zu finden. Im Laufe des Films wird der Person klar, dass sie selbst die Hauptkraft hinter alldem ist und sie einen Weg finden muss, um wieder aufzuwachen und in die reale Welt zurückzukehren. ›Doors‹ enthält Cutout-Animationen, AfterEffects-Animation und Videoloops. Bei der Musik handelt es sich um die Original Filmmusik. A person in a coma has an outerbody-experience. He arrives in a new world, and he tries to find his own position and meaning in it. As the movie progresses, he realizes that he is the main force behind it all, and he needs to find a way to wake up and get back to the real world. ›Doors‹ contains cut-out animation, after-effects animation and video loops. The soundtrack in the movie is original.

Moyi Zhang, graduated from the China Academy of Art in China in 2008. She is now pursuing her MFA Degree at University in New York. ÆUSA 2009, DVD, 7:10 ÆRealisation: Moyi Zhang ÆScreenplay: Moyi Zhang ÆCinematography and Editing: Moyi Zhang ÆDistribution: Moyi Zhang

Benjamin G. Wilson, *1984 in Carbondale, Illinois (USA), is an M.F.A. candidate in Media Arts at Southern Illinois University Carbondale, where he has been studying since 2007. ÆUSA 2009, DVD, 4:50 ÆRealisation: Benjamin G. Wilson ÆScreenplay: Benjamin G. Wilson ÆCinematography and Editing: Benjamin G. Wilson ÆDistribution: Benjamin Wilson

Or First, *1984, Tel Aviv, Israel. He has been studying Animation and New Media at the ›Minshar for Arts‹ in Tel Aviv for the last 5 years. ÆIL 2009, DVD, 5:00 ÆRealisation, screenplay, cinematography, editing: Or First ÆDistribution: Or First

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM CONSTRUCTED NATURE

DEAD SEEQUENCES

AMOURETTE

LUMIÈRE

Fabio Scachioli

Maja Gehrig

Benno Verschueren, Lukas Woegerer

Ein Video, das aus 3770 Bildern zusammengestellt wurde. Schaut man von Bildausschnitt zu Bildausschnitt, so finden wir, dass innerhalb eines einzelnen Bildes nichts passiert, sondern alles eher zwischen den Einzelbildern stattfindet, in der unsichtbaren Lücke, die das eine Bild von dem anderen trennt. Der Film existiert, aber es gibt nicht wirklich etwas zu sehen – das Wesentliche bleibt unsichtbar und unklar. Es gibt keine Wahrheit zu entdecken. Die Wahrheit ist immer anderswo. A video made up of 3770 frames. Working frame by frame, we find that nothing happens inside each single image, but everything passes between the frames, in the invisible gap that separates one frame from any other. The film is here, but there isn't anything to see, the most important aspects remain invisible and uncertain. There is no truth to discover. The truth is always elsewhere.

Zwei Holzpuppen liefern sich auf einem Schleifpapier eine heiße Nummer. Durch konstanten Wechsel der Stellungen schleifen sie sich dabei am Boden gegenseitig immer mehr ab. Die Stimmung schwankt zwischen Ringkampf und Liebesspiel. Der Akt wird zum Rennen gegen die Schleifmaschine Zeit. Two wooden dolls are having sex on sandpaper. By constantly changing positions, they sand themselves down by rubbing the floor. The mood varies between wrestling and amorous play. Finally, the love act turns into a race against time.

Ein abstraktes Bühnenspiel bei welchem die Einheit der Zeit, die Einheit der Handlung und die Einheit des Ortes die klassische Dramaturgie behandelt. Liebe, Eifersucht und der Tod erwecken drei Lampen zum Leben und setzen deren Dreiecksbeziehung aus einem interessanten Standpunkt buchstäblich in neues Licht. Eine außergewöhnliche Stopmotion-Animation deren technischer Aspekt den Zuschauer genauso in seinen Bann zieht wie die fortwährend starke Verbindung der Bilder zu Antonio Vivaldi's ›Sommer‹ aus den ›Vier Jahreszeiten‹. An abstract stage play where the unit of time, unit of action and unit of place deal with classic dramaturgy. Love, envy and death bring three lamps to life and literally present their ›ménage à trois’ from an interesting position in a new light. An extraordinary stopmotion animation with , technical aspects that cast a spell over the audience, along with the constantly strong connection between the images and Antonio Vivaldi's ›Summer‹ from ›The Four Seasons‹

Fabio Scachioli, *1979 in Teramo, Italy. He studied Communication Science (Audiovisual Language and New Media) at the Universita Degli Studi di Perugia (Italy) and the Universidad Complutense of Madrid (Spain). His work is focused on interactions between memory, perception and thought. ÆI 2009, DVD, 4:10 ÆRealisation, screenplay, cinematography, editing: Fabio Scachioli ÆDistribution: Fabio Scachioli

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Maja Gehrig, *1978 in Zurich. She studied Media Art in Aargau from 2000 to 2002 and completed her studies in Animation at Lucerne University of Applied Sciences and Arts in 2005. ÆCH 2009, DVD, 5:20 ÆRealisation, screenplay Maja Gehring ÆCinematography and Editing: Nora de Baan, Fee Liechti ÆAnimation: Maja Gehring, Claude Luyet ÆDistribution: swiss effects

Benno Verschueren, *23 October 1981 in Linz, Austria. Now he is studying Media Technology and Design in Hagenberg, Austria. He is currently a 3D-artist trainee at Blackmountain VFX in Stuttgart, Germany. Lukas Woegerer, * 24 July 1988 in Linz, Upper Austria. After successfully completing Grammar School in Wilhering, he embarked on a degree programme in Media Technology and Design in 2007 at Upper Austria University of Applied Sciences. ÆA 2009, DVD, 6:00 ÆRealisation, direction, cinematography, editing, animation Benno Verschueren and Lukas Woegerer ÆScreenplay Benno Verschueren ÆDistribution: Benno Verschueren

Q (2ND CUT 09)

HYBRIS

PTAK (BIRD)

Eva Münnich

Florian Schnell & Martin Minsel

Gerhard Funk

Ein kurzer Film über die Unfähigkeit des Menschen die Ressourcen seines Planeten vernünftig zu nutzen. A short fiction about the human, who’s unable to use his planet’s resources sensibly.

In einer Welt voller Krüppel raubt ein Bettler dem anderen seine Beinprothese. Auf dem Weg ins Licht steigert sich seine Gier nach technischer Verbesserung ins Unermessliche, bis er sogar dazu bereit ist sich selbst zu zerfleischen. Eine schlichte Parabel, die menschlichen Fortschrittdrang und technische Revolution in einer dis-topischen Welt ad absurdum führt. Der Film besteht aus einem Stilmix irgendwo zwischen Rotoskopie, Pixilation, Realifilm, Animation und Comic. In a world of cripples, a beggar steals a prosthesis from one of his compatriots. His avarice for technical improvement grows sky high until, he is even capable of hurting himself to achieve his aim. The film is a simple parable that, reduces to absurdity the human desire for progress and technical revolution in a distopic world. It is a mixture of styles, including rotoscopy, pixilation, animation, comedy and elements of real film.

Der Held dieser Geschichte wird wie alle seine Artgenossen als eine Mischung zwischen Tier und Pflanze geboren. Er sieht zwar wie ein Vogel aus, hat aber nur ein Bein das mit einer Wurzel endet. Bei einem Unfall verliert er jedoch seine Wurzel und wird durch dieses Handicap zum ersten richtigen Vogel. Während seine Artgenossen ein ziemlich langweiliges Leben führen, genießt der Held die plötzliche Freiheit, die ihm das Fehlen seiner Wurzel plötzlich ermöglicht - er stolpert von Abenteuer zu Abenteuer. Diese Animation ist eine kleine Erzählung darüber, wo Vögel eigentlich herkommen. Like all his conspecifics, the hero of this story was originally born half-animal, halfplant. He looks like a bird, but has a root at the end of his leg. After an accident, the hero loses the root, which suddenly gives him unexpected freedom, making him the first real bird. An adventurous life begins as he stumbles from one adventure to an other. This animation is a story about where birds actually come from.

Eva Münnich, * 1982. She has been studying Visual Communication, majoring in Film, at Offenbach Academy of Art and Design since 2003. ÆD 2009, DVD, 0:56 ÆRealisation: Eva Münnich ÆActor: Daniel Frerix ÆScreenplay: Eva Münnich ÆCinematography and Editing: Eva Münnich ÆAnimation: Eva Münnich ÆDistribution: Eva Münnich

ÆD 2009, DVD, 03:15 ÆRealisation: Florian Schnell ÆDirection: Florian Schnell, Martin Minsel ÆScreenplay: Florian Schnell, Martin Minsel, Patrick Müller ÆActor: Christian Beier ÆCinematography and Editing: Florian Schnell ÆDistribution: Filmakademie Baden-Württemberg

Gerhard Funk, * 1981 in Russia. Moved to Germany in 1995. He has been studying Media Arts & Design at the Academy of Fine Arts Saar (Saarbrücken) since 2006. ÆD 2010, DVD, 6:20 ÆRealisation: Gerhard Funk ÆSound & Music: Marvin Brendel ÆDistribution: Gerhard Funk

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM RAUM-ZEIT-ANOMALIEN BRÜDER UND SCHWESTERN, EIN GEDENKEN

SYNCHRONISATION

TOLYGIAI TOLYDZIAI

AFFECTION REJECTION REFLECTION

Enrico Viets

Rimas Sakalauskas

Rimas Sakalauskas

Hanne Lippard

Losgelöst von gewohnten Erzählstrukturen, berichtet der Film in Form von Untertiteln von Gedanken über Gedanken. Gedacht wird der Schattenseite des kreativen Prozesses an sich, welcher als Kernpunkt thematisiert wird. Wenn Gedanken verworfen werden, was wird dann mit ihnen passieren? Sind sie dann gestorben? Detached from using normal narrative structures, the film, in the form of sub-titles, reports about thoughts about thoughts. The negative side of creative processes is remembered, which is addessed as the quintessential point. If thoughts are rejected, what will happen to them afterwards? Do they then die?

Die Hauptidee des Films besteht darin, Bilder aus Kindertagen zu zeigen. Für monumentale und suggestive Aufnahmen wählte ich bestimmte ruhigere Objekte und Plätze aus den Zeiten der Sowjetunion. Der Film entstand auf der Grundlage von Assoziationen – der Entstehung einer Überraschung, oder einfach logisch unmöglichen Bildern. The main idea behind the film was to release images from childhood. For monumental and suggestive shots I chose certain slow-pace Soviet time objects and places. The film is designed on the principle of associations – the birth of a surprise, or just logically impossible sights.

Der Film besteht aus seiner Vielzahl an einfachsten räumlichen Formen – aus Würfeln. Allmählichen spalten sie sich in kleinere Strukturen, auf eine ähnliche Art und Weise, wie es auch die Geräusche tun. Dieser zyklische und sich wiederholende Prozess ist ein Versuch, die Besonderheiten der Kreativität im digitalen Raum zu verdeutlichen. The film consist of a large number of the simplest spatial forms – cubes. They gradually divide into smaller structures, in a seemingly similar fashion to the noise. This cyclical and repetitive process is an attempt to reveal the specifics of the creativeness in the digital space.

Dieser Film handelt von der ewigen Faszination, die ein Spiegel auf uns ausübt, von der Tatsache, dass man zweimal existieren kann, jedoch einmal lediglich als reine Fassade. Es ist eine lockere Erzählung zweier Menschen, die inmitten dieser erweiterten, dualen Welt gefangen sind, ohne sich der Existenz des Anderen bewusst zu sein. This film is based on the everlasting fascination of the mirror, the fact that you can exist twice but only one of them is purely a matter of surface. It is a loose narrative of two people who are caught in between the extension of this dual world, unaware of their dual encounters.

Enrico Viets, *1984 in Hannover, Germany. Has been studying Art and Film/Video at the HBK Braunschweig since 2007.

Rimas Sakalauskas *1985, from Lithuania. BA of Audiovisual Art from Vilnius Academy of Arts in 2009.

Rimas Sakalauskas *1985, from Lithuania. BA of Audiovisual Art from Vilnius Academy of Arts in 2009.

Hanne Lippard, *1984, UK. Studying at The Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, Holland. Graphic Design, 3rd year (Graduation)

ÆD 2009, DVD, 4:29 ÆRealisation, text, sound Enrico Viets ÆDistribution: HBK Braunschweig Filmklasse

ÆLIT 2009, DVD, 8:50 ÆRealisation: Rimas Sakalauskas, Mykolas Natalevicius ÆMusic: Mykolas Natalevicius ÆDistribution: Rimas Sakalauskas

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ÆLIT 2009, DVD, 3:20 ÆRealisation: Rimas Sakalauskas ÆMusic: Mykolas Natalevicius ÆDistribution: Rimas Sakalauskas

ÆD 2009, DVD, 5:35 ÆRealisation: Hanne Lippard ÆDistribution: Hanne Lippard

MOUNTAINWATER-PAINTING

CRUDE CARRIER

DER HERR DER LAGE

Christin Bolewski

Pascal Fendrich & Bernd Härpfer

Antshi von Moos

Das Konzept der traditionellen Chinesischen Landschaftsmalerei ›Shan-Shui-Hua‹ wird hier als moderne Videokunst interpretiert. Das Video enthält keine komplexe Erzählung, sondern versucht ein offenes und meditatives Werk zu sein. Proceeding from Chinese thought and aesthetics, the traditional concept of landscape painting ›ShanShui-Hua‹ is recreated as modern video art. The work contains no complex narration and attempts to be a meditative open artwork.

Im Hintergrund eine wolkenverhangene Skyline am Wasser. Nur ein Tanker bleibt, als ein dem Betrachter plausibel erscheinendes Objekt erhalten, während der Bildraum als Ganzes transformiert wird. Unbehelligt von den bekannten Gesetzen der Physik, zieht das Tankschiff seine Bahnen und setzt seine Reise fort in unbekannte Gefilde, die noch vor ihm liegen. In the background, an overcast skyline on the shore. Only a tanker remains as a verisimilar object for the spectator, while the view as a whole is transformed. Undisturbed by the known laws of physics, the ship continues its journey to unknown domains that lie ahead.

Ein Film über einen Herrn, der den Boden unter den Füßen wieder finden möchte. A film about a man who would like to find ground under his feet again.

Christin Bolewski, *1966 in Salzgitter, Germany. Postgraduate Studies in Film/AV at the Academy of Media Arts 1993-1995. ÆD 2009, DVD, 6:12 ÆRealisation: Christin Bolewski ÆDistribution: Christin Bolewski

Pascal Fendrich, *1972, lives and works in Cologne, Germany. 2000-2005 studied at the Academy of Media Arts Cologne with Professor Peter Zimmermann and Professor Jürgen Klauke, Diplom. Bernd Härpfer, *1967, lives and works in Cologne, Germany. 1989-2007 Musicology, Philosophy, Linguistics, University of Cologne, Master Degree

Antshi von Moos, studies Video Arts at Lucerne University of Applied Sciences and Arts. ÆCH 2009, DVD, 6:56 ÆRealisation: Antshi von Moos ÆDistribution: Hochschule Luzern, Design & Kunst

ÆD/TR 2009, Video, PAL 16:9, 6:31, stereo ÆRealisation, distribution: Pascal Fendrich, Bernd Härpfer

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM RAUM-ZEIT-ANOMALIEN A NEW ECOLOGY FOR THE CITIZEN OF A DIGITAL AGE

SKYGGEN

WIE DAS GEFÄSS LÄUFT ES AUS

Nick Briz

Hanne Lippard

Min Eui Hong

Der Film bedient sich sowohl originalem als auch wiederverwendetem/neu gemixtem Filmmaterial während seines nicht ganz ›störungsfreien‹/komprimierten, von Menschenhand beeinflussten Entstehungsprozesses. Er untersucht die Beziehung von Individuen zu der neuen Ökologie unserer digitalen Kultur; er versteht seine eigene Identität über die Aussöhnung mit der überwältigenden Geschwindigkeit des gesellschaftlichen Aufstiegs in Richtung einer technologischen Singularität. The film uses both original and appropriated/remixed footage in its glitch/compression artifacting process. It is an examination of the individual’s relation to the new ecology of our digital culture; it is understanding one’s identity through a reconciliation with the overwhelming pace of our society’s ascent towards a technological singularity.

Die Arbeit wurde auf der Basis von Ideen geschaffen, die mit Flug und fliegen zu tun haben. Anstatt nach Vögeln Ausschau zu halten, die sie ›einfangen‹ kann, schaute Hanne Lippard nach Objekten, die als imaginäre fliegende Wesen dienen können, um deren versteckte Talente mit Hilfe eines Ventilators und einer starken Lampe deutlich zu machen. The work was created according to ideas connected to flight and flying. Instead of looking for birds to capture, Hanne Lippard looked for objects, that could function as imaginary flying beings, revealing their hidden talents with the use of a fan and a strong lamp.

›Eine Bewegung inmitten die Ruhe‹. Das Video ›Wie das Gefäß läuft es aus‹ ist eine Meditationszeremonie für den Weg ins Nirvana. In diesem Stück wird die Kultur einer Region Ostasiens neu interpretiert - einerseits digital durch das Video, in das man eintaucht, und andererseits analog durch Instrumente. ›A movement between the tranquility‹. The Video ›It’s empty like the vessel‹ is a ceremony for meditation to enter into Nirvana. In this piece, the culture of Eastern Asia will be interpreted newly in digital expression through immersed media and sound.

Hanne Lippard, *13.05.84, UK. Studying at The Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, Holland. Graphic Design, 3rd year (Graduation).

Min Eui Hong was born in Seoul, South Korea. Has been studying Composition – New Media at the California Institute of the Arts in the USA. Has now been working and studying Composition and Video at the HfK Bremen since 2008.

Nick Briz, *1986 in Miami Florida (US). He is currently a first year graduate student at the School of the Art Institute of Chicago. ÆUSA 2009, DVD, 4:16 ÆRealisation: Nick Briz ÆCamera: Jon Perez ÆDistribution: Nick Briz

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ÆNL 2009, DVD, 3:15 ÆRealisation Hanne Lippard ÆMusic: Kim Hiortøy ÆDistribution: Hanne Lippard

ÆD 2009, DVD, 08:46 ÆRealisation: Min Eui Hong ÆMusic: Min Eui Hong ÆInstruments: Charlotte Kinateder (Flute), Min Eui Hong (Percussion and Video), Quan Yuan (Accordion) ÆDistribution: Min Eui Hong

KLEINGARTEN

LE CHANT DE L’ARBRE

2,5MGO

Joanna Schulte

Elsa Werth

Gerhard Funk

Aus abstrahierten, unscharf dahinfliegenden Farbflächen schälen sich Szenen eines verwilderten Gartenhauses heraus. Etwas scheint geschehen zu sein, das nicht hätte geschehen dürfen. Der Betrachter kommt zu spät. Die traumähnliche Verschwommenheit des Gesehenen stellt die Frage nach der alltäglichen Wahl, sich um möglicherweise schmerzhafte Wahrheit zu bemühen, oder Erlebtes ins Unscharfe, Märchenhafte zu verklären. Abstract and blurred images that pass by to the sound of dreamy music are added. Details of the interior of an abandoned summer house come into focus. Something that should not have happened seems to have happened . The viewer arrives too late to witness any action. The dreamlike blurriness of the film sequences poses the question whether the potentially brutal truth should be sought or whether the experiences should be transformed into unreal, creative mystification.

Das Lied des Baumes ist ein Animationsfilm, bei dem ein animistisches Thema Pate stand. Wind weht durch die Bäume des Waldes und erhellt die Natur. Mit Hilfe von Zeitraffer-Technik versucht Elsa Werth die Bewegungen der Jahreszeiten sowie die unsichtbare Anwesenheit der Tiere durch den Rhythmus der Natur umzusetzen. The song of the tree is an animation film inspired by an animist theme. Wind blows through the forest and lights up nature. Using stop motion technique, Elsa Werth tries to translate the seasons’ movement and the invisible presence of animals through nature's rhythm.

2,5mgo ist eine ›Stimmungsgeschichte‹, die von dem Zusammen-, Wechsel- und Gegenspiel des Natürlichen und des Künstlichen handelt. Der Film zeigt einen Tag in einer Stadt, gesehen mit den Augen eines Fußgängers, der gerade Musik hört und dadurch seine Umwelt intensiver erlebt. 2,5mgo ist ein Versuch, das Phantastische in alltäglichen Dingen und Vorgängen durch zeitliche Verzerrung und Musik-Synchronität der Bilder hervorzuheben und erlebbar zu machen. 2,5mgo is a story of moods that deals with the interplay between natural and artificial elements. The film shows a day seen through the eyes of a person who is walking through a city while listening to music and experiencing his surroundings more intensively. 2,5mgo is an attempt to show the fantastic side of our everyday surroundings by distorting time and synchronising the music of the images.

Joanna Schulte, *1969 in Osnabrück, Germany. Studied Art at the University of Science and Art, Hanover, 1995-2001, Masterclass of Professor Ulrich Eller. ÆD 2009, DVD, 03:39, colour ÆRealisation: Joanna Schulte ÆMusic: Joanna Schulte ÆDistribution: Joanna Schulte

Elsa Werth, *1985 in Paris, France. Studied Animation at the Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in Paris, France from 2004 to 2009. She is now working in both drawing and filmmaking. ÆF 2009, DVD, 6:39 ÆRealisation: Elsa Werth ÆMusic: Dylan Corlay ÆDistribution: Elsa Werth

Gerhard Funk, * 1981 in Russia. Has been living in Germany since 1995. Started studying Media Arts & Design at the Academy of Fine Arts Saar (Saarbrücken) in 2006. ÆD 2009, DVD, 4:18 ÆRealisation: Gerhard Funk ÆMusic: ›Apparat‹ by Sascha Ring ÆDistribution: Gerhard Funk

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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM MINDS GONE ASTRAY

CHYTTE HO!

PARADE

NACHTSCHATTEN ZWEI WELTEN

Boris Šima

Pierre-Emmanuel Lyet

Eike Mosler

Jan Haering

Mögliches Szenario während eines ganz normalen Schulausflugs in ein Museum: Aufgrund dieses Unfugs, das ihn grundlegend zu ändern droht, erlebt ein kleiner Junge unglaubliche Abenteuer. Aber allen Widrigkeiten zum Trotz lässt er sich nicht unterkriegen und bleibt sich selber treu. What might happen on an ordinary school trip to the museum: a small boy exxperiences great adventures because of this mischief, which threatens to change him gravely. But against all odds, he prevails and remains true to himself.

Der Protagonist möchte sich von seiner überbordenden Fantasie befreien, um das Herz seiner Angebeteten zu gewinnen. The leading character liberates himself from the workings of his wild imagination in order to win over the woman of his dreams.

Inmitten eines dunklen Waldes findet ein Junge ein seltsames, leuchtendes Wesen, das in einem Gebüsch verheddert ist. Nachdem er es daraus befreit hat, beginnen unerklärliche Ereignisse. Late at night in a dark forest, a child finds a strange gleaming creature tangled up in a bush. Once the child has untangled it, a mysterious adventure begins

Ein fünfjähriges Kind verliert seine zerstrittenen Eltern in einem tristen Bürogebäude und entdeckt die Welt der Erwachsenen auf seine ganz eigene Weise. In einem kindlichen Traum verwandelt sich die monotone Bürowelt in eine bunte Spielwiese voller Möglichkeiten. A five-year-old child loses his quarreling parents In a depressing office building and finds his very own way to explore the world of adults. In an infant dream, the monotonous office setting is transformed into a colourful playground full of opportunities.

Boris Šima, *1977 in Nitra, Slovakia. Graduated from the Department of Animated Film at the Academy of Music and Dramatic Arts (VSMU) in Bratislava, Slovakia in 2003. ÆSK 2008, DVD, 18:00 ÆRealisation: Boris Šima ÆAnimation: Boris Šima ÆCamera: Leevi Lehtinen ÆMusic: Stano Palúch ÆProducer: Marian Varga ÆDistribution: Protos Productions

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Pierre-Emmanuel Lyet, *1984. Graduated Animation from the Art/Mediaschool ENSAD in Paris, France in 2009. He directed his first movie Parade as a schoolfilm ÆF 2009, DVD, 8:00 ÆRealisation: Pierre-Emmanuel Lyet ÆAnimation: Jean-Yves Castillon, Pierre-Emmanuel Lyet ÆMusic: Mathieu Balanant, Christophe Grémiot ÆDistribution: Doncvoilà

Eike Mosler, *1981 in Wilhelmshaven, Germany. Studied at the Academy of Media Arts Cologne, Germany up to 2009 ÆD 2009, DVD, 4:16 ÆRealisation: Eike Mosler ÆDistribution: KHM

Jan Haering, *1978 in Hagen. Has been studying Directing at the BadenWürttemberg Film Academy in Ludwigsburg since 2008. ÆD 2009, DVD, 12:00 ÆRealisation: Jan Haering ÆCamera: Dominik Berg ÆMusic: John Gürtler ÆActors: Mareile Metzner, Christoph Schüchner, Mikesch Miethe ÆDistribution: Friedemann Goez

VIOLA: THE TRAVELING ROOMS OF A LITTLE GIANT EMBRACE

WHILE AWAKE (BEHAKITZ)

Shih-Ting Hung

Josh Tanner

Reut Pardo

Bei ihrem Versuch die Welt zu entdecken, packt die 7-jährige Viola auch die Einsamkeit in ihren Koffer und macht sich auf ihre träumerische Reise. Schon bald wird ihr klar, dass diese Reise ihre Vergangenheit, ihre Gegenwart und ihre Zukunft zu einem phantastischen Abenteuer vereinen wird, teils Wirklichkeit, teils Traum. Seven-year-old Viola, trying to discover the world, puts solitude in her suitcase and embarks on her dreamy journey. She soon discovers that her journey will unite her past, present and future into a fanciful adventure, part life and part dream.

In einer Welt, die sie vergessen hat, kämpft eine Frau mit ihrem kläglichen Dasein. Das tägliche Einerlei ist für sie unerträglich geworden und es wächst in ihr die Abhängigkeit von einem unwahrscheinlichen Retter. Gefangen in ihrem Schmerz und durch ihr Leid isoliert, ist diese Hoffnung das Einzige, das ihr noch geblieben ist. In einem Leben, das so leer erscheint, klammert sie sich an die einzige Möglichkeit um zu überleben. Living in a world that has forgotten her, a woman struggles with her miserable existence. Her daily routine has become too much to bear, instilling in her a dependency on an unlikely saviour. Confined by her pain and isolated by her suffering, it is the only thing she has left. in a life that seems so empty, she is holding on the only way she can.

WHILE AWAKE ist ein kurzer Videound Animationsfilm, der von meinem Bedürfnis handelt eine Fantasiewelt zu schaffen, die es mir ermöglicht mit dem Tod meines Onkels besser fertig zu werden. Dieser Film richtet sich an all diejenigen, die einen geliebten Menschen verloren haben, mit dem sie in einer Traumwelt wieder vereint sein möchten. WHILE AWAKE is a short video & animation film that deals with my need to create a fantasy world as a method of coping with my uncle’s death. It legitimises for all those who have ever lost someone they love and who want to be reunited with them in a dream world.

Shih-Ting Hung, *1980 in Taipei, Taiwan. Has been studying Animation/Live Action at the University of Southern California, USA. Has been widely involved in numerous film productions as a production designer since 2008. ÆUSA 2008, DVD, 8:47 ÆRealisation: Shih-Ting Hung ÆCamera: John Harrison ÆMusic: Natasha Miren ÆActors: Erin Fleming, Zev McAllister, Christina Robinson, Jean Tanner, Dani Thorne ÆDistribution: Shih-Ting Hung

Josh Tanner, *1988 in Sydney, Australia. Has been stuying Film and Television Production at the TAFE NSW – New England Institute Inverell, Australia for three years. ÆAUS 2009, Beta SP, 6:54 ÆRealisation: Josh Tanner ÆScript: Jade van der Lei ÆCamera: Simon Harding ÆActors: Belle Fitzgerald ÆDistribution: Jade van der Lei

Reut Pardo, *1982 in Afula, Israel. Studied Communication Design (New Media) at the HIT College of Design/Communication Arts in Holon, Israel up to 2009. WHILE AWAKE is her final graduation project. ÆIL 2009, DVD, 4:39 ÆRealisation: Reut Pardo ÆCamera: Shiran Valk, Yair Keisary ÆMusic: Shachar La-vi ÆActors: Amit Pinkosevich, Keren Talias ÆDistribution: Reut Pardo

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES AKADEMIE FÜR BILDENDE KÜNSTE MAINZ

OHNE TITEL Jonas Etten

Filmklasse der Akademie für Bildende Künste, Mainz. Die Akademie für Bildende Künste Mainz, einzige Kunsthochschule des Landes Rheinland-Pfalz, zählt mit ihrer Gründung im Jahr 1757 zu den traditionsreichsten im deutschsprachigen Raum; heute ist sie in die Johannes Gutenberg Universität Mainz integriert. Mit derzeit rund 250 Studierenden bietet die Kunstakademie breit gefächerte, an aktuellen künstlerischen und gestalterischen Anforderungen orientierte Qualifizierungsmöglichkeiten. Die Akademie bietet die beiden Studiengänge ›Freie Kunst‹ und ›Lehramt für Bildende Kunst an Gymnasien‹ an. Studierende beider Studiengänge studieren gemeinsam in künstlerischen Klassen. Zu den dreizehn künstlerischen Klassen der Akademie gehört die Filmklasse. Ziel des Studiums in der Filmklasse ist, die Studierenden bei der Entwicklung einer künstlerischen Position zu unterstützen, die sich in Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilmen oder in Videoinstallationen artikulieren kann. Entscheidend ist die authentische, subjektive Ausdrucksform, der innovative und experimentierfreudige Charakter. Auf der Homepage der Filmklasse sind aktuelle Informationen zum Lehrangebot sowie zu Projekten der Studierenden zu finden. Homepage der Filmklasse: www.filmklasse-mz.de, Kontakt: [email protected], Fon: 06131/3932127, Homepage der Akademie für Bildende Künste Mainz: www.afbk-mainz.de Film Class at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. The Akademie für Bildende Künste Mainz, the only art academy in the Federal State of Rhineland-Palatinate, was established in 1757, and is one of the most traditional academies in the German-speaking world; today, it is an integral part of the Johannes Gutenberg University of Mainz. The Academy of Art, which currently has around 250 students, offers a wide range of qualification opportunities oriented towards current artistic and design requirements. The Academy offers two degree programmes: ›Fine Arts‹ and ›Teacher Training for Art at Grammar Schools‹. Students from both degree programme study together in the artistic classes. One of the thirteen artistic classes at the Academy is the Film Class. The aim of the Film Class is to support students in developing their own artistic position, which may be articulated in feature films, documentaries and experimental films or in video installations. The crucial element is the authentic, subjective form of expression - the innovative and experimental character. Current information about courses offered and students' projects can be found on the Film Class homepage: www.filmklasse-mz.de, contact: [email protected], Tel.: 06131/3932127, homepage of the Akademie für Bildende Künste Mainz: www.afbk-mainz.de ÆProfessor Dr. Harald Schleicher Akademie für Bildende Künste, Johannes Gutenberg University Am Taubertsberg 6, 55099 Mainz

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Eine kleine Kiste voller Geheimnisse. A little box full of secrets. Jonas Etten, *1980 in Simmern/Hunsrück. 2001-2003 studied Interior Design at Wiesbaden University of Applied Sciences. Studied Literature and Philosophy at Johannes Gutenberg Universität, Mainz, from 2003. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007. ÆD 2009, DV, Color, 3:00 ÆExperimentalfilm ÆRealisation Jonas Etten

KALIMBA

KLÖPPEL

KASHMIR

ANA

Nils Hillebrand

Sabine Ermann

Björn Rodday

Joanna Bielinski

Die Percussionisten Joss Turnbull und Nora Thiele erzeugen mit Hilfe einer Rahmtrommel, einer Kalimba und einem Teelöffel eine Musik der besonderen Art. Percussionists Joss Turnbull and Nora Thiele create a special kind of music using a frame drum, a kalimba and a tea spoon.

›Klöppel‹ zeigt die Herstellung eines Kirchenglockenklöppels in der letzten Eisenhammerschmiede im Spessart aus der Gründungszeit im Jahre 1779. Die Arbeit der Schmiede geht Hand in Hand. Ohne dass ein Wort zuviel gesagt wird - man versteht sich ohne Worte. ›Klöppel‹ shows how the clapper of a church bell was made at the last ironheaded hammer blacksmith's shop in the Spessart from the Gründerjahre in 1779. The blacksmiths' work goes hand in hand. Without a word too many being uttered - they comprehend one another without words.

Erster Teil einer Kurzfilmreihe, in der sich Rodday mit seinen Reiseerfahrungen durch Indien und Nepal im März 2008 auseinander setzt. Es handelt sich dabei nicht um ausformulierte Betrachtungen, sondern um Impressionen, die der Autor mit der Kamera gesammelt hat und die für ihn einen roten Faden auf seiner Reise darstellten. First part in a series of short films in which Rodday deals with the experiences he had travelling through India and Nepal in March 2008. Rather than offering fully formulated contemplations, the author gives impressions he has compiled on camera and which were a recurrent theme for him on his travels.

Ana - ein Portrait. Ein junges Mädchen personifiziert ihre Magersucht. Damit kann sie ihre Essstörung (Anorexia Nervosa) besser verarbeiten. Ana - a portrait. A young girl personifies her anorexia. This way, she is able to deal better with her eating disorder (anorexia nervosa).

Nils Hillebrand, *1984 in Bielefeld. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007. ÆD 2008, DV, 3:00 ÆMusikvideo ÆRealisation Nils Hillebrand

Sabine Ermann. *1980 in Würzburg. 2001-2002 studied History of Art, Philosophy and Italian (Magister), Julius Maximilian University of Würzburg. 2002-2010 studied Teacher Training for Art at Grammar Schools (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. ÆD 2008, DV, 11:00 ÆDokumentarfilm ÆRealisation Sabine Ermann

Björn Rodday. *1977 in Buchholz i. d. N. 2000-03 studied Fine Arts (Painting) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. Studied Medicine from 2004. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Freie Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2006. ÆD 2008, DV, 5:00 ÆDokumentarfilm ÆRealisation Björn Rodday

Joana Bielinski. *1984 in Bromberg (Poland). Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2005. ÆD 2007, DV, 3:00 ÆSpielfilm ÆRealisation Joanna Bielinski ÆSound Tobias Kroha ÆMonologue Joanna Bielinski ÆActor Veronika Bielinski

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES AKADEMIE FÜR BILDENDE KÜNSTE MAINZ DER HEILAND IST GEBOREN

QUBIA

FESTIVAL II

CHRISTIANE STINKT

Christoph Otto

Saad Yaseen

Danilo Vogt

Stefanie Jaehde

Was geschah mit der Welt seit der Geburt Christi und welchen Einfluss hat der Glaube auf Menschheit? In ›Der Heiland ist geboren‹ wird die Weihnachtsgeschichte nach Matthäus vergegenwärtigt. What has been happening to the world since the Birth of Christ, and what influence does religion have on humanity? In ›Der Heiland ist geboren‹, the Nativity Story according to Matthew is visualised.

Um Asyl zu erhalten muss ein irakischer Krankenwagenfahrer seine Geschichte zu Protokoll geben. Er schildert eine Odyssee durch verschiedene Kidnapper-Organisationen, die ihn zum Opfer einer Medienschlacht werden ließ. In order to obtain asylum, an Iraqi ambulance driver must have his story recorded. He describes an odyssey through various kidnapper organisations, which made him the victim of a media battle.

Flüchtige Blicke, unscharfe Erinnerungen, hektisches Treiben – wenn die glitzernde Scheinwelt des Films jedes Jahr in Cannes zusammenkommt, passiert ein Großteil des Spektakels abseits der Blicke im kleinen Kreis der Reichen, Wichtigen und Schönen. Fleeting glances, vague memories, lively hustle and bustle – when the glittering illusory world of film comes together every year in Cannes, much of the action takes place away from the public eye, in the elite circle of the rich, the powerful and the beautiful.

Seit langem will Bartho sich von seiner Geliebten trennen. Es gelingt ihm nicht, weil eine höhere Macht es zu verhindern weiß. Doch Bartho findet einen Weg sich zu wehren. ›Christiane stinkt‹ ist eine Geschichte in einer Geschichte, die von den Auswirkungen einer Trennung handelt. Bartho has been wanting to finish with his lover for ages. He can't do it because a higher power knows how to prevent it from happening. But Bartho finds a way to defend himself. ›Christiane stinkt‹ is a play within a play that explores the impact of separation.

Danilo Vogt. *1982 in Jena. Trained to become a Digital Media Designer. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2004.

Stefanie Jaehde. *1986 in Cottbus. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2006.

Christoph Otto, *1985 in Hildburghausen, Thuringia. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007. ÆD 2008, DV, 5:00 ÆExperimentalfilm ÆRealisation Christoph Otto ÆMusic ›Godspeed you! Black Emporer‹ ÆActors Claudia Henn, Martin Budai, Thomas Burkart

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Saad A. Yaseen. *1977 in Baghdad (Iraq). Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007. ÆD 2009, XDCAM, 18:00 ÆSpielfilm ÆSkript, Direction Saad Yaseen ÆAssistant Director Murad Atshan ÆActors Rasoul al Saghir, Peter Heusch, Kareem Juma, Dyhaa Abd Alrazak ÆCamera Jürgen und Nico Herrmann ÆSound Felix Heidecke ÆEditing Melanie Dietz ÆProduction Regina Heidecke

ÆD 2008, DV, 5:00 ÆExperimentalfilm ÆRealisation Danilo Vogt ÆMusic ›Nine Inch Nails‹

ÆD 2010, AVCHD, 13:00 ÆSpielfilm ÆRealisation Stefanie Jaehde ÆCamera Sebastian Linke ÆActors Jakob Gail, Juliana Fuhrmann, Ricarda Baus ÆMusic ›Kelle und die Vatos‹

DOLCE VITA

SMOKE GETS IN YOUR EYES

JIMMY ... ADJA (BULGARIWOOD)

Michael Schwarz

Harald Schleicher

Vladimir Mladenov

Ein experimentelles Portrait von Andrea und Wolfgang, die gemeinsam einen Swingerclub betreiben. ›Alle Menschen haben Fantasien... Und ich bin der Meinung, dass die Menschen, die ihre Wünsche und Fantasien umsetzen, glücklicher sind.‹ (A. Knoblauch). An experimental portrait of Andrea and Wolfgang, who run a swinger club together. ›Everyone has fantasies... And I believe that those who put their desires and fantasies into practise are happier.‹ (A. Knoblauch).

Heutzutage wird das Rauchen stigmatisiert, aber das war nicht immer so: Lange Zeit war die Leinwand ein geradezu paradiesischer Ort für Raucher. ›Smoke Gets In Your Eyes‹ ist eine Hommage an die rauchenden Stars im Kino. Nowadays, smoking is stigmatised, but it wasn't always the case: for a long time, the silver screen was an absolute paradise for smokers. ›Smoke Gets In Your Eyes‹ is a homage to smoking stars in the movies.

›Jimmy....Adja (Bulgariwood)‹ zeigt zum 80er Jahre Disco-Sound von Bappi Lahiri eine lustige, farbintensive und hotbeat-musikalische Liebesgeschichte an der bulgarischen Schwarz MeerKüste. ›Jimmy....Adja (Bulgariwood)‹ presents a funny, colour-intensive and hotbeat musical love story on the Bulgarian Black Sea coast to the sound of 80s disco music by Bappi Lahiri.

Michael Schwarz. *1979 in Nuremberg. 2002-2007 read Film Studies and Drama at the Johannes Gutenberg Universität, Mainz. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007. ÆD 2009, DVCProHD, 13:00 ÆDokumentarfilm ÆPicture Alexander Griesser ÆProduction A. Griesser, Michael Schwarz ÆMontage Michèl Hammann ÆLighting/Sound Stefan Sick

Harald Schleicher. *1951 in Backnang/Württemberg. Professor of Film/Video at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. ÆD 2010, 9:00 ÆRealisation: Harald Schleicher ÆExperimentalfilm

Vladimir Mladenov. *1977 in Plovidv, Bulgaria. 19992001 studied at Varna University of Economics (Bulgaria). 2002-2007 studied at the University of Duisburg-Essen (Business Informatics). Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2007.

GOLD Gerald Haffke, Sebastian Linke

Impressionistisches Portrait eines Rauchkünstlers. Impressionistic portrait of a smoke artist. Gerald Haffke. *1981 in Neuwied. Has been studying Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2003. Sebastian Linke. *1974 in Mainz. 1996-2000 studied Teacher Training for Art at Grammar Schools at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. 2000-2006 studied Fine Visual Arts (Film Class) at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. 2007-2008 master scholar ÆD 2008, DV, 3:00 ÆSpielfilm ÆRealisation Gerald Haffke, Sebastian Linke ÆMusic Andreas Weis

ÆD 2010, DV, 5:00 ÆMusikvideo ÆCamera, Produktion Vladimir Mladenov ÆActor Vesselina Sarieva ÆEditing Merlin Magg

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES FACHHOCHSCHULE MAINZ

Die Lehreinheit Kommunikationsdesign der Fachhochschule Mainz (www.designinmainz.de) besteht aus einem BA Studiengang Kommunikationsdesign und dem MA Gutenberg-Intermedia. Innerhalb beider Studiengänge haben sich drei inhaltliche Schwerpunkte herausgebildet: erstens die traditionell in Mainz stark vertretene Typografie, zweitens der Bereich Werbung und drittens der Bereich der digitalen/interaktiven Gestaltung, aus dem die hier vorgestellten Projekte stammen. Sie sind in zwei interdisziplinären Kursen entstanden, bei denen die Studierenden jeweils von zwei Lehrpersonen aus unterschiedlichen Lehrgebieten betreut wurden. Es handelte sich in diesem Fall um die Kooperation der Fächer ›Konzeptionelles Gestalten‹ (Philipp Pape) und Medieninformatik (Florian Jenett). Die beiden Kurse ›Visualizing Europe‹ und ›Generative Typografie‹ zeigen exemplarisch, was an der Medieninformatik für Kommunikationsdesigner interessant ist. Zum einen ist das der Umgang mit unüberschaubaren Datenmengen und dynamischen Datenquellen. Nicht ausgehend vom Einzelfall oder Details, sondern sozusagen konzeptionell ›von oben herab‹ geht es hierbei um das Entwickeln von Systemen. Es müssen Regeln und Verhalten definiert und gestaltet werden, ohne jede einzelne Konstellation erproben zu können. Das zweite Anliegen der Kurse ist der Umgang mit spielerischen, veränderlichen Prozessen wie sie sich in den Projekten zur generativen Typografie zeigen. Diese Projekte sind weniger anwendungsorientiert, sondern erforschen die Möglichkeiten einer flexiblen gestalterischen Umgebung und deren Auswirkung über verschiedene Medien hinweg. Für die Entwicklung dieser Projekte hat sich die Programmierumgebung und -sprache ›Processing‹ bewährt. Sie erlaubt es innerhalb eines Semesters den gesamten Weg vom Erlernen des Programmierens bis hin zur Realisierung eines Projektes zu durchlaufen. The Communication Design teaching unit at Mainz University of Applied Sciences (www.designinmainz.de) consists of a BA study programme in Communication Design and an MA in Gutenberg Intermedia. Three thematic focal points have evolved within the two degree programmes: first, Typography, which is traditionally very strong in Mainz; second, the area of Advertising; and third, the area of Digital/Interactive Design, which led to the projects presented here. These projects were created in two interdisciplinary courses where students were supervised by two teaching staff from different teaching units. In this case, cooperation took place between the subjects ›Conceptual Design‹ (Philipp Pape) and Media Informatics (Florian Jenett). The two courses ›Visualizing Europe‹ and ›Generative Typography‹ are useful illustrations of what makes Media Informatics interesting to communication designers. On the one hand, it is handling vast quantities of data and dynamic data sources. This involves developing systems that are not based on individual cases or details but which function conceptually ›top down‹. Rules and forms of behaviour must be defined and shaped, without being able to test each individual constellation. The second aim of the course is to teach students to deal with interactive, variable processes, as you can see in the Generative Typography projects. Rather than being application-oriented, these projects explore the possibilities of flexible creative surroundings, and the impact they have on various media. The programming environment and language ›Processing‹ proved useful in developing these projects. It enables students to not only learn how to programme but also to realise their own project in just one semester.

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Visualizing Europe Die europäische Statistik-Behörde ›Eurostat‹ (ec.europa.eu/eurostat) stellt über das Internet Massen an Daten zur Verfügung und sieht darin ihre Informationspflicht erfüllt. Tatsächlich dürften aber die wenigsten Interessenten der Komplexität der Datentabellen gewachsen sein. Daraus entstand die Idee, die Daten auf interessante Fragestellungen hin zu untersuchen, diese herauszuarbeiten und visuell zu übersetzen, sodass die Daten auf intuitivere Art erlebbar werden. Visualizing Europe The European statistics authority ›Eurostat‹ (ec.europa.eu/eurostat) posts masses of data on the internet, believing it has then fulfilled its duty to inform. But in fact only very few interested persons are able to cope with the complexity of the data tables. This led to the idea of exploring the data with regard to interesting issues, developing them and visually translating them to enable the data to be experienced in a more intuitive manner.

AIDS IN EUROPE Dina Fluck, Kirsten Leistenschneider

›Aids in Europe‹ visualisiert die Verbreitung der Aidsinfektion in Europa über Jahre hinweg. Dabei symbolisieren unterschiedliche Zeichen die häufigsten Ansteckungswege sowie die Anzahl der Toten. Die Entwicklung von AIDS lässt sich darüber hinaus eindrücklich zwischen Ländern vergleichen. ›Aids in Europe‹ visualises the spread of AIDS in Europe over the years. Different signs symbolise the most frequent routes of infection and the number of deaths. The development of AIDS in various countries can also be strikingly compared.

EUROPEAN AIR TRAFFIC Christoph Tim Schneider

Christoph Tim Schneider stellt den Verkehr auf und zwischen Europas Flughäfen dar. Die Flughäfen sind geografisch angeordnet und können zeitlich verfolgt werden. Dabei zeigt die veränderliche Größe eines Flugzeugsymbols die Häufigkeit von Starts und Landungen. Zusätzlich können die häufigsten Flugverbindungen eines Flughafens dargestellt werden. Christoph Tim Schneider represents traffic at and between Europe's airports. The airports are geographically arranged, and can be monitored over time. The variable size of an aircraft symbol shows how frequently take-offs and landings occur. In addition, the most frequent flight connections from an airport can be portrayed.

COLORSTOXX

POLYEUROPE

Alexander Leu, Christian Rau

Kersten Stahl, Tobias Tschense

Christian Rau und Alexander Leu zeigen in ihrer intuitiv zu bedienenden Software Colorstoxx die Entwicklungen am europäischen Aktienmarkt in minimalistischen Farbabstufungen. Dabei lassen sich durch Vergleich verschiedener Aktienkurse deren Unterschiede und Parallelen intuitiv erkennen. Die verwendeten Farben orientieren sich am Corporate Design des jeweiligen Unternehmens. In their intuitive software Colorstoxx, Christian Rau and Alexander Leu show developments on the European stock market in minimalist colour nuances. By comparing various stock prices, their differences and parallels can be recognised intuitively. The colours used are based on the corporate design of the company in question.

Anhand europäischer Daten wird ein Weg zur dreidimensionalen Datenvisualisierung gezeigt. Daten spezifisch aufzurufender Indizes unterschiedlicher Länder werden in dreidimensionale Formen übersetzt und können nach der Generierung aus unterschiedlichen Blickwinkeln betrachtet werden. Dabei wird deutlich, dass unterschiedliche Betrachtungswinkel auch verschiedene Aspekte der Daten hervorheben bzw. verbergen. A method of visualising data three-dimensionally is shown using European data. Indexes from various countries, retrieved data-specifically, are translated into three-dimensional shapes, and can then be seen from different angles. It can be seen that different viewing angles emphasise or conceal various aspects of the data.

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES FACHHOCHSCHULE MAINZ EUROPEAN LANGUAGES

BOLZPLATZ

Lisa Reimann

Denis Klein

In der Anwendung European languages wird die Verwandtschaft der in Europa gesprochenen Sprachen angezeigt. Es entsteht eine Baumstruktur, durch Eingabe eines Wortes erscheinen an deren Enden und Knotenpunkten die in die jeweilige Sprache übersetzten Begriffe. By applying European languages, we can see how the languages spoken in Europe are related to one another. A tree-like structure emerges. When a word is entered, the term is translated into various languages appears at the ends and intersections of the tree.

Denis Klein visualisiert in bolzplatz die Transfers (Zugänge und Abgänge) in europäischen Fußballklubs und den Wert der Landesligen, sowie deren Veränderung über Jahre hinweg. Dabei wird die wirtschaftliche Komponente des Fußballsports unmittelbar erfahrbar. In bolzplatz, Denis Klein visualises transfers (acquisitions and departures) that took place between European football clubs, their value to national leagues and how they change over the years. The economic component of football is clearly revealed.

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ORGAN-UNION Stephanie Behm, Cesalie Kern

Die Applikation OrganUnion zeigt zeitabhängig, wie häufig welches Organ in den verschiedenen Ländern der Europäischen Union transplantiert wird. The application OrganUnion shows, time-dependently, how frequently which organ is transplanted in the various Member States of the European Union.

IMPORT/EXPORT -CONTAINER IN EUROPA Sonja Hahn, Jörg Ziggert

In Form einer animierten Grafik wird der Umschlag von Containern in Europa demonstriert. Die Container-Symbole fallen wie Tetris-Steine auf die Silhouetten der Länder. Jeweils zwei Länder können miteinander verglichen werden. The handling of containers in Europe is demonstrated in the shape of an animated diagram. The container symbols fall like Tetris blocks onto the silhouettes of the countries. Two countries can be compared at a time.

MONITORING AND VISUALIZING LAST.FM

IRRATIO

Christopher Adjei, Nils Holland-Cunz

Ingo Reitheimer

In welchen Städten ballen sich bestimmte Musikgenres und in welchen Ländern wird ein neu erschienenes Musikalbum als Erstes gehört? Diesen und anderen Fragestellungen gehen Christopher Adjei und Nils Holland-Cunz in ihrem Projekt ›Monitoring and Visualizing Last.fm‹ mit Hilfe des sozialen Musik-Netzwerkes Last.fm nach. Ihre Arbeit gliedert sich in vier verschiedene Bereiche: Fangruppenvergleich, Fanfluktuation, Album-Release und Genreballung. In which cities are certain music genres clustered, and in which countries are new albums heard first? These and other issues are explored by Christopher Adjei and Nils Holland-Cunz in their project ›Monitoring and Visualizing Last.fm‹, using the social music network Last.fm. Their work is split into four areas: a comparison of fan groups, fan fluctuation, album release and genre clustering.

Generative Typografie Dieser Kurs entstand aus dem Interesse an experimentellen typografischen Formen. Schriften sind Software. Die Möglichkeiten des Opentype Formates lassen das erahnen. Es liegt also nahe zu untersuchen, welche experimentellen Formen Typografie mit den Mitteln der Programmierung annehmen kann, sodass der prozesshafte Charakter von Schriften erfahrbar wird. Generative Typography This course evolved out of our interest in experimental typographic forms. Fonts are software. The possibilities available to us in the open-type format give us an idea of this phenomenon. So why not explore which experimental forms typography can take using programming, to enable us to experience the process-like nature of fonts?

Die Arbeit Irratio basiert auf einer sehr einfachen, eckigen Ausgangsschrift. Durch Verwendung der Eckpunkte, aber unter Umwandlung der Bezierkurven entsteht eine immer wieder neu verwobene NetzSchrift. The work entitled Irratio is based on a very simple, square-cut starting font. Newly interwoven internet fonts are created using corners and by transforming Bezier curves.

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES FACHHOCHSCHULE MAINZ

PONG

BASTARD

ELIEN

BLAST

Kersten Stahl

Tobias Tschense

Tatevik Aghabayans

Denis Klein

Die Schrift Pong entsteht durch die Bewegung einer Linie innerhalb von Schriftzeichen. Wie eine Flipperkugel rast die Linie innerhalb der Grenzen eines Zeichens hin und her, sodass je nach Startposition neue Endformen entstehen. The font Pong is created by moving a line between the characters. The line hurtles back and forth like a pinball within the borders of a character, so that each starting position creates new final shapes.

In dem Projekt ›Bastard‹ werden aus Bruchstücken sehr unterschiedlicher Schriften – aber mit passenden Übergängen – neue Schrift-Bastarde generiert. Diese sind in ein eigens entwickeltes Schreibprogramm integriert, das jeden Buchstaben zu jeder Zeit unterschiedlich ausgibt. In the ›Bastard‹ project, new font bastards are generated from fragments of completely different fonts which, however, have matching transitions. These are integrated into a specially developed text editor that displays every letter differently each time.

Die Schrift lässt sich durch Eingaben in seiner Form und Vielschichtigkeit verändern oder durch Interaktion gänzlich verformen, sodass der Eindruck einer aus veränderlichen, weichen Prozessen bestehenden Schrift entsteht. The shape and complexity of the font can be changed by entering inputs, or can be completely deformed by interaction to give the impression of a font being created out of variable, soft processes.

Blast verändert die Form einer Ausgangsschrift je nach gespielter Musik. Die Tonabfolgen werden dazu von einer Bibliothek interpretiert und in neue Parameter übersetzt. Blast changes the shape of a starting font, depending on the music being played. The sound sequences are interpreted by a library and translated into new parameters.

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ZWIRN

WDCE (WORDS DON’T COME EASY)

PDE_LUBANOISE

CARVELLCD

Lisa Reimann

Christoph Köhler

Il-Ho Jung

Alex Balzien

Das Programm Zwirn verwebt alle Buchstaben eines Wortes miteinander. Dabei dienen die Ankerpunkte der Buchstabenformen als Anfangs- und Endpunkte der Verwebungen, sodass die zugrunde liegende Schrift noch erahnbar bleibt. The programme Zwirn interweaves all of the letters contained in a word. The anchor points of the letter shapes act as the starting and end points of interweavings, enabling the basic font to be recognised.

Diese Schrift bildet sich allein aus Verläufen. Durch die Veränderung der Winkel und Segmente, deren Drehung, Spiegelung und Überlagerung, entstehen immer wieder neue, faszinierende Schriftzeichen. This font is created from gradients alone. New, fascinating characters are created again and again by changing angles and segments, and by turning, mirroring and superimposing them.

Die Schrift Lubalin wird in unterschiedlich viele Punkte zerlegt, die ihren Durchmesser und eine zueinander verschobene Bewegung verändern können. Durch diese wenigen variablen Parameter entstehen gänzlich unterschiedliche Ergebnisse. The font Lubalin is decomposed into different quantities of points, which can change their diameter and movement displaced towards one another. Completely different results are created by changing these few variable parameters.

Durch die Verschiebung einiger Proportionsparameter werden jeweils völlig neue Zeichenformen generiert. Absolutely new characters are generated by displacing a few proportion parameters.

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MEDIA CAMPUS ACADEMIES FACHHOCHSCHULE DORTMUND FB DESIGN

Fachhochschule Dortmund, Fachbereich Design. Nach Schließung der Studienrichtung ›Kamera‹ an der FH Dortmund stellt sich der Fachbereich Design mit der Bachelor-Studienrichtung ›Film‹ in Dortmund neu auf. Aktuell wird eine neue Professur ›Film‹ in Dortmund besetzt. Zusammen mit den vorhandenen Stellen ›Foto/Filmdesign‹ von Prof. Adolf Winkelmann und ›Sound-Design‹ von Prof. J.U.Lensing entsteht ein Studiengang ›Film‹, der sich in seinem Lehrplan für ›digitalen Film‹ dem Kurzfilm, Experimentalfilm und der audio-visuellen Komposition sowie Musik- und Tanzvideos bis hin zu Animation und Advertising-Video widmet. Ziel des Studiums ist, filmsprachliche Kompetenz durch Experimente und Projekte mit Bild und Ton auch im dramaturgischen Sinne zu erlangen und deren Anwendungsformen professionell zu beherrschen. Eigenständige Filmprojekte werden mit Unterstützung von kompetenten Fachleuten und in enger Zusammenarbeit mit Licht-, Sound-, Set- und Grafikdesignern im Fachbereich Design Dortmund besonders gefördert. Aktuell wird bei erfolgreichem Abschluss des 6-semestrigen BA Studiums Design/Medien/Kommunikation im Schwerpunkt Film der Hochschulgrad Bachelor of Arts (BA) Design vergeben. Ab dem Wintersemester 2012 wird in Dortmund ein 8-semestriger BA Film angeboten. Durch die Partnerschaft mit der University of Abertay Dundee (GB) besteht die Möglichkeit für Studenten der FH Dortmund nach dem deutschen BA durch ein einjähriges Aufbaustudium in Großbritannien einen BA of Honours (BA Hons) in Creative Sound Production oder in Visual Communication and Media Design zu erlangen. Im Anschluß an diesen internationalen Zusatzbachelor bietet die FH-Dortmund zukünftig auch einen einjährigen MA Film oder MA Sound an, so dass bei vollem Programm in einem 12-semestrigen Studium drei internationale Abschlüsse erlangt werden können. Dortmund University of Applied Sciences and Arts, Faculty of Design. Following the closure of the discipline ›Camera‹ at Dortmund University of Applied Sciences and Arts, the Faculty of Design is repositioning itself in Dortmund with a Bachelor programme in ›Film‹. A new ›Film‹ professorship is currently being filled in Dortmund. Together with the existing positions in ›Photo/Film Design‹ and ›Sound Design‹, held by Professor Adolf Winkelmann and Professor J.U. Lensing, respectively, a degree programme in ›Film‹ is being created. The curriculum for ›Digital Film‹ is dedicated to short films, experimental films and audio-visual composition, as well as music and dance videos, animation and advertising videos. The aim of the programme is for students to acquire cinematic language skills through experiments and projects involving image and sound, also in the dramaturgical sense, and to professionally master their forms of application. At the Faculty of Design in Dortmund, special emphasis is placed on encouraging independent film projects with the support of competent experts and in close cooperation with light, sound, set and graphic designers. Upon successful completion of the 6-semester BA programme in Design/Media/Communication, majoring in Film, graduates are awarded a Bachelor of Arts (BA) Design degree. From winter semester 2012, an 8-semester BA in Film will be offered in Dortmund. Thanks to the existing partnership with the University of Abertay Dundee (GB), students of Dortmund University of Applied Sciences and Arts have the opportunity, after completing the German BA, to read for a BA of Honours (BA Hons) in Creative Sound Production or in Visual Communication and Media Design following a one-year post-graduate programme in Great Britain. After completing this additional international Bachelor, Dortmund University of Applied Sciences and Arts will offer graduates a one-year MA in Film or MA in Sound. In other words, if students take the whole programme, they can acquire three international degrees after studying for 12 semesters.

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NICHT AUSZUSCHLIEßEN DASS ER TOT IST

MÖRDERBALL

Harald Opel

Thilo Gosejohann, Karl Tebbe

Karl Blechen hatte den Auftrag, mit einer speziellen Technik ein 400 Jahre altes Archiv in einem einzigen Foto virtuell begehbar zu machen. Als Kompendium aller möglichen Bilder ist das Bild eine Sicherungskopie der vom Verfall bedrohten archivierten Papiere und Fotografien. Das Eingangsfoto zeigt ihm einen Moment in diesem Archiv, an den er sich nicht erinnern kann. Eine spannende audiovisuelle Reise durch die Geschichte der Fotografie und Bildtheorien des 20. Jahrhunderts. Karl Blechen was commissioned to make a 400-yearold archive virtually accessible in one single photograph, using a special technique. As a compendium of all possible images, the photo is a backup of the archived papers and photographs that are in danger of disintegration. The entrance photo shows him a moment in this archive that he is unable to remember. An exciting audiovisual journey through the history of photography and visual theories of the 20th century.

Rollstuhl Rugby wurde Ende der 70er von einem kanadischen Architekturprofessor und zwei Rollstuhlsportlern entwickelt. Sie nannten die Sportart ursprünglich Mörderball. Rollstuhl Rugby ist eine Mischung aus Autoscooter und Schach. Unser Film entstand während eines Spielwochenendes am 13./14. Oktober 2001 in Bochum. Wheelchair rugby was devised by a Canadian professor of Architecture and two wheelchair athletes at the end of the 1970s. They originally called the discipline murder ball. Wheelchair rugby is a combination of bumper cars and chess. Our film was created over the course of a wheelchair rugby weekend in Bochum on 13/14 October 2001.

Harald Opel, see ›Soundness‹. Professor J. U. Lensing, *1960 in Düsseldorf. From 1987 to 1989, he undertook post-graduate studies in ›New Music Theater‹ under Mauricio Kagel at the University School of Music in Cologne. In 1987, he founded the Theater der Klänge in Düsseldorf. Has been making soundtrack compositions for numerous artists' and documentary films since 1988. Has been Professor of ›Sound Design‹ at Dortmund University of Applied Sciences and Arts since 1996. Æ35mm, Color, 10:04 ÆSeitenverhältnis: 1:1,85 ÆDolby SR ÆScript and Direction Harald Opel ÆScreen-Design Astrid Busch ÆSound-Design J.U.Lensing ÆDigital Vfx Martin Constien ÆEditing Harald Opel, Astrid Busch ÆProduction Cuefilm, FH-Dortmund ÆPrädikat wertvoll der FBW

Thilo Gosejohann, *1970 in Gütersloh-Niehorst. While studying to become a cameraman under Adolf Winkelmann at Dortmund University of Applied Sciences and Arts, Gosejohann gained recognition as a director through his trash film Captain Cosmotic, broadcast on VIVA Zwei. Karl Tebbe; *1970 in Dortmund. 1996 Diplom in Drama/Theatre/Media from Justus Liebig University Giessen. 1994 job-shadowed direction at the Schauspielhaus Frankfurt. 2008 Diplom in Film/Television/Camera at Dortmund University of Applied Sciences and Arts. Æ16mm, b & w, 7:55 ÆSeitenverhältnis: 1,33:1 ÆDolby SR ÆRealisation Thilo Gosejohann, Karl Tebbe ÆSound Marlen Schlawin, Michael Kupczyk ÆSound Mixer Tobias Fleig (Rursound Studios) ÆProduction FH Dortmund

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OCTAVES TAG

JETZT IST WICHTIG

Johannes Klais

Max Kluger, Tina Porsche, Guido Rambeck, Cengiz Sunter

Äußerliche Unruhe und innere Leere. Der Film Octaves Tag ist der Versuch einer visuellen Charakterisierung eines Menschen, der auf den Höhepunkt seiner Karriere zusteuert und doch immer tiefer fällt. Der Film experimentiert mit Mitteln der Kamera und der Montage. Ein dünner, narrativer Faden ist dabei fast vollständig auf die Tonebene verlagert. So lässt ›Octaves Tag‹ viel Raum für ein assoziatives Zusammenwirken von Bildern, Schnitten und Tönen. Outer restlessness and inner emptiness. The film Octaves Tag is an attempt to visually characterise a person who is headed towards the pinnacle of his career, and yet who keeps falling further and further down. The film experiments with the instruments of the camera and montage. A thin, narrative thread is almost completely transferred to the sound level. In this way, Octaves Tag leaves plenty of room for associative interaction between images, cuts and sound.

Ein Kurzfilm über das Vergehen von Zeit in einer konstruktiven Montage, in der Bilder aus einem Altenheim mit denen einer gegenüberliegenden Grundschule assoziativ verbunden werden. Die Interviewaussagen der ›Alten‹ werden dabei den Bildern aus der Schule unterlegt, die Stimmen der Kinder hingegen kommentieren die Bilder aus dem Altenheim. Eine Musik, die aus dem Musizieren der ›Alten‹ entwickelt wird, klammert den Film in drei Akte. Eine bewegende, wiewohl experimentell montierte Reflexion über Werden und Vergehen. A short film about the passage of time in a constructive montage, in which shots from a nursing home are connected associatively with those from the primary school opposite it. The statements made by the ›elderly‹ in their interviews are put to scenes from the school, while the children's voices comment on shots from the nursing home. A piece of music created in a session with the ›elderly‹ holds the film in three acts together. A moving, albeit experimentally mounted reflection on growth and decay.

Johannes Klais, *1977 in Dortmund. Trained to become an Audio Engineer (SAE) and Audio Visual Media Producer, IHK. Has been studying Camera at Dortmund University of Applied Sciences and Arts since 2003. Æ16mm, Color, 8:00 ÆRealisation Johannes Klais ÆActor Pablo Jorge Sievers ÆProduction Johannes Klais & FH Dortmund

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Tina Porsche, *1982 in Dresden. Trained with VIVA to become an Audio Visual Media Producer. Has been studying Camera on the Film and Television degree programme at Dortmund University of Applied Sciences and Arts since 2005. Guido Rambeck, March 2007 Intermediate Diplom at Dortmund University of Applied Sciences and Arts, Germany, Feb. - Dec. 2009 Diplom in Film and Television (Documentary) at Victorian College of The Arts, University of Melbourne, Australia. Cengiz Sunter, *1978 in Oberhausen. Has been studying Film & Television, majoring in Camera at Dortmund University of Applied Sciences and Arts, Faculty of Design, since 09/2005. Carried out a work placement at WDR as a senior camera assistant in 2006. ÆBetacam SX, Color, 13:49, Seitenverhältnis 1:1,85, Stereo ÆRealisation, sound-design Max Kluger, Tina Porsche, Guido Rambeck, Cengiz Sunter ÆMusic Jewgeni Birkhoff ÆAudio Postproduktion Markus Löbel, Soundision Film- und TV-Tonstudio ÆProduction FH Dortmund

DSW

LOOSE CONNECTION

Dominik Leube

Jan Haering

Der moderne Städter und Fahrgast begibt sich heutzutage wie selbstverständlich unter die Erde, um mit der U-Bahn von A nach B zu gelangen. Ohne sich des zurückgelegten Weges bewusst zu sein, rauscht er durch dunkle Schächte, unfähig diese Welt von Tunnels und Hallen zu überblicken. Diese ›Maschine-UBahn‹ funktioniert scheinbar ohne äußeres Zutun. Alles was der Fahrgast machen muss, ist einsteigen. Dieser Film ist ein Portrait dieser unterirdischen Welt und jener Menschen, die dort arbeiten. Eine audiovisuelle Reise durch suburbane Formen und Klänge. Nowadays, modern urbanites and passengers go underground without a second thought to get from A to B. Unconscious of the journey he has taken, he rushes through dark shafts, unable to comprehend this world of tunnels and halls. This ›underground machine‹ appears to function without external assistance. All the passenger needs to do is to board the train. This film is a portrait of this underground world and the people who work there. An audiovisual journey through suburban forms and sounds.

Das Englische Loose Connection lässt sich mit Stromausfall oder Wackelkontakt übersetzen. Der Kurzfilm zeigt ein recht düsteres Geschehen. Ein Heranwachsender hat sich im Bannkreis seines Computers eine eigene Welt geschaffen. Erst ein Stromausfall öffnet dem Jungen die Augen über sein Leben als eine Art menschlicher Grottenolm und eröffnet ihm den Blick nach draußen auf die Straße. Es könnte der Schritt zurück in ein normales Leben sein. The short film portrays a very gloomy event. An adolescent has created his own world around his computer. It takes a power cut for the boy's eyes to be opened. He now sees his life as a kind of human olm, and is able to look outside onto the street. It could be the step back into a normal life.

Dominik Leube, *1983 in Tübingen, 2004/05 Academy of Music Hanns Eisler Berlin, 2005 Information and Media Technology, Brandenburg University of Technology, Cottbus and, since 2006, Film/Television Camera at Dortmund University of Applied Sciences and Arts. Æ16mm, Color, 05:41 ÆSeitenverhältnis 1,33:1, Stereo ÆDirection, camera, montage, sound-design Dominik Leube ÆO-Tone Oscar Stiebitz

Jan Haering has been a self-employed web designer since 2000. He did a one-year placement at Versfilm in 2001, where he found employment as a director from 2002 to 2005. He has been freelancing in direction, post-production and motion graphics since 2005, and has been attending Baden-Württemberg Film Academy, Staged Direction since 2008. ÆRed One 4K Cinemascope, 6:01 ÆDirection, montage Jan Haering ÆCamera Ingo Scheel ÆProduction-Design Michael Miemczyk ÆMusic Gunther Steudel ÆSound-Design Simon Wirtz, Soundvision GmbH ÆPostproduction Jan Haering, Calliographix GbR ÆGrip Paul Pieck ÆCamera Assistant Michael Jörg ÆAssistant Director Franziska Wellner ÆProduction FH Dortmund

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SOUNDNESS

CARAMCOLLAGE

Harald Opel

Daniel Gerken

Gezeigt werden immer nur Bruchstücke, einzelne in sich logische Bilder/Argumente. Ausschnitte von Begegnungen dreier Frauen im Tanz, jeweils als Paar. Begegnungen mit ihrem Schatten, mit ihren Abbildern auf einer Leinwand, mit Erinnerungsstücken aus ihrer Kindheit und mit Versatzstücken einer Musik. Der Film arbeitet mit Ausschnitten aus der Produktion ›HOEReographien‹ (Choreografie: Jacqueline Fischer) des THEATERs DER KLÄNGE zu einer Metakomposition über die Sinfonia 9 von Johann S. Bach elektronisch erarbeitet von J. U. Lensing. Die Teile fügen sich zu einer neuen Einheit, zu einem neuen Tanz, der unversehrt (soundness) und logisch scheint und zu den Frauen und ihren möglichen Geschichten führt. Only fragments are shown, individual logical shots/arguments. Excerpts of encounters between three women dancing, each time as a pair. Encounters with their shadows, with their images on a screen, with memorabilia from their childhood and with set pieces of music. The film works with excerpts from the production ›HOEReographien‹ (choreography: Jacqueline Fischer) by the THEATER DER KLÄNGE on a meta composition on Johann S. Bach’s Sinfonia 9, electronically compiled by J. U. Lensing. The parts are remixed into a new entity, a new dance that appears intact (soundness) and logical, and that leads to the women and their potential histories.

Der Motor heult auf, wenn das Gas durchgetreten wird. Der Sound ist bombastisch: Ein voluminöses Röhren, ein maskulines Dröhnen, ein Brummen, das in Mark und Bein geht. Ein Automobilgeräusch, das das Herz jeden Motorfans höher schlagen lässt. Der Sound eines Autos am Höhepunkt seines Wirkens, seines Lebens. Aber die Faszination am Klang eines Autos ist mehr als die hörbaren PS unter der Haube. Der Dokumentarfilm ›CaramCollage‹ findet zu den Ursprüngen der Klänge eines Wagens und zum Leben nach dem Schrott. The engine roars when the pedal hits the metal. The sound is bombastic: a voluminous thunder, a masculine drone, a hum that sets your teeth on edge. A car noise that make every engine lover's heart skip a beat. The sound of a car at the pinnacle of its life, its achievements. But the fascination of the sound of a car is more than the audible HP beneath the bonnet. The documentary film ›CaramCollage‹ discovers the roots of the sounds of a car, and explores life after scrapping.

Harald Opel, *1962 in Bayreuth, has lectured since 1999 at Dortmund University of Applied Sciences and Arts in Analogue/Digital Film Production Techniques and Experimental Film Design in the Camera degree programme, as well as in Principles of Film Design, Multimedia and Digital Film Technology in the BA in Design Media Communication degree programme. ÆDigiBeta Letterbox, anamorph, 8:00 ÆSeitenverhältnis 1:2,35 ÆStereo/Dolby 5.1 ÆDirection Harald Opel ÆDop Harald Opel ÆCamera Simone Friedel, David Stevens, Jacob Creutzburg ÆSoundtrack J.U.Lensing

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Daniel Gerken, *1978 in Soest, Westphalia. Has been studying at Dortmund University of Applied Sciences and Arts since 2006 and working as a radio presenter for Eldoradio since 2007. ÆHDV, Color, 6:00 ÆStereo ÆDirection Daniel Gerken ÆCamera Driss Azhari, Daniel Gerken ÆEditing Max Hüttermann, Daniel Gerken, Dominik Leube ÆSound-Design Dominik Leube ÆLighting Eduard Malsam ÆScene Gunar Meinhold

ZEIT-TRÄUME

DIE KNEIPE

D.O.A. – RECOMPOSED

Friedrich Schöning

Andrzej Król

Klaus Hommerich

Experimentaler Tanzfilm in den Räumen des PACT ›Zeche Zollverein Essen‹. Der Film ›Zeit-Träume‹ basiert auf choreografischem Material der Produktion ›inherent simplicities‹ von Rodolpho Leoni Dance. Der Tanz verändert die Wahrnehmung der Räume einer früheren Kohlenzeche. Der Film kreiert dabei eine faszinierende Verbindung von Ort, Bewegung und Klangkomposition. Experimental dance film shot on the premises of the PACT ›Zollverein Colliery, Essen‹. The film ›Zeit-Träume‹ is based on choreographic material from the production ›inherent simplicities‹ by Rodolpho Leoni Dance. The dance changes the perception of the rooms of a former coalmine. In the process, the film creates a fascinating connection between location, motion and sound composition.

Der Film ist das dunkle, lyrische Portrait einer Kneipe und der Menschen, die sich in ihr aufhalten. Je mehr diese sich in ihren Gedanken verlieren, desto weiter verwischen sich ihre persönlichen Wahrnehmungen mit surrealen Geschehnissen. Ein allein lebender Familienvater erinnert sich an ein Ereignis, das genau vor einem Jahr in der Geburtstagsnacht seines 5-jährigen Sohnes geschah. In Erinnerungsfetzen wird diese Nacht erzählt, in der der Vater in betrunkenem Zustand das zu verhindern versucht, was bereits stattfindet. The film is the dark, lyrical portrait of a pub and the people who frequent it. The more they lose themselves in their thoughts, the more their individual perceptions become blurred with surreal events. A single father looks back on something that happened to his 5-year-old son exactly one year ago on the night of his birthday. In fragmented memories, a tale is told about the night when the drunken father tried to prevent what had already happened from occurring.

Der Film D.O.A. (USA 1949) von Rudolph Maté in seine Einzelteile zerlegt und neu komponiert verlässt die lineare Erzählweise durch bis zu neun zeitgleich gezeigten Einstellungen. Ein filmisches FoundFootage Experiment, das die Fassbarkeit der Bilderflut und den Aufbruch des ursprünglichen ZeitRaum-Konstrukts thematisiert. The film D.O.A. (USA 1949) by Rudolph Maté is cut into its single parts and recomposed, departing from the linear narrative style, in up to nine simultaneously screened settings. A cinematic foundfootage experiment that explores the conceivability of the flood of images and the breakup of the original time-space construct.

Æ16mm, Color, 12:38 ÆDirection Friedrich Schöning ÆCamera Andreas Krol ÆMontage & Sounddesign A. Krol, Friedrich Schöning ÆProduction FH Dortmund

Andrzej Król, *1947 in Olpe (Poland), 2006 studied at the Escuela Internacional de Cine y Television in Havana (Cuba), 2000-2008 studied Film Television Camera (Dortmund University of Applied Sciences and Arts). Æ35mm, Color, 9:40 ÆSeitenverhältnis 1: 2,35 ÆDolby Digital/Dolby SR ÆDirection Andrzej Król ÆCamera Andrzej Król ÆEditing Andrzej Król, Gabriel Gauchet ÆSound Andrzej Król

Klaus Hommerich, *1963, has been working as a lighting technician, chief lighting technician and cameraman since 1988. Has been studying Film/Television at Dortmund University of Applied Sciences and Arts/Faculty of Design since 2006. ÆDVD- 4:3 b & w, 12:57, stereo ÆOriginal: D.O.A. - Rudolph Maté ÆNeu-Montage Klaus Hommerich

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MEDIA CAMPUS EXHIBITION SOUND REFLECTIONS

Der Media Campus präsentiert im Turm Bürgergehorsam die Ausstellung ›sound reflections‹. Dort werden Medieninstallationen von verschiedenen Künstlern gezeigt, die sich mit der Sinneswahrnehmung, aber auch dem Wahrgenommenwerden befassen. Wie klingt ein Individuum? Wie sehe ich mit den Ohren? Und welche Geräusche macht das Licht? Eingebettet in die altertümlichen Gemäuer des Turms Bürgergehorsam, werden dem Besucher innerhalb eines, ohnehin schon außergewöhnlichen Raumerlebnisses, jene künstlerisch konstruierte Reizverknüpfungen eröffnet. Die Begehung wird Augen und Ohren in ungewöhnlicher Weise auf die Probe stellen. Media Campus presents the exhibition entitled ›sound reflections‹ in the Turm Bürgergehorsam. Media installations by various artists will be shown there that explore not only sensory perception but also the act of being perceived. What does an individual sound like? How can I see using my ears? And what sounds does light make? Embedded in the ancient walls of the Turm Bürgergehorsam, artistically designed stimulus connections are revealed to visitors in an extraordinary spatial experience. The exploration will put the visitor’s eyes and ears to the test in an unusual way.

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AUGEN ZU BASEL

V+ - EXPANDED TIMECODE VINYL

Janis Schroeder

Jonas Bohatsch

Ohne Basel zu kennen, komme ich dort hin, verbinde mir die Augen, laufe drei Stunden durch die Stadt, um dann wieder zu fahren. Kristina führt mich, erzählt mir, was sie sieht, was ich nicht sehe. Die ganze Zeit über begleitet uns ein Kameramann. Im entstandenen Video sind allerdings nur wenige Szenen zu sehen. Auch der Zuschauer sieht nicht, was passiert. Er ist wie ich gezwungen, sich die Bilder einzubilden – basierend auf der Schilderung Kristinas, auf Umgebungsgeräuschen und auf den wenigen Bildern, die er sieht von Dingen, die ich fühle oder ertaste. Without actually being familiar with the City of Basel, I arrive there, blindfold myself, walk through the city for three hours and then leave. Kristina leads me, and tells me what she sees and I cannot. A cameraman is with us the whole time. However, only a few scenes can be seen in the resulting video. The audience cannot see what is happening either. Like me, they are forced to imagine the images – based on Kristina’s descriptions, ambient noises and the few images they see of objects that I feel or touch.

In v+ werden computergenerierte Objekte direkt auf die Oberfläche einer Schallplatte projiziert. Das Verhalten der Objekte ist an die Abspielgeschwindigkeit der Schallplatte gekoppelt und kann vom Ausstellungsbesucher beeinflusst werden. Kommen die Objekte untereinander oder mit der Nadel des Plattenspielers in Berührung, werden Klänge abgespielt. v+ erweitert Schallplatten um visuelle Elemente und bricht die eigentliche Linearität des Mediums auf. Computer-generated objects are projected directly onto the surface of a vinyl record. The behaviour of these objects is connected to the turntable's rotational speed and can thus be changed by the audience. Sounds are triggered if objects touch one another or the turntable needle. v+ expands timecode vinyl with visual elements and breaks with the medium’s linearity.

Janis Schroeder, *1986 in Herne. Has been studying Pure Visual Arts in Münster/Geneva since 2007 ÆBasel, CH 2009, DV, 9:48 min ÆRealisation Janis Schroeder Æmit Kristina Brinkkemper, Janis Schroeder ÆKamera: Hector Barrios

Jonas Bohatsch, *1981 in Oberpullendorf, Austria. Has been studying Digital Art at the University of Applied Arts, Vienna since 2006. ÆVienna, A 2009, Interactive Installation Æsponsored by University of Applied Arts, Vienna

NON VISUAL FILM

TRANSDUCERS

Ana Petrovic

Verena Friedrich

Die Videoinstallation ›Non Visual Film‹ ist eine Kombination aus einem Video, das es erforderlich macht, dass der Zuschauer beim Zusehen die Augen schließt, und dem sichtbaren Teil einer Installation, zu der ein Fernseher, ein Tisch, ein Stuhl, ein DVD-Player und Stoffe gehören. Wenn die Zuschauer das Video starten, so müssen sie ihre Augen schließen um es sehen zu können. Obwohl das Video den Titel ›non visual‹ trägt, ruft der Kontrast von Schwarz und Weiß die Entstehung eines Bildes im Kopf des Zuschauers hervor. Obwohl dieses für die Augen nicht sichtbar ist, lassen die Augenlider genug Licht durch und ermöglichen somit eine visuelle Erfahrung, die nur mit geschlossenen Augen möglich ist. The video installation ›Non Visual Film‹ is a combination of a video that requires viewers to close their eyes when watching it and the visual part of an installation containing a TV, table, chair, DVD player and drapery. When viewers start the video, they have to close their eyes in order to see it. Even though the video is called ›non visual,‹ the contrast of white and black demands the formation of an image created by the brain. Although it is not seen by our eyes, our eyelids distribute enough light, thus creating a visual experience that can only be seen with our eyes closed.

Eine Anordnung gläserner Apparaturen, in deren Inneres jeweils eine biologische, von einem bestimmten Individuum entnommene Probe implantiert wurde: Ein einzelnes menschliches Haar – bloßer körperlicher Überrest auf der einen; aussagekräftiger Informationsträger auf der anderen Seite. Die Haarproben werden von der Maschinerie ›getriggert‹ und zu einer Reaktion angeregt. Diese wird registriert, vielfach verstärkt und in einen hörbaren Output übersetzt, der implizit Information über die physiologische Beschaffenheit des Humanmaterials enkodiert. So erzeugt jede der Apparaturen einen individuellen Klang basierend auf der individuellen Haarprobe des jeweiligen Spenders. TRANSDUCERS sucht die Dominanz der Wissenschaften im Hinblick auf die Beschreibung des Lebens und seiner grundlegenden Bestandteile zu hinterfragen. An installation composed of several laboratory glass devices, each encasing biological material collected from different individuals: a single human hair – merely physical debris on the one hand; significant information carrier on the other. The hair samples are triggered by the machinery and are stimulated to react. Their reaction is registered, amplified and transduced into an audible output that implicitly encodes the human materials’ physiological constitution. Each of the devices generates a unique sound based on each donor’s individual specimen. TRANSDUCERS seeks to question the dominance of science in describing life and its basic units.

Ana Petrovic, *1985 in Bjelovar, Croatia. Has been studying Multimedia at the Art Academy in Osijek since 2005. ÆOsijek, HR 2009, Installation

Verena Friedrich, *1981 in Hanau, Germany. Completed her studies in Fine Arts and Media at the University of Art and Design Offenbach in 2008. ÆOffenbach, D 2008-2009, Installation ÆFoto: Max Schroeder

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MEDIA CAMPUS EXHIBITION LIVING ENTITIES AKOUSMAFLORE scenocosme : Grégory Lasserre & Anaïs met den Ancxt

Das Stadtgaleriecafé eröffnet mit dem diesjährigen Media Campus Programm ›living entities‹ verschiedene Perspektiven auf den Umgang des Menschen mit Lebendigem. Bei den ausgewählten Exponaten handelt es sich um eine Mischung aus Raum-, Video- und Objektinstallationen, welche alle in ihrer eigenen Weise das Leben reflektieren und einen Bogen von Natur, über Kultur, bis hin zur Technik spannen. Passend zu diesem Kontext wird eine Dokumentation der FH Mainz über ihre Projekte ›Visualizing Europe‹ und ›Generative Typografie‹ gezeigt, die die Hochschule in diesem Jahr im Haus der Jugend präsentiert. So bietet das Stadtgaleriecafé eine facettenreiche Auswahl an Arbeiten, die einerseits durch direkte interaktive Einbeziehung des Besuchers, andererseits mittels einschlägiger wechselnder Bilder, einen Appell an den Menschen formulieren. In this year’s Media Campus programme ›living entities‹ at the Stadtgaleriecafé, different perspectives of how humans deal with living things are explored. The selected exhibits are a mixture of spatial, video and object installations, all of which, in their own way, reflect life, creating an arch between nature, culture and technology. In line with this context, a documentary will be shown by Mainz University of Applied Sciences on their projects ›Visualizing Europe‹ and ›Generative Typography,‹ which the Academy will present in Haus der Jugend. In other words, the Stadtgaleriecafé offers a wide selection of works that formulate a plea to humans by, on the one hand, including the visitor through direct interaction and, on the other, using relevant varying images.

Bei Akousmaflore handelt es sich um eine interaktive Installation, einen kleinen Garten, bestehend aus lebendigen, musikalischen Pflanzen, die auf menschliche Gesten und sanfte Berührungen reagieren. Jede Pflanze reagiert auf ihre ganz eigene Art und Weise auf Berührungen oder Wärme, indem sie einen speziellen Klang produziert. Die ›Sprache‹ der Pflanzen, bzw. deren Lieder entstehen durch Berührung und die unmittelbare Nähe des Betrachters. Unsere unsichtbare elektrische Aura wirkt auf die Stiele der Pflanzen und animiert sie, darauf zu reagieren. Die Pflanzen singen wenn das Publikum sie leicht berührt oder streichelt. Somit entsteht ein Konzert der Pflanzen. Akousmaflore is an interactive installation, a small garden composed of living musical plants that react to human touch and gentle contact. Each plant reacts in a different way to contact or warmth by producing a specific sound. The plant ›language‹, or song, arises through touch and close proximity to the spectator. Our invisible electrical aura acts on the plant’s stalks and encourages them to react. The plants sing when the audience touches or strokes them lightly. A plant concert is created. scenocosme: Gregory Lasserre, Anais met den Ancxt. Anaïs: *1981 in Lyon. She graduated in Anthropology from the University of Lyon, the Ecole Nationale des Beaux Arts in Lyon and the Ecole Supérieure d’Art et de Design of St Etienne. Grégory: *1976 in Annecy. He studied Computer Science and Electronics and graduated with a Master in Multimedia. He has been creating interactive artwork as a digital artist since 2002. ÆF 2008, Sensitive and interactive musical plants / Installation

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DURCHGANG

GLOBAL CO.

Keosang Yoo

Joanna Polak

Das Objekt hat ca. 24.000 Tasten. Die Computertastatur, in die wir ständig hauen, der wir uns ständig bedienen, ist ein notwendiges Mittel, mit dem wir in die digitale Welt hineingelangen. Mit der sich wiederholenden Aktion des Tippens treten wir in eine neue Welt ein. Die Tastatur übernimmt dabei die Rolle einer Tür. Die einzelnen Tasten sehen zwar gleichförmig aus, ihre Inhalte sind aber jeweils vollkommen verschieden. Und die Summe der einzelnen Tasten spielt eine große Rolle, ist wesentlich, für den Eintritt in eine andere Welt. The object contains about 24,000 keys. The computer keyboard, which we constantly strike and of which we constantly avail ourselves, is a means we require to enter the digital world. The repeated tapping action opens up a new world for us. By doing so, the keyboard acts as a door. Although the individual keys look the same, their contents are completely different. And the sum of the individual keys plays a major role, is substantial, with regard to entering another world.

Für ihren Film auf fünf simultan geschalteten Bildschirmen verwendete Joanna Polak mehr als 30.000 Einzelbilder, die sie mittels digitaler ScherenschnittAnimation montierte. ›Global CO.‹ setzt sich inhaltlich mit der Überproduktion von Menschen, Information und Waren auseinander. Die technisch sehr aufwendige Arbeit entstand während Polaks zweimonatigen Arbeitsaufenthalts in Wien. For her film on five simultaneously connected screens, Joanna Polak used more than 30,000 frames, which she mounted using digital silhouette animation. ›Global CO.‹ explores the theme of the overproduction of humans, information and goods. The technically elaborate work was created during Polak’s two-month working stay in Vienna. Joanna Polak, *1978 in Lublin, graduated with a Master’s in Animation Film Direction from the Academy of Fine Arts Poznan in 2003. ÆPL 2009, Videoinstallation

Keosang Yoo, *1973 in Seoul, Korea. Has been studying Media Arts at the Academy of Media Arts Cologne since 2006. ÆKoeln 2009, Installation

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JUGENDMEDIENPROJEKTE YOUTH PROJECTS

LOKAL-GLOBAL – DIE LEBENSWELT DER JUGENDLICHEN Karoline Kraut

Aufgewachsen mit den elektronischen Kommunikationsmedien benutzen heute Jugendliche wie selbstverständlich deren vielfältige Möglichkeiten wie e-Mail, Chat, SMS, Videoblogs oder YouTube. Aber knüpfen sie damit auch Verbindungen zwischen ihrer lokalen Umgebung und der globalen Umwelt? Dieser Frage widmete sich das Medienkunstprojekt ›lokal-global – Die Lebenswelt der Jugendlichen‹ des European Media Art Festivals. Anknüpfend an die Ausstellung ›young identities – global youth‹, die das EMAF 2008 zeigte, wurden mit Schülerinnen und Schülern der Johannes-Vincke-Schule in Belm die künstlerischen Möglichkeiten zur globalen Kommunikation getestet. Unterstützt durch die Stiftung Stahlwerk Georgsmarienhütte haben sich zwei Klassen aus Belm mit Schülerinnen und Schülern der sibirischen Stadt Murawlenko ausgetauscht. Dieser interkulturelle Austausch fand über die Erstellung von Videos, das Einstellen bei youtube und einem anschließenden skype-Talk statt. Das Besondere des Projekts lag in der großen räumlichen Distanz der Projektteilnehmer. Die Projektleitung übernahm für das EMAF Karoline Kraut, die künstlerische Leitung Elisabeth Lumme. Mit dabei von Seiten der Schule waren die Lehrerinnen Sonja Wielebinski, Marianne Hellmann und Bernd Sieker sowie die langjährig in Murawlenko tätige Irina Schönfeld. local/global – The living environment of youths Having grown up with electronic communication media, today’s youths use the wide options available to them - e-mail, chat, text messages, video blogs and YouTube - as a matter of course. But do they establish ties between their local surroundings and the global environment? The media art project entitled ›local/global – The living environment of youths‹ of the European Media Art Festival is dedicated to this question. To tie in with the exhibition ›young identities – global youth,‹ presented at the EMAF 2008, pupils at Johannes Vincke School in Belm tested the artistic possibilities available for global communication. With funding from the Foundation Stahlwerk Georgsmarienhütte, two classes from Belm exchanged their views with pupils from the Siberian town of Murawlenko. This cross-cultural exchange was realised by creating videos, posting them on YouTube and then talking to one another via skype. What made the project special was the vast distance between the project participants. The project was led by Karoline Kraut for the EMAF; the artistic director was Elisabeth Lumme. The teachers involved in the project were Sonja Wielebinski, Marianne Hellmann and Bernd Sieker, as well as Irina Schönfeld, who has been working in Murawlenko for many years.

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MEDIENWERKSTATT DER GENERATIONEN Karoline Kraut

Schüler der Medienwerkstatt der Generationen in der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück näherten sich in einem künstlerisch-experimentellen Prozess filmisch dem Thema: ›Jugendwahn-Schönheitsideal.‹ Über mehrere Wochen arbeiteten Jugendliche im Alter von 14-19 Jahren gemeinsam mit Erwachsenen im Alter von 44-65 Jahren mit gefundenem Film-, Foto- und Textmaterial zum Thema. Der Generationsunterschied zwischen den Schülern verlangte von beiden Seiten eine besondere Form der Auseinandersetzung- ein ständiges Infragestellen der eigenen altersbedingten Sichtweise auf das Thema, dass sich zu einer neuen Einheit zusammenfügt. Entstanden ist eine Medienskulptur mit Mitteln der Collage. Unterstützt wurden sie dabei von: Thorsten Alich, werk.statt e.V. Monika Witte und Kristina Busch, Dozentinnen der Musik und Kunstschule Participants in the Intergenerational Media Workshop at the Music and Art School of the City of Osnabrück cinematically approached the topic of ›Youth mania - the ideal of beauty‹ in an artistic/experimental process. For several weeks, youths aged between 14 and 19 worked together with adults aged 44 to 65, using found film, photographic and text material on the topic. The generation gap between the participants demanded that both sides explore the subject in a special way, constantly questioning their own age-related perspective of the subject, which merged to become a new unit. The result is a media sculpture based on collage. Support was given by: Thorsten Alich, werk.statt e.V. Monika Witte and Kristina Busch, lecturers at the Music and Art School ÆOrt: Unordentliche Zimmertheater, Lohstr. 45a, im Hof Venue: Unordentliche Zimmertheater, Lohstr. 45a, in the yard

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PERFORMANCE

SYNCHRONATOR Bas van Koolwijk, Gert-Jan Prins

Synchronator ist ein audiovisuelles Projekt von Bas van Koolwijk und Gert-Jan Prins, für das die Künstler ihre eigenen elektrischen Geräte entwickelten. Das Projekt ist eine Fortsetzung von Experimenten, die an die frühen Jahre der Videokunst erinnern. Die Live Performance wird als Doppelprojektion gezeigt, in der beide Künstler Audio und Video Signale produzieren, die gänzlich auf Improvisation basieren. Alle Signale werden live generiert und durch die speziell hergestellte Hardware verändert. Der Synchronator ist ein analoges, elektrisches Instrument, das empfangenes Input verändert und als Videosignal wiedergibt. Es ist im Oktober 2009 entstanden. Gert-Jan Prins und Bas van Koolwijks Synchronator Performance setzt Experimente fort, die im Original bei Nam June Paik und den Vasulkas begannen. Beide führen ihre Erfahrung der Beziehungen zwischen Ton und Bild zusammen, während Bas van Koolwijk sich hauptsächlich auf digitale Experimente konzentriert und GertJan Prins meistens mit analoger Technik arbeitet. Synchronator is an audiovisual project by Bas van Koolwijk and Gert-Jan Prins, for which the artists have developed their own electronics. The project is a continuation on medium specific experiments between image and sound from the early years of video art. The dual screen live performance, in which both both artists produce audio and video signals, is entirely based on improvisation. All signals will be generated live and routed through the custom build hardware. The Synchronator device, an analogue electronic instrument that disguises any input it receives as a composite video signal, was released in October 2009. Gert- Jan Prins and Bas van Koolwijks Synchronator project continues a lineage of experimentation originally embarked upon by the likes of Nam June Paik and the Vasulkas. Bas van Koolwijk concentrates mainly on digital experiments, while Gert-Jan Prins mostly works with analogue techniques. They both carry out research into the relationship between sound and image, as well as the limits of what is audible and visible. Æwww.synchronator.com

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VIDEOLOOPMACHINE Stefan Demming

Ein Mash Up für die Kinoleinwand. Performance für Keybord und Software, Videoprojektor und 2 Kanal Audio, 2009/2010 Mit ›Videoloopmachine‹ von Stefan Demming werden Ausschnitte aus bekannten Kinofilmen in Loops gesampelt, um daraus Bild- und Tonrhythmen zu komponieren. Anfangs- und Endpunkte der kurzen Loops werden in mehreren Schritten umgestaltet, so dass ein Filmausschnitt zeitlich diagonal gescannt wird. Das Narrative der filmischen Handlungen wird von dem entstehenden Bild- und Tonteppich so nur nach und nach freigegeben. Ziel der Arbeit ist es, audiovisuelle Kompositionen auf der Basis von found footage mit deren Originalton zu generieren. Atmosphärisch werden die Bestandteile der Filmsprache so gesteigert und die Kulissen inszenierter Handlungen erscheinen in der Wiederholung als Labyrinthe. In Stefan Demming's ›Videoloopmachine,‹ clips from well-known cine films are sampled in loops so as to compose image and sound rhythms out of them. The starting and end points of the short loops are rearranged in several steps so that a film excerpt is temporally diagonally scanned. The narrative of the cinematic acts is then only uncovered gradually by the emerging tapestry of images and sounds. The aim of the work is to generate audiovisual compositions on the basis of found footage with their original sound. The elements of the cinematic language are thus intensified atmospherically, and the sceneries of staged acts appear in the repeat as labyrinths. ÆFootage (Auszüge für mash-up): Les parapluies de Cherbourg (F 1964, R: J. Démy) Solaris (UdSSR 1972, R: A. Tarkowski) Tears of the black tiger (Thailand 2000, R: W. Sasanatieng) ÆVLM-Programmierung: Michael Rieken, Stefan Demming

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PERFORMANCE

VOLKER WINCK QUARTETT

Komposition und Improvisation - im Volker Winck Quartett kein Widerspruch: Eher zwei Seiten einer Medaille, handelt es sich bei den Kompositionen des Saxophonisten doch um fixierte Improvisationen, die seinen Mitmusikern den Weg zu Improvisation und Interaktion - also Realtimecomposition im wahrsten Sinne des Wortes - ebnen. Ob Florian Weber dabei am Flügel ein abenteuerliches Netz aus Sequenzen und fugato bzw. kanonisch entwickelten Motiven ausbreitet, Jens Heisterhagen am Bass und Christian Schoenefeldt am Schlagzeug der rhythmischen Textur eine straight ahead oder eher offen pulsierende Richtung geben, oder der Bandleader sein Saxophon ›höchstgradig expressiv und virtuos‹ (Zitat aus der Laudatio zum Internationalen Jazzwettbewerb Granada 2004), bisweilen aber auch melancholisch-verhangen erklingen lässt - das erwächst aus dem musikalischen Moment, und gestaltet sich von Abend zu Abend extravaganter. Innovativer Modern Jazz par excellence. Composition and improvisation – in the Volker Winck Quartett, this is no contradiction in terms: more like two sides of the same coin, because the saxophonist’s composition are set improvisations that pave the way for his fellow musicians to improvise and interact – i.e. real-time composition in the true sense of the word. Whether Florian Weber disperses an adventurous web of sequences and fugato or canonic themes on the grand piano, whether Jens Heisterhagen on double bass and Christian Schoenefeldt on drums give the rhythmic texture a straight ahead or more of an openly pulsating direction, or whether the bandleader creates ›highly expressive and virtuoso‹ (quotation from the laudatio to the International Jazz Contest in Granada 2004) and occasionally also melancholic/overcast sounds on his saxophone – this evolves out of the musical moment, and becomes increasingly extravagant from evening to evening. Innovative modern jazz par excellence. ÆVolker Winck Tenor/soprano saxophone ÆFlorian Weber Piano ÆJens Heisterhagen Double bass ÆChristian Schoenefeldt Drums

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FEIERABEND

Der EMAF Feierabend bringt einen respektlosen Stilmix auf die Bühnen und an die Plattenteller. Am Donnerstagabend fischt im ›Glanz und Gloria‹ ab 23h DJ Dom Thomas vom LabelFinders Keepers im Fundus der vinyllastigen Musikgeschichte nach altbekannten Klängen aus Jazz, Folk und Funk und bastelt geniale Retro-Klangmuster, in die sich auch orientalische Sounds wie selbstverständlich einfinden. Mit eigener Clubnacht in Manchester und auf internationalen Tourneen wird Dom Thomas sein Material einer tanzwütigen Meute vor die Füße werfen. Am Freitagabend geht es beim EMAF-Feierabend ab 23h im ›Five Elements‹ unter der Lichtkuppel des imposanten, zwölf Meter hohen Ringlokschuppens mit Mikro Machine und DJ Stylwarz aus Hamburg weiter. Sie gehören zur ersten Generation der deutschen Hip Hop DJs. Oldschool, Nuschool, Mash Up, Funk, Rock und dazu ein Herz aus Soul werden auf Links gedreht bis die crowd durchdreht. Am Samstagabend wird dann ab 23h mit ›The Smack‹ im ›Glanz und Gloria‹ bis in die Morgenstunden weitergefeiert. Mit Schlagzeug, Bass, Synthesizer entsteht treibend energetischer Minimaltechno, mit allem, was dazugehört. Handgemachten Techno spielen heißt, als Tanzband vor einem tanzwütigen Feinschmeckerpublikum zu bestehen, und das können The Smack. The after-work party brings an irreverent mixture of styles onto the stage and turntables. Thursday night, DJ Dom Thomas of the label Finders Keepers will dive deep into the pool of vinyl-heavy music history for well-known sounds from jazz, folk and funk from 11p.m. in ›Glanz und Gloria.‹ He’ll create brilliant retro sound patterns in which oriental sounds also feel at home. With his own club night in Manchester and on internationals tours, Dom Thomas throws his material at the feet of dance-crazy crowds. The EMAF after-work party continues with Mikro Machine and DJ Stylwarz, from Hamburg, from 11 p.m. Friday night in ›Five Elements‹, beneath the dome light of the imposing, twelve-metre high roundhouse. They belong to the first generation of German hip hop DJs. Oldschool, Nuschool, Mash Up, Funk, Rock and, to boot, a heart of soul will be turned inside out till the crowd goes crazy. From 11 p.m. Saturday night, the party continues into the early hours with ›The Smack‹ in ›Glanz und Gloria‹. Driving, energetic minimal techno, with everything you expect and more, is created by drums, bass and synthesizer. For a dance band, playing hand-made techno means surviving a discerning, dance-crazy audience, which The Smack excel at.

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

MASH UP AND MORE - EMAF-AUSSTELLUNG 2010 Hermann Nöring

Die Ausstellung des European Media Art Festival zeigt einen Überblick über das jüngste vielfältige Schaffen internationaler Medienkünstler. Neben aktuellen Arbeiten unterschiedlicher Mixed-Media-Skulpturen werden bis zum 24. Mai in einem Schwerpunkt zum Festivalthema MASH UP Werke präsentiert, die das ironische Spiel mit der Neu-Verwertung gefundener Materialien vorantreiben. Denn der Re-Mix des Gerölls aus dem Steinbruch der Medien hat sich zu einer weitverbreiteten Kulturtechnik der kreativen Adaption und zum Grundprinzip der Kultur im digitalen Zeitalter entwickelt. Im kulturellen und künstlerischen Bereich werden die Möglichkeiten und problematischen Entwicklungen sehr genau beobachtet. Die Konzepte, Werke und Positionen, die sich mit der Gegenwart der alltagsumspannenden Netze auseinandersetzen sind vielfältig. Neben den anfänglich euphorischen und die Perspektiven begrüßenden Standpunkten haben immer mehr kritische und warnende Stimmen die Meinungsführerschaft errungen. Vorrangig wird aber das Potential der Inhalte und der technischen Strukturen der nicht mehr ganz so ›Neuen Medien‹ ausgelotet und mit ihm gespielt, ohne eine Bewertung in den Vordergrund zu stellen. Viele Kunstschaffende, Medienkünstler und geniale ›Bastler‹, Theoretiker und Aktivisten greifen dabei auf bereits vorhandene Arbeiten und Konzepte zurück, verhandeln die Geschichte des sie interessierenden Bildkosmos und komponieren aus den dort existenten Impulsen, Fragmenten und Ansätzen neue, weiterreichende Werke. Diese Genese bzw. Evolution aus Bezügen und Zitaten ist wesentliches Merkmal der Kunstgeschichte und der Kulturentwicklung. Cicero gilt als der Eklektiker griechischer Ideen; ebenso versichern sich die Renaissance und nachfolgende Epochen ständig der Antike. Bilder galten als Abbilder bereits vorhandener Werke, die einer Mimesis bzw. einer Transformation unterzogen wurden. Erst das 19.Jhrh. sucht das Authentische, die Wahrheit im Künstler-Ich, die Unmittelbarkeit der Naturerfahrung, das Unverwechselbare des Originals. Die frühen Avantgarden des 20.Jhrh. radikalisieren mit Zeitungscollagen, Ready-Mades, Photogrammen und MusiqueConcrete den Werkbegriff und konstruieren in ungewöhnlichen Verbindungen von vorgefundenen Materialien Neues. Nun wird der Kontext entscheidend, dessen Faktor die Pop-Art noch einmal steigert: erst die Präsentation im Museum macht ein Produkt der Warenästhetik zum Kunstwerk. Die digitale Epoche setzt noch eins drauf: Die Copy-Paste-Kultur entwertet den Begriff vom Original komplett. Im Zeitalter der spurenlosen digitalen Reproduktion ist alles dem Manipulationsvorbehalt ausgeliefert, da die Authentifikation, die Feststellung einer Urheberschaft nicht mehr möglich erscheint. Alles Digital-Verfügbare kann zum Material einer neuen Arbeit werden. Alles ist Konstruktion - der Konstruktivismus erlebt einen Daseinshöhepunkt und erschafft eine Welt in Selbst-Referenzialität. Der Künstler kreiert eine neue Form aus vorhandenen Grundelementen. Er verweist damit sowohl darauf, dass die Gesellschaft von bestimmten Kräften gemacht ist, als auch auf die Tatsache, dass die Wahrnehmung der Kunst und der Welt konstruierbar ist. Nicht die Rekonstruktion oder Kopie eines bewunderten Artefaktes ist sein Ziel, sondern er will im Zitatenschatz neue Referenzen setzen und Dialoge bzw. Kontroversen ermöglichen.

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Eng verknüpft mit der Collage ist das Spiel, der lustvolle, zwangfreie Umgang mit Materialien, Elementen und Fragmenten, die der Steinbruch der menschlichen Kultur anbietet. Erst im Spiel wird man ganz Mensch, weiß Schiller, der zweck›lose‹ Freiräume für die Kunst fordert, um offene Kunstwerke möglich zu machen. Sie sollen durchaus auch Reflexion und Diskurs einbeziehen, wobei die Ironie ein wichtiges Stilmittel, so F. Schlegel, wird. Sie rückt die Aussage in eine reflektorische Distanz. Ein weiterer Aspekt ist die zunächst augenscheinliche Disparatheit der gesuchten Elemente, die in einer Kontextverschiebung mit neuem Sinn ›aufgeladen‹ werden. Für Max Ernst ist die Collage-Technik ›die systematische Ausbeutung des zufälligen oder künstlich provozierten Zusammentreffens von zwei oder mehr wesensfremden Realitäten auf einer augenscheinlich dazu ungeeigneten Ebene - und der Funke Poesie, welcher bei der Annäherung dieser Realitäten überspringt‹. Mash Up, der Spaß an und das ironische Spiel mit der De- und Re-Konstruktion, der Bricollage und der erneuten Kontextualisierung, wird durch die günstige Verfügbarkeit leistungsfähiger Computer zum verbreiteten Vergnügen. Mash Up hat sich als Kulturtechnik filtriert, mit der es möglich wird, dem vermeintlichen Chaos der überkomplexen Welt der Information, der Bilderströme und der Partizipationsumklammerung ein eigenes Produkt und eine Poesie der Funktionslosigkeit hinzuzufügen oder sogar entgegenzusetzen. Bei aller Lust am Medienmosaik haben doch einige Künstler eine große Virtuosität und eine eigene Handschrift entwickelt, die der Collage und Dada des 21. Jahrh., dem Mash Up, verschrieben ist. The exhibition at the European Media Art Festival gives visitors an overview of the latest array of creations by international media artists. In addition to current works containing various mixed-media sculptures, the subject of the festival will focus on MASH UP works, which will be on show until 24 May. These works advance the ironic game involving the reuse of found material. After all, re-mixing boulders from the quarry of the media has evolved into a widespread cultural technique of creative adaptation and the fundamental principle of culture in the digital age. Mash up, having fun with and ironically playing with de- and re-construction, bricollage and renewed contextualisation, has evolved into a popular enjoyment, thanks to the easy availability of powerful computers. Mash up has filtered itself into a cultural technique that can be used to add one's own product and poetry of dysfunctionality or even oppose the supposed chaos of the overcomplex world of information, floods of images and participation strangleholds. In the desire to create media mosaics, however, a number of artists have developed great virtuosity and their own style, committed to the collage and Dada of the 21st century – mash up.

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

THE TABLE TURNING Ruben Bellinkx

Ruben Bellinkx 16mm-Film-Installation ›The Table Turning‹ zeigt auf drei Leinwänden einen Tisch, den vier Schildkröten tragen. In gemeinsamer und gegenseitiger Anstrengung setzen diese das Möbel in Bewegung. In klaren, schönen Schwarz-Weißbildern und in unterschiedlichen Perspektiven aufgelöst, präsentiert der Künstler diese zwiespältige Szene einer Beziehung zwischen den Tieren und dem Alltagsgegenstand des Menschen. Festgezurrt an die Beine des Tisches, gibt es für die Panzertiere kein Entrinnen im tragisch-ausweglosen Kampf gegen die Domestizierungsbemühungen. Die Natur im Ringen mit der Kultur. Oder ist das Gegenteil der Fall? Denn die Schildkröte steht ebenso für den Beginn aller Ordnung. In der Symbolik amerikanischer Urvölker trägt die Schildkröte die Welt; und auch in einigen asiatischen Ursprungsmythen hebt sie die Erde aus den Fluten des Chaos. Demnach ist sie die aktive Basis einer zivilisatorischen Dynamik. So gesehen, zeigt Ruben Bellinkx eine durchaus versöhnliche Variante der großen Menschheitserzählung. (Hermann Nöring) Ruben Bellinkx's 16mm film installation ›The Table Turning‹ shows a table bearing four tortoises on three screens. With joint, mutual forces, they manage to set the furniture in motion. In clear, beautiful black-andwhite images, broken up into different perspectives, the artist presents this ambivalent scene of a relationship between animals and the everyday object of humans. Tied to the legs of a table, the shelled animals are unable to escape from the tragic, hopeless battle against efforts to domesticate them. Nature wrestling against culture. Or is it the other way around? After all, the tortoise also stands for the beginning of order. In the symbolism of Native Americans, the tortoise bears the world. In some Asian myths of origin, too, it raises the earth out of the floods of chaos. According to these tales, they are the active basis of civilised dynamics. As such, Ruben Bellinkx presents a quite conciliatory variant of the great story of mankind. (Hermann Nöring) Ruben Bellinkx, *1975 in Wilrijk / Belgium. He lives and works in Brussels, Belgium. Currently guest Professor at KASK, University college Ghent, department of Fine Arts (Drawing). He studied at Higher Institute for Fine Arts, Antwerp; Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam; St. Lucas Institute, Gent ÆRuben Bellinkx ÆBelgium, 2006 Æ16mm film, loop, 3 projections, dimension variable

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DIES IST KEINE ÜBUNG Heiko Beck

›Dies ist keine Übung, weil jetzt mit dem Selbstmitleid, dem Gejammer und den Ausreden Schluss ist.‹ Heiko Beck zeigt Textinstallationen im öffentlichen Raum, auf Bahnbrücken und auf der Stadtbibliothek am Markt in Osnabrück. In der Kunsthalle wird er darüber hinaus eine multimediale Arbeit aus Texten, Cut-Outs, Fotos und Videos präsentieren. Mit kurzen Textbotschaften trägt Heiko Beck seine Gedanken in den öffentlichen Raum der Städte. Im Gegensatz zu den vermeintlich privaten Kurzmitteilungen wie SMS-Botschaften oder Twitter-Tweets hängt er in seinen Aktionen große Buchstaben über stark frequentierte Straßen oder an emblematischen Gebäuden wie dem Essener ›Zollverein‹. Oder er mischt sich mit Tafeln und Figuren in stadtpolitische Entscheidungsprozesse ein, wie mit seiner Intervention zur Planung eines Rheintunnels in Köln. Mit kleinen Eingriffen verändert er gewohnte Umgebungen, indem er Stadtmöbel wie Glascontainer oder Telefonzellen verschönert. Heiko Becks Messages entstehen oftmals spontan, kurz bevor er sie aus Holz oder Styropor ausschneidet. Sie leben vom Augenblick und fordern gerade wegen ihrer Unmittelbarkeit einen zwischenmenschlichen Dialog. Seine schlauen Sätze, Gemütsäußerungen, großartigen Sprüche oder auch direkte Aufforderungen zielen eher auf den Konsens der Gemeinschaft, als dass sie zum Widerspruch reizen. Wie andere ›situationistische‹ Bestrebungen verfolgt er den gesamtkünstlerischen Ansatz, die Kunst mit dem Leben zu versöhnen. ›This is not an exercise, because now that's that with the self-pity, the whinging and the excuses.‹ Heiko Beck places text installations in public spaces, on railroad bridges and on the central municipal library in Osnabrück. In addition, he will present a multimedia work comprising texts, cut-outs, photographs and videos in the Kunsthalle. Heiko Beck transposes his thoughts to the public spaces of cities in short text messages. In contrast to supposedly private short messages, such as text messages or Twitter tweets, in his works he hangs large letters above busy roads or on emblematic buildings such as the ›Zollverein‹ in Essen. Or he interferes in urban-policy decision-making processes using boards and figures, as with his intervention in the planning for a Rhine tunnel in Cologne. He alters familiar surroundings with minor interventions by embellishing urban furniture, such as bottle banks and telephone booths. Heiko Beck's messages are often created spontaneously, shortly before he cuts them out in wood or polystyrene. They live from the moment and, precisely because of their directness, promote interpersonal dialogue. His clever sentences, expressions of the mind, fantastic slogans and direct requests aim to gain the consensus of the community rather than to provoke. Like other ›situationist‹ endeavours, he pursues the holistic artistic approach in its entirety of reconciling art with life. Heiko Beck, * 1973, studied Communication Design in Hamburg and Düsseldorf. Since 2006 co-operation with Valentin von Vacano as ›Dies ist keine Übung / This is not an Exercise‹. Selected solo and group shows: 2009: colourblind Gallery, Cologne; Contemporary Art Ruhr, Essen; Berliner Kunstsalon, Berlin; ich-bin-ein-blickfang, Düsseldorf; Tease Art Fair, Cologne; 2008: EL-DRAC, Cologne; PAL Bar, Cologne. Since 2005 text boards in public spaces at Art Basel, Art Cologne, Bambi award ceremony, Düsseldorf, Zeche Zollverein, Essen, to name a few. ÆIn der Stadt an Brücken und auf der Stadtgalerie ÆHeiko Beck ÆGermany, 2010

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

CADAVRE EXQUISES VIVANTES BitteBitteJaJa (Ulu Braun & Roland Rauschmeier)

Das Künstler-Duo BitteBitteJaJa fügt aus Spielfilmen und TV-Dokumentationen digitale Körperformen zu Collage-Portraits zusammen und präsentiert diese in einem fünffachen Video-Altar. Die ›Cadavre Exquises Vivantes‹ sind als knapp über dem Boden schwebende Frankenstein'sche Monster, oder auch als hybride Propheten der modernen digitalen Welt zu lesen. Sie beziehen sich auf André Breton’s surrealistischen Satz ›Le cadavre exquis boira le vin nouveau.‹ Abwechselnd, aber ohne zu wissen welche Arbeitsbereiche der Andere auswählte, komponierten sie Fragmente von Filmpersonen, -szenen, und -landschaften zu filmischen Figuren, die abseits filmischer Realitäten existieren. Es treten auf: Kaspar Hauser, Henri Becquerel, Erasmus von Rotterdam, Felix Mendelssohn und Daphne. BitteBitteJaJa ist der Zusammenschluß von Ulu Braun und Roland Rauschmeier, die seit 1997 an gemeinsamen Projekten arbeiten. Im Zentrum ihrer künstlerischen Praxis steht die Auseinandersetzung mit dem Phänomen des Alltags. Durch ihren spontanen, performativen und integrativen Einsatz aller Medien findet eine poetische Umdeutung des sozialen Dramas statt: Wo kommen wir her, wo gehen wir hin, was ist los? Unbeeindruckt von inhaltlicher Kritik und formaler Dekonstruktion produziert BitteBitteJaJa Arbeiten, die falsche Hoffnungen, künstlerische Einöde und intellektualisierende Blockadehaltungen ignorierten. The artist duo BitteBitteJaJa merges digital physical shapes from feature films and TV documentaries into collage portraits, which they present in a quintuple video altar. The ›Cadavre Exquises Vivantes‹ can be detected as Frankensteinish monsters floating just above the ground or as hybrid prophets of the modern digital world. In the exhibition will be present: Kaspar Hauser, Henri Becquerel, Erasmus von Rotterdam, Felix Mendelssohn and Daphne. BitteBitteJaJa’s filmic Cadavres Exquises Vivantes reference André Breton’s surrealist phrase ›Le cadavre exquis boira le vin nouveau.‹ Taking turns, and without knowing which segment of film the other has chosen, Roland Rauschmeier and Ulu Braun compose horizontal film fragments as moments of person, plot, and landscape into film portraits. The result is a Frankenstein monster, a true sur-realité that goes beyond the reality of the film. BitteBitteJaJa is an artistic duo that started working together in 1997. Their work deals with the phenomena of everyday life. Through their spontaneous and integrated use of all media, almost in the way of a performance, they create a poetic interpretation of social drama: Where do we come from? Where are we going? What is going on? Unimpressed by criticism and formal deconstruction they create art that ignores false hopes, artistic boredom and intellectual blockades. BitteBitteJaJa, collaboration of Roland Rauschmeier and Ulu Braun, working together since 1997. Ulu Braun: Residing in Berlin, Vienna and Helsinki. Sudies of painting, concept art and film at the Academy of Fine Arts, Vienna, Academy of Fine Arts, Helsinki, Film & Television Academy, Potsdam Roland Rauschmeier: * 1974, residing in Vienna. Studies analytical philosophy in Munich and Berlin, painting and graphics at Akademie der bildenden Künste Vienna. ÆUlu Braun & Roland Rauschmeier ÆGermany, Austria, 2010 Æ5 players, 5 monitors up-right

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STARRY STARRY NIGHT Yun-Ju Chen

Die taiwanesische Künstlerin Chen Yun Ju möchte mit ihrer Installation ›Starry, Starry Night‹ den Blick der Öffentlichkeit auf Umweltprobleme richten. Die fünf sphärischen Objekte symbolisieren die fünf Kontinente. Gespeist von Blogs, Foren oder anderen web 2.0 Seiten werden die Objekte entweder größer oder kleiner, je nach dem, ob mehr umwelt-positive oder -negative Nachrichten dort veröffentlicht werden. Per Google AJAX Search API werden Foren, News und Blogs in Chinesisch, Englisch, Französisch, Deutsch und Japanisch nach Umweltnachrichten ausgewählt. Das Vorkommen von Stichworten wie Erderwärmung, Flutkatastrophe, Dürre, Wirbelstürme und Erdbeben vergrößert die fünf Objekte, die die Umweltlast der Kontinente symbolisieren. Hingegen verlieren die Objekte an Volumen wenn positive Nachrichten nach den Stichworten Energiereduktion, CO2-Minderung, grüne industrielle Anstrengungen oder reduzierter Fleischkonsum die Installation erreichen und damit ein weltweit verminderter Umweltdruck dokumentiert wird. With her installation ›Starry, Starry Night‹, the Taiwanese artist aims to steer the public's attention towards environmental problems. The five spherical objects symbolise the five continents. Fed by blogs, forums and other Web 2.0 sites, the objects either increase or diminish in size, depending on whether more positive or negative news regarding the environment is published there. Chinese, English, French, German and Japanese will be used for these installations. Through Google AJAX Search API, the environmental issues related news, blogs and forums are selected. When getting negative news, such as global warning, floods, droughts, hurricanes, tornados, and earthquakes, the installations will be inflated symbolizing the burdens the globe has borne. On the other hand, the installations will be deflated when getting positive news such as energy saving and carbon reduction, green energy industry, alternative energy and International Meat Less Day. This refers to less impact on the earth. Yun-Ju Chen: * 1980 in Taipei, Taiwan. Studied graduate school of multimedia and arts at National Taiwan University of Arts 2006-09. Often based on the concepts of female experiences, describing females' their own emotions. In 2009, she won the Special Jury Award at the ›Bains numriques #4 International Digital Arts Festival of Enghien-les-Bains‹, and selected by ›Argentina SEASON VI 404 FESTIVAL‹. In 2010, she was invited to perform at ›10TH ANNIVERSARY Edith Russ Site for Media Art‹. And now she stay in Germany for 2 months artist-in-residence at Edith Russ Site. ÆYun-Ju Chen ÆTaiwan 2010 ÆIn Co-operation with: Edith Russ Site for Media Arts, Oldenburg

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

LIGHTHOUSE Luc Coeckelberghs

Für seine Lichtinstallation hat der Maler und Lichtkünstler Luc Coeckelberghs die Wände eines Containers durch Plexiglas ersetzt, das starkes weißes Licht ausstrahlt. Da alle Konstruktionsteile hinter dem milchigen Glas und in der weissen Strahlung verschwinden, verliert das Gebilde jede Materialität zu Gunsten einer skulpturalen Leichtigkeit. Innerhalb des geschlossenen Raumes der Lichtinstallation kann der Besucher ein intensives Farblichterlebnis erfahren. In den hohlen Wänden der Metallstruktur befinden sich blaue, rote und grüne LED, deren Licht im Minuten-Rhythmus zu mehr als 16.000 Farben gemischt wird. Der Raum und die Besucher werden von durchdringendem Licht überflutet, das sich langsam aber stetig farblich wandelt. Luc Coeckelberghs sieht seine Lichtkunst als Fortsetzung seiner Malerei. Auf der Bildleinwand überlagert er wiederholt zweidimensionale Farbfelder und monochrome Flächen und belässt die einzelnen Schichtungen dennoch farblich durchlässig. Daher spricht er in Bezug auf seine Lichtarbeiten auch weniger von Lichtskulpturen, sondern verweist auf den zweidimensionalen Charakter ihrer Lichtwirkung. For his light installation, the artist replaced the walls of a container with frosted glass that radiates strong white light. The outside of the Lighthouse is extremely white. It is statically lit with white TL light. The TL lighting is hidden behind a translucid synthetic sail so that the fittings are not visible. On account of the extremely white light at the outside the pavilion loses its materiality and gets a sculptural dimension. LightHouse consists inside of walls of Plexiglas. Inside the closed space of the light installation, visitors can experience an intense display of coloured light. The LED lighting is worked into the hollow walls, brushes the translucid Plexiglas and colours it. Red, green and blue LED are mutually and in terms of percentage mixed to more than 16.000 shades to enable a perception and experience of colours. So the colour, or rather the coloured light, is continuously changing. Luc Coeckelberghs views his light art as a continuation of his painting. He repeatedly superimposes two-dimensional patches of colour and monochrome areas on the screen, but nevertheless leaves the individual layers permeable in colour. Consequently, with regard to his light works, he therefore, refers less to light sculptures than to the two-dimensional nature of their light effect. Luc Coeckelberghs, * 1953 in Meensel-Kiezegem, Belgium, lives & works at Meensel-Kiezegem. ÆRathausmarkt, Osnabrück, 15.-25.April 2010 ÆLuc Coeckelberghs ÆBelgium, 2009 Æcontainer with LED, perspex, vinyl, DMX-equipment, computer; 390 x 280 x 800 cm)

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GREENHOUSE Stefan Demming

Geräte und Materialien aus dem Baumarkt, Plastikkitsch und Alltagsgegenstände nutzt Stefan Demming oftmals in seinen installativen Arbeiten. Aus ihren gewohnten Zusammenhängen entführt, aber dennoch in ihren eigentlichen Kontexten wieder zusammengefügt, entlockt er ihnen hintergründigen Witz. Natürlich gehören Pflanzen in ein Treibhaus; und selbstverständlich werden Flächen von ihren Resten mit Gebläsen gereinigt. Wachsen aber viel zu kleine, aufblasbare Plastikpalmen und gigantische Gemüse in einem abstrus engen Glashaus, entwickelt sich nicht nur ein absurdes Bewegungsspiel. Die prall mit Luft gefüllten Objekte sind auch ein Kommentar über unsere zivilisatorische Nahrungskette und zu heutigen Konsumgewohnheiten. Stefan Demming interpretiert mit seiner Gewächshaus-Installation die industrialisierte Gemüseproduktion als Choreographie künstlicher Pflanzen. Laubbläser lassen Bäume und Früchte in Sekundenschnelle wachsen, für kurze Zeit gut aussehen und dann wieder in sich zusammenfallen. Riesen-Zucchini und Plastikpalmen werden zu Konkurrenten im Wachstumsrennen. Stefan Demming often uses equipment and material from DIY stores, plastic kitsch and everyday objects in his installation works. Far removed from their usual contexts and yet reassembled in their actual ones, he elicits humour from them. Of course plants belong in a greenhouse; and it goes without saying that surfaces are cleaned using blowers. But when far too small, inflatable plastic palms and gigantic vegetables grow in an absurdly cramped hothouse, it is not only an absurd activity game that evolves. The over-inflated objects are also a comment about our civilising food chain and today's consumer habits. With his greenhouse installation, Stefan Demming interprets industrialised vegetable production as choreography of artificial plants. Leaf blowers make trees and fruit grow in a matter of seconds; they look lovely for a short while, and then collapse. Giant courgettes and plastic palm trees become rivals in the growth race. Stefan Demming, *1973, lives and works in Berlin. He studied Fine Art and History in Paderborn (D), Le Mans (F), at Bremen University (D) and at Bremen Academy of Art under Jean Francois Guiton. He was awarded the German Video Installation Prize, Marl, 2000 (D), Bremer Förderpreis für Bildende Kunst, OLB-Medienkunstpreis at European Media Art Festival and a DAAD Travel Grant. Solo exhibition at Galerie im Park, Bremen, 2002 (D), Neues Museum Weserburg Bremen, 2003 (D), Casa del Lago, Mexico City, 2007 (MEX) and Galerie 149, Bremerhaven, 2008 (D), Kunstraum, Tosterglope, 2009. Participation in exhibitions at European Media Art Festival, Osnabrück, 2002, 2008 (D), Villa des arts, Casablanca, 2003 (Morocco), Simultanhalle Köln, 2004 (D), Waterpieces, Riga, 2005 (LT), Galerija Akademia Vilnius (LI), 2005 Lothringer 13, Munich (D), 2006, Kunstverein Hannover (D) 2006, Kunsthalle der BRD, Bonn (D) 2007, Museum Macay, Merida (MEX), 2007, Noass/ öffentl. Raum, Riga (LT), 2008; Contested Ground, Projectspace 176, London (UK), 2009. ÆStefan Demming ÆGermany 2008 Ægreenhouse, inflatable plastic plants, motors, fans

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

TRI-GER Eitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann

Das Triptychon zeigt eine Videotrilogie auf drei Monitoren mit drei Geschichten von Kriegserfahrungen dreier Männer aus drei Generationen einer Familie. In einer Puppenshow, einer Performance und in einem Marsch werden moralische Fragen verhandelt, die die drei Charaktere vereinen. Im ersten Teil wird die Geschichte des stolzen Großvaters des Künstlers erzählt, der erfährt, dass seine Frau am gleichen Tag in ein Krankenhaus eingeliefert wird, an dem er einen Feind erschoss. Sie gebar einen Sohn, den Vater des Filmemachers. Die Geschichte der zweiten Generation wird als Tanzfilm über die gefallenen Helden der Nation präsentiert. Der Künstler trägt den Namen eines dieser Helden: sein Onkel gab sein Leben. Jetzt ist es die Aufgabe seiner Generation, den Gefallenen die Ehre zu erweisen. Im letzten Teil spielt der Regisseur einen Marsch auf einem Schlagzeug mit einer Gehässigkeit, die den Stolz seiner Mutter verletzt. Sie zog ihn alleine groß, da sein Vater früh starb. Nun dient er in einer Spezialeinheit, was sie zunächst ablehnt, dann aber akzeptiert. Sie sprachen nie darüber, bis er für die Rettung eines Kameraden ausgezeichnet wurde. Die Mutter weint, obwohl er dieses verhindern möchte. In this trilogy, the filmmaker sketches his turbulent family history - heavily influenced by experiences on the battlefields - on the basis of three stories. The first part tells the story of the filmmaker's proud grandfather, who heard that his wife had been admitted to the hospital on the same day he shot an enemy dead. She gave birth to a son - the filmmaker's father. The story of the second generation takes the form of a dance film about the fallen heroes of the nation. The filmmaker was named after one of these heroes, his uncle, who gave his life for the cause; now it is up to the next generation to honor the names of the fallen. In the third and last part, the director sits behind his drum kit, playing a strict military march with venom. In doing so, he mercilessly destroys the pride of his mother, who brought him up alone as his father died young. Her son wants to fulfill his military service with the Special Forces. She is against this, but eventually agrees. They never discuss it, until he is awarded a medal for saving a comrade. The filmmaker's mother cries, even though he doesn't want her to. Eitan Efrat, * 1983 in Tel Aviv, Israel. lives and works in Amsterdam, video artist and musician. He currently studies at the Audio-Visual department (VAV3), at The Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam, The Netherlands. Sirah Foighel Brutmann, * 1983 in Tel Aviv, Israel, lives and works in Amsterdam, video artist, curator, dancer and choreographer. She graduated a 4 year program of choreography and performance at P.A.R.T.S- performing arts research and training studios, Brussels, Belgium. ÆEitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann ÆIsrael/NL 2009 Æ9min, dvcam / made with the help of STUK, Leuven, Belgium Æ3 monitors, 3 players, 3 pedestals

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MUSIC FROM THE MASSES Matthias Fritsch

Matthias Fritsch stellt selbstproduzierte Musikvideos ohne Tonspur ins Netz mit der Aufforderung, Soundtracks für diese Clips zu produzieren und sie an den Filmemacher zurueckzuschicken. Ueber 100 Versionen, die er bisher aus aller Welt zurückerhielt, sind in seiner Installation zu hören und zu sehen. Neben den Videos der ersten 4 Staffeln zeigt Fritsch auch die neue, bisher unveroeffentlichte Serie mit Sequenzen der Kravalle aus Griechenland. Auf dem EMAF wird M. Fritsch ebenfalls einen Vortrag halten zum Thema ›Kuenstlerischen Strategien im Web 2.0‹. Matthias Fritsch posts music videos without sound tracks he has created on the web with the request to produce music for these clips and to return them to the filmmaker. Over 100 versions, which he received from all over the world, can be seen and heard in his installation. In addition to the videos of the first four series, Fritsch will also show the new, previously unpublished series containing sequences of the rioting in Greece. M. Fritsch will also hold a lecture at the EMAF on ›Artistic strategies in Web 2.0‹. Matthias Fritsch * 1976, lives and works in Berlin. He studied media art at the University of Arts and Design Karlsruhe (HfG) and film, fine art and curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York State. Several short and long movies and media based installations. Recent selected Group shows: 2010: Transmediale, Berlin; Stuttgarter Filmwinter; 2009: Electro Mechanica Festival, St. Petersburg; ISEA 2009 - Symposium on Electronic Art, Belfast; Videonale Bonn; Parallaxe - ZKM, Karlsruhe; Music from the Masses - Badischer Kunstverein, Karlsruhe; 2008: eArts, Shanghai Science and Technology Museum; 2007: YOU_ser at ZKM, Karlsruhe; 100 Tage = 100 Videos - Kunstforeningen GL Strand, Copenhagen; EMAF Osnabrueck; 2006: 100 Tage = 100 Videos - Heidelberger Kunstverein ÆMatthias Fritsch ÆGermany 2002-2010 Æ10 monitors, 10 players, 10 headphones, Internet connection

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EXHIBITION MASH UP AND MORE FRONTIERS. EIN COMPUTERSPIEL, DAS AN DIE GRENZEN EUROPAS FÜHRT FRONTIERS – YOU’VE REACHED THE FORTRESS EUROPE gold extra

Frontiers führt seine Spieler an die Grenzen Europas. Als Flüchtling oder Grenzwache können sie die Grenze und das Leben dahinter von beiden Seiten erleben. Frontiers lässt die dramatische Situation an den Grenzen anhand der Stationen zweier Fluchtrouten nach Europa durchleben. In der Rolle des Flüchtlings oder Grenzsoldaten gelangen die Spieler in die Sahara, an das algerische Hoggar- Gebirge, an den Zaun in Ceuta und an einen spanischen Strand oder in den Norden des Irak, die Bergen der Türkei oder in die Wälder zwischen der Ukraine und der Slowakei. Der Produktion an dem Spiel ging eine intensive Recherchephase zu Hintergründen von Migration und der Situation von Flüchtlingen an den europäischen Grenzen vor allem in Spanien und der Ukraine voraus. Das Team von Frontiers besuchte die spanische Exklave Ceuta, andalusische Städte und die ukrainisch-slowakische Grenzregion um Uschgorod. Zahlreiche Gespräche mit Flüchtlingen, Anrainern der jeweiligen Gegenden, mit Hilfsorganisationen, staatlichen Vertretern oder anderen Medieninitivativen bilden den Hintergrund zum Spiel. Reale Fakten, Orte, Schicksale werden in die Spielrealität übersetzt. Ein hoch brisantes politisches Thema wird so zur Grundlage für das relativ junge Genre des Computerspiels. ›Wir haben bewusst das Medium Computerspiel verwendet, um eine Zielgruppe zu erreichen, die sich sonst wenig mit Politik beschäftigt. Ein Computerspiel ermöglicht es wie kein anderes Medium in eine Situation einzutauchen und diese aktiv zu gestalten‹, meint Karl Zechenter, einer der Produzenten des Spiels. Frontiers is a computer game that enables its players to experience life of both sides of the border. Race for the Moroccan-Spanish fenceline in Ceuta and make it safely to the other side. Should you fail, you’ll find yourself back in the saharan desert with 600 km to go until you make it back to the border. You are a refugee or the border patrol in challenging stations of two routes to Europe: In the Algerian HoggarMountains, before the fence in Ceuta, on a Spanish beach, or in the Iraqi north, the Turkish mountain range or the forest between Ucraine and Slovakia. You must confront a wilderness full of new unknown dangers and use your cunning to understand the motifs of your fellow refugees and patrols who stop to interrogate you. The game encourages unusual approaches to the situation and team-work. gold extra (Adam Donovan, Georg Hobmeier, Sonja Prliæ, Karl Zechenter, Tobias Hammerle) is a group of artists based in Salzburg who have been working since 1998 on the interfaces between theatre, fine arts, new media and music. They have received numerous awards for their works, and were most recently awarded a prize by the Austrian Federal Ministry of Innovative Cultural Work. Ægold extra ÆAustria 2010 Æ2 projectors, 2 computers, monitor, player

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NEOPHONIE Tilman Küntzel

In den Fenstern der Galerie flackern 15 Leuchtstoffröhren, die in ihrem Zündvorgang verharren. Lichtsensoren übertragen das Flackern der Röhren auf 15 Radios, die den individuellen Leuchtrhythmus aufnehmen und je einen Sender wiedergeben. Inspiriert durch die Geräusche der Zündvorgänge von Neonröhren und nach der Natur der Technik, inszeniert Küntzel eine ›Musik für Leuchtröhren‹, die zugleich Klang-, Licht- und Rauminstallation ist. Intermediale Bezüge zum Visuellen und Räumlichen ergeben sich von selbst, da Zündgeräusch und Lichteffekt technisch direkt zusammenhängen, während die räumliche Anordnung teils durch die vorhandene Beleuchtungsstruktur, teils durch hinzugefügte Gruppen bestimmt wird. Ähnlich dem Prinzip der LIGHTS & SOUNDS wird hier ein ursprünglich rein visuell ausgerichtetes Ereignis in den synästhetischen Bereich versetzt. Auch hier findet eine Zweckentfremdung statt, nun jedoch auf anderes gerichtet: auf die Störung, auf das Stadium des Übergangs zwischen zwei regulären Zuständen. Rolf Großmann, 2003 (Aus: MEDIENREFLEXE. Technologie und Medienkritik in den Arbeiten Tilman Küntzels In: Strukturgeneratoren und andere Allegorien, Saarbrücken 2003) In the windows of the gallery, 15 fluorescent tubes that have become stuck in the lighting process are flickering. Light sensors transmit the flickering of the tubes to 15 radios that receive the individual rhythm of the light. Each radio reproduces the rhythm from one tube. Inspired by the sounds of the lighting processes of neon lights and the nature of technology, Küntzel stages ›Musik für Leuchtröhren‹ (music for neon lamps), which doubles up as a sound, light and room installation. Intermedia references to the visual and spatial arise automatically since lighting sounds and light effects are technically directly connected, while spatial arrangement is partly determined by the existing lighting structure and partly by added groups. Similar to the principle of LIGHTS & SOUNDS, an originally purely visually-based experience is placed in the synaesthetic domain. A misuse also takes place here, albeit now geared towards other things: to interference, to the state of the transition between two regular conditions. Tilman Küntzel, *1959, he lives and works in Berlin. Fine Arts at Hochschule für Bildende Künste Hamburg, music science at Universität Hamburg, with Allan Kaprow at University of California, San Diego, California. Winner of Deutscher Klangkunstpreis 2002. Professor at Universität der Künste Berlin. ÆTilman Küntzel ÆGermany 2010 ÆRauminstallation, 15 portable radio receivers, 90 batteries, 15 opto devices, 15 neon tubes ÆIn der Galerie écart, Große Gildewart 23, 15.April – 11. Juni 2010

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

DEFAULT TO PUBLIC – TWEETLEAK / TWEETSCREEN Jens Wunderling

Eine Interventionen in Öffentlichen Raum der digitalen Selbstdarstellung. Auf Aufklebern veröffentlicht Jens Wunderling in ›tweetleak‹ twitter-Nachrichten ihm unbekannter Personen. Die Absender reagieren in der Regel sehr verstört, sobald sie realisieren, dass sie den öffentlichen Status ihrer Mitteilungen gar nicht bedacht haben. In seiner Installation ›tweetscreen‹ projiziert Jens Wunderling Nachrichten, die in der nahen Umgebung der Projektion gesendet wurden. Twitter-User, deren Beiträge auf der Leinwand zu sehen sind, erhalten je eine Antwortmessage mit einem Foto der Projektion mit ihrer Nachricht. Jens Wunderdings Projekt ›default to public‹ thematisiert die Diskrepanz zwischen der Selbstdarstellung von Menschen im Internet und ihrem Anspruch auf Privatheit in der physischen Welt am Beispiel der Microblogging-Plattform Twitter. Diese ermöglicht UserInnen, Einträge über die eigene Person auf unterschiedliche Weise, etwa über Internet oder SMS zu veröffentlichen. Aufgrund der Grundeinstellungen von Twitter sind die meisten Einträge, oft sehr privater Natur, für UserInnen weltweit einsehbar. ›default to public‹ besteht aus einer Reihe von Objekten und Interventionen, in der unsere physische Welt mit der Online-Welt auf unerwartete Weise verlinkt wird, um eine Bewusstwerdung der zunehmenden Selbstdarstellung zu erreichen. Interventions in the field of digital self-exposure and physical privacy using the example of twitter In ›default to public - tweetleak‹, Jens Wunderling publishes twitter messages written by people he doesn't know on stickers. Most of the senders are quite distraught when they realise they've completely disregarded the public status of their messages. ›tweetscreen‹ is a networked projection/installation in public space showing tweets which have been written near it’s own physical location on a large projection screen. The twitter users whose tweets have been chosen receive a reply message aling with the photo taken by a webcam. Jens Wunderding’s ›default to public‹ explores the discrepancy between people’s modes of self-revelation online and their simultaneous desire for privacy in the real world. This project focuses on the micro-blogging site Twitter that enables users to post entries about themselves in a variety of ways—for instance, via internet or SMS. Due to Twitter’s basic settings and conditions of use, most of the entries—often of a very private nature— can be viewed by users worldwide. ›default to public‹ consists of an ongoing series of objects and interventions linking the physical world to the online sphere in unexpected, narrative ways to create awareness of this proliferating self-exposure. Jens Wunderling, * 1979, is a media artist with a professional background in graphic design, living and working in Berlin, Germany. Starting as a graphic designer in a design bureau mainly dealing with printed media and some webdesign, he began studying at the university of the arts, Berlin in 2003. From 2004 until 2008 he was a student of the digital media class of Prof. Joachim Sauter where his focus shifted towards interaction design and interactive art as well as awareness- and critical design. default to public is his graduation project. ÆJens Wunderling ÆGermany, 2009 Æ2 computer, 2 projectors, label printer, Internet connection, misc.

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THE 52 CARD PSYCHO Geoffrey Alan Rhodes

Wie in einem Patience-Spiel legt der Besucher Karten in wechselnder Zusammenstellung auf einen Spieltisch. Je nach Mischung und der gewählten Reihenfolge erscheinen die Einzeleinstellungen der berühmten Duschszene aus Hitchcocks ›Psycho‹ auf der Leinwand und lassen sich zu einem eigenen Video neu zusammenstellen. Durch die Augmented Reality Technologie (AR) untersucht The 52 Card Psycho die einzigartige Architektur kinematographischer Elemente. Als animierte Bildfolge verlieren diese zwar das Privileg der erzählenden Linearität, dabei gewinnt der User aber die Möglichkeit, Kino als die Neu-Zusammenstellung der Einzel-Teile zu erfahren. Rhodes filmische und installative Arbeiten inspizieren die Grenzen zwischen der Illusion des Kinos und der Realität, zwischen dem Foto und dem bewegten Bild, zwischen dem Fluss der Erzählung und der solitären Dauer sowie zwischen dem Performativen und der Abstraktion. As in a game of patience, the visitor places cards on a gambling table in alternating combinations. Depending on the composition and the selected sequence, the individual settings of the famous shower scene from Hitchcock's ›Psycho‹ are projected onto the screen. These can then be reassembled to make one's own video. The 52 Card Psycho project is an exemplar of the unique architecture of cinematic pieces mapped on to the real world, made possible by AR technology. The medium of the animated image, in its wedding with the real world, loses the privileged linearity of the screen, and gives the opportunity to re-perceive cinema as the juxtaposition of its parts. In feature film work, gallery installations, and festival shorts Rhodes made work that inspects the line between the cinematic and the actual, the photo and the moving image, the narrative and the durational, the performative and the structural Geoffrey Alan Rhodes lives in Rochester (USA). He is a filmmaker and installation artist working in upstate New York. His work has been exhibited recently at several art institutions inside and outside the US. ÆGeoffrey Alan Rhodes ÆUSA 2008 Æcomputer, camera, projector, table, cards

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EXHIBITION MASH UP AND MORE THE BIR(D)TH, A.K.A. DIE SCHUDAS RELOADED, ICH LAß DIE BETTEN RUNTER Susanne Schuda

Eine Familiensaga als ästhetisch-politische Disposition. Die computeranimierte Soapopera ›Die Schudas‹ von Susanne Schuda zeichnet das Soziotop einer Familiensaga, die per Internethomepage durch navigierbare Zonen und im Ausstellungskontext interaktiv funktioniert. Es sind Collagen, die Susanne Schuda in ihrem mehrteiligen Projekt ›Die Schudas‹ animiert und deren Produktion aus der Fläche gleichzeitig Schichten ihrer Existenz freilegt. Die bewusst überzeichneten Posen, die gekonnte Animation im Raum spielen unvermittelt mit Elementen des sozialen Designs der Geschichtsschreibung unserer Medienkultur. Defekte soziale Mechanismen und deren Rückkoppelung auf das Medium der Animation legen gesellschaftspolitische Schnittstellen offen. Auch in der sprachlichen Rhetorik und in der Aneignung und Umkehrung visueller medialer Codes spiegelt sich Susanne Schudas Talent als kritische Gesellschaftsanalytikerin wider. Susanne Schuda schreibt ihren ProtagonistInnen eindringliche, prägnante Charaktere zu, so ist Henry Schuda der kreative Part, während die suzidgefährdete Betti selbstzerstörerische Verhaltensmuster zeigt und gleichzeitig Warnsignale gegenüber einer vermeintlich schönen heilen Welt setzt. Wohingegen die Riedls als ihre Nachbarn einer ungebrochenen Wirtschaftsgläubigkeit nacheifern. Die zunehmende Isolation einzelner Individuen, das soziale Disaster, Depression, Ängste, Verdrängungen, und Sex als letzte Zuflucht werden von Susanne Schuda schonungslos visuell und sprachlich miteinander verwoben. Die hybride Gestaltung der ProtagonistInnen lässt sie als MutantInnen ihrer emotionalen Ausnahmezustände erscheinen. Angst als Vitalisierungselement, als Lebenselixier, Angst, die uns aufzufressen droht und uns gleichzeitig wie eine Mutter nährt - mit ihren akribisch durchkomponierten Animationen wagt sich Susanne Schuda an Tabuthemen, zoomt uns in ihren interaktiven Videos heran an die Familie der Angst. Angst wird zum Thema von Aufwärmung und Verdrängung und gleichzeitig zur sportlichen Disziplin. Jenes Geschäft mit der Angst, aus dem sich Medien, Politik und Wirtschaft bedienen, gerät hier zur Angriffsfläche. Die Transformation von Kommunikationsgewohnheiten und die kritische Analyse unserer Existenz als MedienkonsumentInnen ist unter anderem ein diskursiver Aspekt der Medienkunst von Susanne Schuda. Die Rhetorik in den Texten und der Bildanimationen baut auf der Vorstellung von einer Art virtueller Verschmelzung zwischen Ich und dem Anderen bei der Produktion von digitaler Kunst auf. In ihrem Einsatz medienkünstlerischer Mittel vermag Susanne Schuda deren Potential optimal zu nützen und der Gefahr eines entpolitisierten Kunstverständnisses entgegen zu wirken. Ursula Maria Probst, 2008 A family saga as an aesthetic/political disposition. The computer-animated soap opera ›Die Schudas‹ by Susanne Schuda portrays the sociotope of a family saga that functions interactively via the internet homepage using navigable zones and in the context of the exhibition. They are collages that Susanne Schuda animated in her multi-part project ›Die Schudas‹, the production of which simultaneously reveals layers of their existence from the surface. The intentionally over-the-top poses, the skilful animation in the space play unexpectedly with elements of the social design of our media culture's historiography.

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Defective social mechanisms and their feedback to the medium of animation disclose socio-political interfaces. Susanne Schuda's talent as a critical societal analyst is also reflected in the linguistic rhetoric and in the acquisition and reversal of visual media codes. Susanne Schuda ascribes striking, succinct characters to her protagonists. Thus Henry Schuda is the creative part, while suicidal Betti demonstrates self-destructive patterns of behaviour and simultaneously sends warning signals to a supposedly beautiful, unspoilt world. Whereas their neighbours, the Riedls, emulate unfailing faith in the economy. The increasing isolation of individuals, the social disaster, depression, anxieties, repressions, and sex as the last refuge are visually and linguistically interwoven by Susanne Schuda with ruthlessness. The protagonists' hybrid form makes them appear as mutants of their emotional states of emergency. Fear as an element of vitalisation, as the elixir of life, fear that threatens to consume us and that simultaneously feeds us like a mother - with her meticulously composed animations, Susanne Schuda dares to approach taboo subjects, zooming us in to the family of fear in her interactive videos. Fear becomes the subject of warming-up and repression, and a sports discipline at the same time. The business in fear, of which the media, politics and the economy avail themselves, becomes vulnerable to attack here. Amongst other things, the transformation of communication habits and the critical analysis of our existence as media consumers is a discursive aspect of Susanne Schuda's Media Art. The rhetoric contained in the texts and graphic animations is built on the idea of a kind of virtual blending of me and the others in the production of digital art. In her use of the methods of Media Art, Susanne Schuda is able to make optimum use of their potential and to counteract the danger of a depoliticised appreciation of art. Ursula Maria Probst, 2008 Susanne Schuda, *1970, degree in Digital Art , University for Applied Arts, Vienna with Peter Weibel, Valie Export, Karel Dudesek; works in the field of video, web und digital photomontage, art in public space, installation; public art together with Florian Schmeiser Selected Exhibitions: 2009: Gallery Dana Charkasi; Vienna, Red Gate Residency, Beijjng; medianoche, New York; Studio der Neuen Galerie Graz; 2008 Passagegalerie, Vienna 2007 Gallery Dana Charkasi, Vienna; Galerie link, Edinburgh; Dana Center, London; 2006: ›Preview‹ Berlin; 2005: ega-lounge, Vienna chudas‹, ÆCollage, Animation, 3D, projector, computer ÆAustria 2007-2008 ÆText und Regie: Susanne Schuda ÆMusik: Florian Schmeiser ÆProgrammierung: Christoph Fuchs ÆTextdramaturgie und Lektorat: Nehle Dick ÆSprecher: Christian Rainer ÆSprecherin: Monika Maria Pawel ÆDas Projekt wurde unterstützt von: Medienbeirat des BMUKK und Netzkultur MA-7, Wien

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EXHIBITION MASH UP AND MORE WIE ICH LERNTE, DEN GROSSEN AUGENBLICK DER ERKENNTNIS DURCH EIN SCHLICHTES ›ACH SO!‹ AUFZUWERTEN (HOW I LEARNED TO ENHANCE THE BIG MOMENT OF REALISATION BY A SIMPLE ›OH, I SEE!‹) David Sarno & Tobias Hermann

Die Echtzeit-Inszenierung von Kamera, Monitor und Mensch lässt den Betrachter zum unwissentlichen Protagonisten im eigenen Erkenntnisprozess um Abbildhaftigkeit und Präsenz werden. Während der Betrachter versucht, von der unmittelbar vor ihm platzierten Kamera wahrgenommen zu werden, bleibt sein Abbild konsequent unsichtbar. Es entsteht eine Brechung der Kontinuität, der Erfahrung, die sagt, wo eine Kamera und ein Bildschirm steht, sei ein Abbild gegeben. Dabei geht es um mehr als um die Melancholie des durch Technik und Virtualität entfremdeten Menschen, immerhin sind die Abbilder bestimmter Personen zu erkennen. Die Aufteilung der einzelnen Betrachter, also eine Regulierung von Raum und Zeit der Identitäten ordnet, wer Teil hat an bestimmten gesellschaftlichen Prozessen. Es ist eine spezifische, ausgrenzende und ausschließende Konstellation, wer inszeniert und wer inszeniert wird. Alles spricht für einen undurchdringlichen technischen Aufwand mit Bewegungsmeldern, Bildgenerierung, Renderingprozessen und dem unwiderruflichen Glauben an die Unfehlbarkeit der Technik. Aber wenn genau das die Konspiration ist, derer sich endlich alle bewusst werden, entsteht durch den Einblick in die Inszenierung ein Verständnis von Manipulierbarkeit. Jos Diegel The real-time setting of the camera, monitor and people makes the observer, unbeknown to him, the protagonist in his own cognitive process regarding illustratability and presence. While the observer attempts to be perceived by the camera placed directly in front of him, his image remains consistently invisible. A break in continuity occurs, in the experience that says that where there is a camera and a screen, there should be an image. But it is about more than just the melancholy of human beings alienated by technology and virtuality. After all, the images of certain people are recognisable. The fragmentation of the individual observer, i.e. a regulation of the space and time of identities, decides who participates in certain social processes. It is a specific, ostracising and excluding constellation of who is stagesetting and who is being stage-set. All this points to an impenetrable technical expenditure with motion detectors, image generation, rendering processes and the irrevocable belief in the infallibility of technology. But if that is precisely what the conspiracy is, which we all ultimately become aware of, an understanding of susceptibility to manipulation arises due to the insight into the stage-setting. Jos Diegel Tobias Hermann was born in 1979 in Frankfurt am Main. He lives and studies electronic arts at the academy of fine arts and design (Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main). David Sarno was born in 1982 in Offenbach am Main, where he studies film and audiovisuell arts at the academy of fine arts and design (Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main). ÆDavid Sarno & Tobias Hermann ÆEine performative Installation oder installative Performance ÆGermany, 2009 Æmonitor, camera, computer, light beam

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ORNAMENT Anna Sokolova

Anna Sokolova bezieht sich mit ihrer Videoskulptur ›Ornament‹ auf den Ausstellungsraum ›Dominikanerkirche‹. Im ehemaligen Chor der Kunsthalle steht ihre Videostele aus 16 Monitoren, deren Linienmuster die Rhythmik und das Aufwärtsstreben der Kirchenarchitektur aufnehmen und kongenial in Bewegung umsetzen. Im Alten Reich der Ägypter wurden Obelisken als Darstellung der Strahlen der Sonne aufgestellt, die wiederum die Verbindung zwischen dem Sonnengott Re und dem irdischen Herrscher symbolisierten. Die Platzierung der lichtausstrahlenden Skulptur im Altarraum der ehemaligen Kirche greift diesen Bezug auf. Gleichzeitig gibt die Verspieltheit der Balkenstruktur ihrer Bilder auch Hinweise auf die Eigendynamik und auf mögliche Richtungswechsel der Prozesse zwischen unten und oben, zwischen den konkreten und den abstrakten Dingen sowie zwischen der physischen und der metaphysischen Sphäre. In her video sculpture ›Ornament‹, Anna Sokolova refers to the ›Dominican Church‹ exhibition space. Her video column, consisting of 16 monitors with linear patterns that absorb the rhythm and upward trend of the church's architecture, and congenially transform them into motion, is located in the former chancel of the Kunsthalle. In the empire of Ancient Egypt, obelisks were erected to portray the sun's rays which, in turn, symbolised the connection between the sungod Re and the terrestrial ruler. By placing the lightemitting sculpture in the chancel of the former church, the artist takes up this reference. At the same time, the playfulness of the bar-like structure of her images also allude to momentum and to the potential shifts in direction of processes between above and below, between the physical and the metaphysical sphere. Anna Sokolova, *1975 in Minsk (Belarus). 2002 residency at art site Boswil. Studies at Le Fresnoy, Tourcoing, France, Düsseldorf und Cologne. She lives in Düsseldorf, Germany. ÆAnna Sokolova ÆGermany 2010 Æ16 monitors, 2 players, steel construction

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

WARDEN SPRITES Jan Peter Sonntag

Jan Peter Sonntag erinnert in seiner Arbeit ›Warden Sprites‹ an einen Mythos der kanadischen Ureinwohner. Die Inuit sagen von sich, dass sie das Polarlicht (Aurora borealis) hören können, wenn die Geister der Ahnen mit den Menschen Kontakt aufnehmen. In einem sonst leeren Raum gibt Sonntag einen kleinen textlichen Hinweis auf diese Fähigkeit und sendet einen Audiostrahl in die Kuppel der Kirche, dessen Reflexion das sphärische Knacken des Sonnenwindes hörbar macht. Der Titel der Installation bezieht sich auf die Erfindungen Nikola Teslas, auf Experimente Selim Lemströms mit Nordlicht in den Bergen Finnlands 1882-1884 sowie auf aktuelle Forschungen der NASA und der ESA zu ›Sprites‹ (dt. Geister oder Kobolde). Dabei handelt es sich um Blitze, so genannte Transient Luminous Events, die über den Wolken zwischen der Tropo- und der Ionosphäre in 50 bis 100 km Höhe entstehen und elektromagnetische Impulsfelder - Extremely Low Frequency (ELF) Wellen - erzeugen, die sich im Radio als Knistern und Rauschen bemerkbar machen. 2012 erwarten Wissenschaftler den nächsten großen Sonnensturm - einen ›elektromagnetischen Tsunami‹, wie im September 1859 als auf der ganzen Welt Nordlichter zu sehen waren und die damals brandneue Komunikationstechnologie der elektrischen Telegrafie von ›natürlichem Radio‹ gestört wurde noch bevor das Gerät des ›Radios‹ erfunden war. Die akustischen Gestalten von ›sferics‹ – atmosphärischen langwelligen Radiosignalen sind ›Pfeifer‹ und ›Knackser‹. Sie sind im sichtbaren Bereich des elektromagnetischen Spektrums Nordlichter oder Sprites und Jets, die erst 1989 erstmalig mit hochsensiblen und ultraschnellen Spezialkameras gesichtet worden sind. ›Pfeifer‹ und ›Knackser‹ - so beschreiben auch die Inuit die Stimmen der Geister, die die geisthaften Nordlichter begleiten. Man muß ihnen antworten. Der Antropologe E.W. Hawkes schreibt über die himmlischen Regionen der ›Labrador Eskimos‹ 1916: ›The sky is a great dome of hard material arched over the earth. There is a hole in it through which the spirits pass to the true heavens. (…) This is the light of the aurora. (…) The whistling crackling noise which sometimes accompanies the aurora is the voices of these spirits trying to communicate with the people of the earth.‹

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In his work ›Warden Sprites‹, Jan Peter Sonntag recalls a myth passed down by First Nation peoples. The Inuit claim to be able to hear the northern lights (aurora borealis) when the ancestral spirits establish contact with humans. In an otherwise empty room, Sonntag gives a brief textual reference to this faculty, and emits an audiobeam that makes the spherical crackling of the solar wind audible. Based on inventions and ideas of Nicola Tesla, explorations of Selim Lemström in the late 1880th and the current NASA and ESA research on SPRITES (= transit luminous events between the tropo- and ionosphere) and their radial echo in natural electromagnetic Extremely Low Frequency (ELF) waves, Sonntag transforms atmospheric plasma live stream data from the ESA labs into ultrasonic modulated air and high frequency electrical fields in the space which makes fluorescent tubes glow: Tesla Light. In 2012 NASA scientists expect the next solar super storm, an ›electromagnetic tsunami‹, like in September 1859 when auroras could be seen all over the world and the new technology of electric telegraphy was disturbed by natural radio before our radio had been invented. The received natural ELF-waves will be pitched into the ultraviolet part of the electromagnetic spectrum and transformed into ultrasonic wave which will be projected to a wall inside the black cube / reception space where they reflected as hearable soundfigures - ›whistlers‹ and ›cracklers‹ - sferics and and red luminous flashes. Sferics are the radiosignals from northern lights, too. The inuits can hear the aurora borealis what also Alexander von Humboldt in the 18th century still mentioned. ›The sky is a great dome of hard material arched over the earth. There is a hole in it through which the spirits pass to the true heavens. (...) This is the light of the aurora. (...) The whistling crackling noise which sometimes accompanies the aurora is the voices of these spirits trying to communicate with the people of the earth.‹ - the anthropologist E. W. Hawkes reported about the ›heavenly regions‹ of the Inuits in his book ›The Labrador Eskimo‹ from 1916. Jan-P Peter Sonntag, *1965, lives in Berlin Jan-Peter E.R. He is an artist focusing mainly on media art-based installations. He studied fine arts, art history, music theory, composition, philosophy and cognitive science and, in 2002, founded N-solab. He is a cofounder of hARTware-projects / HMKV, oh Ton, unerhört and the sound-art-edition HORCH. He had several grants and participations in international exhibition. In 2008 he was awarded the ›German Sound Art Prize‹, the ›Cynet Art Award‹, for a mobile architecture ›ohrenstrand mobil‹ and he opened the Ars Electronica in Linz with his sonArc::project – which ended in a book and DVD about the essence of electricity and modelating high voltage plasma in 2009. 2010 works will be shown among others at the International Biennale for Lightart in 2010 inside RUHR 2010, Aram Art Gallery der Gioyng Cultural Foundation in Seoul, Center for Contemporary Art in Torun and at the Laboral Centro de Arte y Creatión Industrial in Gijon ÆJan Peter Sonntag ÆGermany 2009/2010 Æsound beam, pedestal, print

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

PROXIMITY (BUBBLE VERSION) Caspar Stracke

Der Zuschauer ist konfrontiert mit 50 hell erleuchteten Gebilden, die, dreidimensional wahrgenommen, im virtuellen Raum der Installation schwimmen. Ähnlich wie die Blasen einer Lavalampe verbinden sich die Lichthöfe dieser Leuchtblasen im Moment der größten Lichtintensität miteinander. Wie Luftblasen, sind sie ständig in einer leichten Bewegung und verändern ihre Form. Nur nah an der Grenze der Wahrnehmbarkeit zeigen diese 50 Farb›kissen‹ auf ihrer Matrix einer 5 x 10 Pixel-Auflösung bewegte Bilder. Bewegungen und die Luminanzänderungen der Farben verbleiben die einzigen Hinweise für die Orientierung. Gleichwohl ergibt sich ein zweites Erkennen durch die dreidimensionale Konstellation der Farbsphären. Durch ihren Schattenwurf lösen sich Umrisse von Objekten (so zum Beispiel eine Nahaufnahme eines Gesichts) von ihrem Hintergrund und verlassen die Leinwand Richtung Raum; indessen springen die Pixel des verbleibenden Hintergrunds nach innen. Es ergibt sich eine Ansammlung von fluktuierenden Lichtern in Gestalt eines großen sich bewegenden Flachreliefs. Während das bewegte semi-abstrakte Bild nur einen kleinen Hinweis auf das im Video Gezeigte gibt, liefert der Soundtrack den Originalton der acht Ausschnitte aus Kinofilmen, in denen die Hauptfigur entweder gerade das Augenlicht wiedergewinnt oder unter Hypnose eine Vision beschreibt. Der Zuschauer ist geneigt, in diesem synthetischen Surrogat die fehlenden Teile durch eigene Bild-Erinnerungen und Filmklischees zu ersetzen, die durch den Ton evoziert werden. Der etwas lästige Gebrauch von 3D-Brillen erzeugt eine gewisse Ironie im Kontext der Erzählung. Obwohl man das Bild mit den Brillen dreidimensional sieht, bleibt es verschwommen und abstrahiert, während man Augenärzte hört, die über das Wesentliche des Sehens sprechen. Eine frühere Version dieser Arbeit entstand speziell für das ehemalige THE THING Büro in Chelsea, New York, wo es auf die 80 Scheiben eines großen Fabrikfensters projiziert wurde. The viewer is confronted with a wall of 50 bright illuminated spheres, floating in a virtual space. They can be perceived three-dimensionally. In moments of emitting maximum brightness, the halo of these light sources create visual connections between the spheres similar to bonding oil bubbles in lava-lamps. All of them are in minimal movement like air bubbles, slightly changing shape. Together these 50 spheres display a set of moving images in a crude 5 x 10 pixel resolution, remaining on the threshold of recognizability. Movements and luminance/color changes are the primary means of perception. Nonetheless, the three-dimensional constellation of the spheres provides a second layer of cognition - Those spheres, showing shadows, and outlines of objects (i.e. a close up of a human face) are extracted from the background and protruding outwards of the screen whereas the spheres displaying the remaining parts of the background jump inwards. A cluster of fluctuating lights in shape of a giant moving bas-relief.

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AN-ARCHIC DEVICE Tobias Rosenberger

The semi-abstract moving image itself offers only a small clue what it might display in the source video, but the sequences are accompanied by a soundtrack, playing the original sound from eight excerpts of narrative films in which the protagonist either re-gains eyesight or is being hypnotized and described a vision. From this synesthetic surrogate, the viewer is prompted to fill in the missing parts, drawing from his/her own visual memories as well as clichées that the movie soundtrack brings along. The cumbersome use of polarized 3d glasses posses a certain irony in the context of the narrative, as the image - even watched with glasses in full 3D - remains blurred and semi-abstract, while one is listening to eye doctors describing the quintessence of human seeing. An earlier version of this work was created site-specifically for the former THE THING office in Chelsea, New York, projected on 80 window panes of a giant factory window. Caspar Stracke, * 1967, lives and works in New York and Berlin. His works deal with architecture and sociology. Their aesthetic origin lies in experimental film. In his current videos and installations, he creates temporal and spatial connections between thematically related places and events.

Mediale Skulptur nach einem Text von Antonin Artaud. The An-Archic Device ist irgendetwas zwischen Schaukasten, Kasperletheater und Strassenaltar: Modellhafte Bühne im Miniaturmassstab, blinkender Automat, audiovisuelle Lach-Maschine, die physikalische und anarchische Dissoziation erzeugt. Ausgehend von Antonin Artauds Theatermanifest ›Die Eroberung von Mexiko‹, wird Mexiko zum Projektionsort und Raum des Anderen. ›Denn das Prinzip ist, gleichsam wie auf Notenpapier zu einer Notation oder Chiffrierung dessen zu gelangen, was nicht mit Worten zu beschreiben ist.‹ (Antonin Artaud). Eine Münze startet den Apparat. The An-Archic Device is something between toy theatre, street altar and peepshow: a small-scale stage model, a blinking automata, an audio-visual machine, that produces physical and anarchic dissociation by means of laughter. Based on Antonin Artauds theater manifesto ›The Conquest of Mexico‹, The AnArchic Device deals with Mexico as a space of otherness and as a subjective heterotopia. Following Artaud, Mexico becomes the playground for an examination of danger and fear along the site, where each subject is set back to its self in its relation to the world. A coin starts the device. ÆTobias Rosenberger ÆMexico/Germany 2009 Æwood, plasticine, computer, 12Volt-Motor, TFT-screen, Pal + Stereo, 8min + 6min27

ÆCaspar Stracke ÆUSA 2010 Æ2 projectors, 2 synch. players, screen, pol-filters, 3D-glasses

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

THE GRAND DEFENDER Tobias Rosenberger

Man könnte Tobias Rosenbergers jüngstes Projekt, The Grand Defender, glatt für bare Münze nehmen und meinen, man betrete den Informationsstand einer Beratungsfirma. Die geradlinige Gestaltung in neutralem Weiß, die seriöse Videopräsentation, die zwölf Figuren, die in einer vertikal verlaufenden Vitrine in gleichmäßigem Abstand aufgereiht sind und das an der vorderen Ecke aufgebaute Architekturmodell verraten auf den ersten Blick nicht, dass es sich um die mediale Aufbereitung von zweieinhalb tausend Jahre alten Ideen des chinesischen Philosophen, Ingenieurs und Militärberaters Mozi handelt. Erst beim Nähertreten entdeckt der Betrachter, dass die Figuren Verteidigungsstrategien, wie beispielsweise Fluten oder Unterminieren sowie militärische Ausrüstung wie Leitern, Haken, Rammbock und Panzerwagen darstellen, die am Computer modelliert und mit Hilfe von 3D-Druckern realisiert wurden. Und erst nachdem man den Ausführungen des leicht borniert wirkenden Sprechers eine Zeit lang zugehört hat, stellt man fest, dass hier von Maßnahmen die Rede ist, die nicht auf dem technologischen Stand der Zeit sind. Die Beraterbranche, deren Praxis bei der Konzeption von The Grand Defender die Folie bildet, hatte vor wenigen Jahrzehnten noch bei weitem nicht die Bedeutung, wie dies heute der Fall ist. Externe Beratungsfirmen beschäftigen weltweit Heerscharen von Experten, die ihr Wissen und Können daran setzen, ihrer Klientel zu mehr Effizienz und Produktivität zu verhelfen. Welches Bild ergibt sich aber, wenn man die Beratertätigkeit aus ihrem Kontext herauslöst und so ihren konkreten Zweck vorübergehend suspendiert? The Grand Defender platziert sich in einem historisch-politischen Zwischenraum, der sich durch diesen Vorgang der De-Kontextualisierung ausbreitet. Durch das neue Zusammensetzen an passenden Anknüpfungspunkten entsteht ein Epochen und Kulturen übergreifendes Modell. Die ›Military Chapters‹ von Mozi, die Inspiration für The Grand Defender und Grundlage für die Textgestaltung waren, sind frühe Zeugnisse der chinesischen Kultur für die Entwicklung einer Staatsräson, die den heutigen Problemen moderner westlicher Staaten sowohl in politischer wie in wirtschaftlicher Hinsicht ähnlich ist. Allerdings schafft die Differenz durch das Spiel mit verschiedenen Kontexten die Möglichkeit, die Prinzipien dieses Gedankengebäudes wieder wahrnehmbar zu machen, die im Verlauf der historischen Entwicklung zum festen Inventar des kollektiven Bewusstseins geworden sind. Die Mittel, die Meister Mo den ratsuchenden Herrschern zur Verfügung stellt, sind in erster Linie politischer und militärischer Natur: ein gut funktionierender Verwaltungsapparat und effektive Verteidigungsstrategien bilden die Eckpfeiler. So ergeben sich die Nahtstellen, an denen man die mohistische Lehre der Zeit der Streitenden Reiche (481-221 v. Chr.) mit der Unternehmensphilosophie von Beratungsfirmen der Gegenwart bündig zusammenbringen kann. Das erklärte Ziel der mohistischen Schule ist es, Städten und Kommunen Sicherheit zu gewährleisten, damit sie zu florierenden Zentren des Volkes werden können. Da eine militärische Auseinandersetzung immer die Mobilisierung aller Kräfte erfordert und der Nutzen selten in einem Verhältnis zu den Kosten steht, riet Mozi von einem Angriffskrieg generell ab. In einer Anekdote über Mozis Wirken als Berater wird erzählt, wie er den Fürsten von Chu davon überzeugte, von seiner geplanten Eroberung der kleinen und schwachen Stadt Song abzusehen. Da der Chu-Fürst erstens weder wirtschaftlichen noch politischen Nutzen daraus ziehen würde, und zweitens vom militärisch-strategischen Standpunkt überhaupt nicht in der Lage sei, die Stadt einzunehmen, unterlies er den Feldzug. Allerdings erst, nachdem Mozi ihm demonstrierte, dass der Fürst die mohistische Verteidigung nicht werde überwinden können.

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Die Verteidigungsstrategien des Grand Defenders entfalten so bereits im diplomatischen Machtspiel ihre Wirkung, gerade weil es bei einer symbolischen Demonstration der Möglichkeiten bleibt, die der scheinbar Schwächere zur Verteidigung hätte aufwenden können. Die Geschichte der strategischen Absicherung wäre ohne geeignete Begrifflichkeiten sowie ohne geeignetes Anschauungsmaterial undenkbar. Das Modell, die Skizze, die schematische Darstellung, die sich an den Gegebenheiten der Wirklichkeit entzündet, nimmt wiederum Einfluss auf die Wirklichkeit und kann Teil eines Plans werden, indem Möglichkeiten, Vorstellungen, oder auch reine Phantasien suggeriert werden, die schon manch einen zur Einsicht gebracht haben, denn das dem Bewusstsein dargebotene sinnliche Anschauungsmaterial überdeckt zumindest für den Moment die vielen Gesichter der Angst. Durch das besondere Interesse an der modellhaften Darstellung, wie sie zentraler Bestandteil der mohistischen Verteidigungslehren und der Arbeit von Beratern des 21. Jahrhunderts ist, eröffnet Tobias Rosenberger mit seiner Installation ›The Grand Defender‹ den Blick auf eine frühe Entwicklungsstufe im Zivilisationsprozess, gekoppelt an gegenwärtige Praktiken. Der Kunstgriff, dass sich die Schnittmengen scheinbar wie von selbst ergeben, verdeckt gleichzeitig einen langen Zeitraum unterschiedlichster Entwicklungen und werfen beim Betrachter Fragen über den Menschen des 21. Jahrhunderts auf, der sich technologisch längst selbst überholt hat, während er im Grunde noch von denselben Wünschen, Sorgen und Ängsten getrieben wird. Der gemeinsame Nenner der so unterschiedlichen Kulturen und der weit auseinanderliegenden Epochen kann nur der Mensch sein, denn, wie André Gide einmal für sich entschied: egal welche Frage die Sphinx vor den Stadttoren ihm gestellt hätte: ›Ich hätte immer gesagt der Mensch. Denn es ist doch der Mensch, um den sich alle Rätsel ranken.‹ Dominik Meier Tobias Rosenberger's latest project, The Grand Defender, could be taken at face value; you might think you were approaching the information booth of a consulting agency. At first glance, the no-nonsense design in neutral white, the respectable video presentation, the twelve figures lined up, equally spaced, in a vertical showcase and the architectural model set up in the front corner do not betray the fact that this installation is the media processing of the two and a half thousand-year-old ideas of the Chinese philosopher, engineer and military advisor Mozi. It is only when viewers come closer to the installation that they discover the figures portray defence strategies, such as flooding or undermining, and military equipment comprising ladders, hooks, battering rams and armoured vehicles that have been modelled on the computer and realised using 3D printers. And you only come to realise that the measures described are not the state of the art after listening to the statement of the seemingly somewhat narrow-minded speaker for a while. The consultancy industry, upon whose practices The Grand Defender was conceived, was by far not as influential a few decades ago as it is today. External consulting agencies around the world employ hosts of experts whose knowledge and skills are used to help make their clients become more efficient and productive. But what picture evolves if consultancy is taken out of context, temporarily suspending its specific purpose? The Grand Defender positions itself in a historical/political space that expands, thanks to this process of decontextualisation. By restructuring at suitable points of contact, a model evolves spanning epochs and cultures. The ›Military Chapters‹ by Mozi, which inspired The Grand Defender and were used as the basis for the text design, are early evidence in Chinese culture of the development of a reason of state resembling today's problems of modern western states from both a political and an economic perspective. Nonetheless, the difference arising by playing with various contexts enables the principles of this construct of ideas to become perceptible again which, in the course of historical development, has become a permanent fixture of the collective conscience. The means Master Mo provides to rulers seeking advice are primarily of a political and military nature: successfully functioning administrative machinery and effective defence strategies are the cornerstones. This leads to interfaces where Mohist teaching from the Warring States period (481-221 BC) can be lined up with the corporate philosophy of modern-day consulting agencies. The declared objective of the Mohist School is to ensure cities and municipalities have the security to enable them to evolve into flourishing centres of the people.

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EXHIBITION MASH UP AND MORE

Since military disputes always require the mobilisation of all forces and since the benefit is rarely proportional to the costs involved, Mozi generally advised against wars of aggression. In an anecdote on Mozi's work as an advisor, it is told how he convinced the ruler of Chu not to carry out his plan to attack the small, weak town Song. Since the Chu ruler would not have gained any economic or political benefit from it and would have been unable to capture the city from a military/strategic point of view, he abandoned the campaign. He was only willing to abandon it, however, after Mozi had shown the ruler his inability to break through the Mohist defence. The defence strategies of the Grand Defender therefore develop their impact in the diplomatic power game precisely because it stops at a symbolic demonstration of the possibilities the apparently weaker side could have employed for its defence. The story of the strategic protection would be inconceivable without suitable terms and illustrative material. The model, the sketch, the diagram kindled from the circumstances of reality in turn influence reality and can become part of the plan by suggesting possibilities, concepts or even pure fantasies that have already made many an aggressor see reason, because the sensual illustrative material offered to the conscience covers the many faces of fear, at least for the moment. Due to the special interest in model representation, a central component of Mohist defence teachings and the work of 21st century advisors, Tobias Rosenberger's installation ›The Grand Defender‹ allows observers to view an early stage of development in the process of civilisation, coupled with present-day practices. The trick of the interfaces appearing to arise automatically simultaneously conceal a long period of highly varied developments, leading observers to ask questions about 21st century humans, who have long since excelled themselves technologically, while still basically being driven by the same desires, worries and anxieties. The common denominator between the completely different cultures and the historically distant epochs can only be humans because, as André Gide once decided for his part: regardless which question the Sphinx would have put to him in front of the city gates: ›I would always have said humans. Because all mysteries surround humans.‹ Dominik Meier Tobias Rosenberger, *1980, lives in Frankfurt / Main. Tobias Rosenberger studied ›Applied Theatre Studies‹ in Giessen / Germany. 2008-2009: European Mobile Lab for Interactive Media Artists In 2007 he teached at Harvestworks Digital Arts Centre, New York. Various performances (i.e. Schauspiel Frankfurt). Installations for the German and French Embassies, Sana'a / Yemen, Goethe Institut, Barcelona, Luminale Frankfurt. Artist in residence in Lyon (Goethe Institut), Schöppingen, Mexico-City (Mexico-scholarship at Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, Werkleitz Center for Media Art, Goethe Institut) and Esslingen as well as at Okuparte (Huesca, Spain) ÆTobias Rosenberger ÆGermany 2010 Æmonitor, player, sound equipment, ply-wood, plasticine, light

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TWO DOGS WATCHING William Wegman

Bekannt und gefeiert wird William Wegman für Video- und Fotoarbeiten mit seinen Hunden und deren tierischen Freunden. Humorvoll und mit zurückhaltender Ironie blickt er auf diese Weise auf die Unstimmigkeiten des menschlichen Alltags. In ›Two Dogs Watching‹ verfolgen Wegmans Weimaraner ›Man Ray‹ und dessen Freund perfekt synchron die Bewegungen eines Objektes hinter der Kamera. William Wegman is renowned and acclaimed for videos and photographic works with his dogs and their animal friends. With humour and reserved irony, he uses this method to look at friction in everyday human life. In ›Two Dogs Watching‹, Wegman's Weimaraner ›Man Ray‹ and its friend follow the movements of an object behind the camera in perfect synchrony. William Wegman: * 1943. B.F.A., Massachusetts College of Art, Boston, M.F.A., University of Illinois, Champaign Urbana. Photographs, drawings, paintings and videos. Numerous retrospectives, among them Wegman's World at Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota in 1981 and toured the United States. William Wegman: Paintings, Drawings, Photographs, Videotapes at the Kunstmuseum in Lucerne in 1990 and travelled to venues across Europe and the United States including the Pompidou Center in Paris and The Whitney Museum of American Art in New York. More recent exhibitions have been mounted in Sweden, Japan, Korea, and Spain. Funney/Strange opened at the Brooklyn Museum of Art in 2006. In permanent collections: Hammer Museum, Los Angeles; Los Angeles County Museum; the Montgomery Museum of Fine Arts; and the Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. ÆIn der neuen EMAF-ArtBox in der Stadtgalerie am Rathausmarkt ÆWilliam Wegman ÆUSA 1975 ÆDVD, Loop ÆCourtesy: Electronic Arts Intermix (EAI), New York ÆIm Rahmen des Ausstellungsprojektes ›Der Hund ist auch nur ein Mensch‹

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CONGRESS

CREATIVE COMMENTS Alfred Rotert Im Projekt mediaartbase.de setzen wir die Vortragsreihe ›From Archive to Living Database‹ fort. Darüber hinaus werden im Kongress aktuelle Themen und Projekte zu ›Mash Up‹ vorgestellt. Insbesondere im Hinblick auf die Diskussionen zu Creative Commons, YouTube und Onlinearchiven und die Praxis, diese als Quelle für Remixes und Mash Ups zu nutzen. Namhafte Referenten stellen aktuelle Themen und Projekte zum Festivalthema ›Mash Up‹ vor. Das Spektrum reicht von ironischen Remixen im Internet, über Online-Games, bis zu historischen Betrachtungen der Collage. Ein absolutes Highlight: der finnische Medienexperte Lasse Rintakumpu präsentiert unter ›The Mash Up phenomenon‹ Beispiele zu dem deutschen Erfolgsfilm ›Der Untergang / The Downfall‹. Kaum zu glauben, aber diese Versionen sind ein internationales Phänomen. Der Vortrag zeigt eine Auswahl der zahlreichen Versionen, die bereits mehrere hunderttausend Male downgeloaded wurden. Hier wird ironisch mit Bildern über die deutsche Geschichte umgegangen und laufend neue aktuelle Bezüge hergestellt. Darf man das? Diese Frage stellt sich dem verwunderten Zuschauer. In ›Guitar Heroes und misherad lyrics‹ werden ausgesuchte Mash Ups der YouTube Sammlung des Jugendkulturarchivs Frankfurt präsentiert. Prof. Birgit Richard zeigt ausgewählte Beispiele aus der Musikkultur. Unter dem Titel ›WJ-S‹ zeigt die französische Künstlerin Anne Roquigny die Arbeit des Remixen von Sounds, Bildern und Texten aus dem Internet, wie es DJ's und VJ's täglich zelebrieren. Ihr neues Buch WJ-Spots #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹ steht dabei im Mittelpunkt. Der Vortrag von Dr. Karin Orchard beschäftigt sich mit Kurt Schwitters. Sein Schaffen beeinflusste die nachfolgende Kunst und Literatur von Pop Art, Neo-Dada, Nouveau Realisme, Lautpoesie, Fluxus bis hin zur heutigen jungen Kunst. ›Merz bedeutet Beziehungen schaffen, am liebsten zwischen allen Dingen der Welt.‹ (Kurt Schwitters) In ›Nova-Kino: The History of Cinematic Agit-Prop‹ zeigt Mark Boswell (USA) die Entwicklung von der historischen Filmavantgarde bis zum heutigen Mash Up auf und bezieht sich dabei auf Duchamp's Ready- Mades, Vertov's Agit-Prop und Eisenstein's Montage Theorie. In zunehmendem Maße findet eine Vermischung von Medienformaten statt und die Abgrenzungen zwischen Film, Games und Onlineangeboten verändern sich ständig. Michael T. Bhatty wird in seinem Vortrag ›Movie meets game‹ auf die Parallelen der Erzählformen in Film und Computerspielen eingehen. Mit ›Frontiers‹, ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt, vorgestellt von Sonia Prlic und dem Gold Extra Team, präsentieren wir dazu auch ein Online Game aus der Kategorie Serious Games, das sich einer aktuellen Problematik widmet. ›Frontiers‹ führt seine Spieler an die Grenzen Europas. Jürgen Keiper von der Stiftung Deutsche Kinemathek wird unter ›Netzkonzepte der Zukunft‹ einige zentrale Linien der aktuellen Netzentwicklung aufzeigen und dabei auf Creative Commons, Mash Ups und das Netz als Archiv eingehen. Unter die ›Die Fähigkeit Zu Hören‹ präsentiert Malte Scholz einen Performancevortrag, der sich auf seine Arbeit in der Ausstellung bezieht. ›Do It, but do it again! - Künstlerstrategien für das Web 2.0‹, unter diesem Titel wird der Medienkünstler Matthias Fritsch Arbeiten vorstellen, die sich mit dem künstlerischen Potential im Web 2.0 befassen.

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In the mediaartbase.de project, we continue the series of lectures entitled ›From Archive to Living Database‹. Furtheron current themes and projects involving ›Mash Up‹ are introduced in the congress, in particular with regard to the debate about creative commons, YouTube and online archives, and the practice of using them as a source for remixes and Mash Ups. Well-known speakers will introduce current projects on the festival’s theme ›Mash Up‹. The spectrum range from ironic Remixes in the Net and Online-Games to the historical examination of Collages. One absolute highlight is the presentation of Mash Ups on one of the greatest German films of all time. It’s hard to believe, but Mash Up versions of ›Der Untergang‹ (The Downfall) are an international phenomenon. The Finnish media expert Lasse Rintakumpu will show in ›The Mash Up phenomenon‹ a selection of the numerous versions that have already been downloaded several hundred thousand times. Here, artists use images about German history in a tongue-in-cheek way; new current references are constantly being drawn. Is this permitted? This is what the astonished audience asks itself when it sees how disrespectfully these re-mixes are made. Under the title ›Guitar heroes and misheard lyrics‹ selected Mash Ups from the YouTube collection of Frankfurt Youth Culture Archives are presented. Professor Birgit Richard shows a range of examples from music culture. By ›WJ-S,‹ the French artist Anne Roquigny demonstrates the work of re-mixing sounds, images and texts from the internet, as celebrated daily by DJ’s and VJ’s. Her new book WJ-SPOTS #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹ will be the focal point of the talk. The lecture by Dr. Karin Orchard centres on Kurt Schwitters. His ›collage principle‹ has influenced art and literature ever since, from Pop Art, neo-Dada, Nouveau Réalisme, sound poetry, Fluxus right up to current young art. ›Merz means creating relationships, preferably between all things in the world.‹ (Kurt Schwitters) With ›Nova-Kino: The History of Cinematic Agit- Prop‹ Mark Boswell shows the development that took place from the historic film avant-garde to today’s Mash Up, referring in the process to Duchamp’s ready-mades, Vertov’s Agit-Prop and Eisenstein’s theory of montage. There is an increasing blending of media formats, and the boundaries between film, games and online features are constantly changing. With with ›Movie meets Game‹ Michael T. Bhatty will explore the parallels of forms of narration in film and the new media, such as computer games, and their synergetic effects. To accompany ›Frontiers‹ introduced by Sonia Prlic and the Gold Extra Team, we present an online game from the serious games category, which is dedicated to a topical problem. ›Frontiers‹ takes its players to the frontiers of Europe. Jürgen Keiper from the Deutsche Kinemathek foundation will highlight with ›Web concepts of the future‹ several central routes taken by the current development of the web, addressing creative commons, Mash Ups and the web as an archive. ›The Ability to listen‹ is a performance lecture by Malte Scholz, which refers to his work in the exhibition. By ›Do it, but do it again‹ media artist Matthias Fritsch presents works that explore the artistic potential of Web 2.0. The lecture focuses on the specific relationship between artistic production and the audience, authorship and distribution.

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CONGRESS

THE MASH UP PHENOMENON Lasse Rintakumpu Information and examples of the meme Hintergrundinformationen Background information http://knowyourmeme.com/ memes/downfall-hitler-meme

›Der Untergang‹ und der Aufstieg eines Internet Memes Die berühmte Szene aus dem 2004 gedrehten Film von Olivier Hirschbiegel Der Untergang zeigt den leidenden Diktator Adolf Hitler (gespielt von Bruno Ganz), in dem Moment, in dem er erkennt, dass der Krieg wirklich verloren ist. Seit der Premiere des Films hat die Szene ein Eigenleben als Internet-Meme entwickelt. Auf YouTube überlagern Hunderte von Mashup-Liebhabern die Szene mit idiosynkratischen Untertiteln und verwandeln die dramatische Szene somit in anachronistische, witzige Reaktionen auf aktuelle Ereignisse. Als eins der ansteckendsten Online-Meme, können Parodien auf Der Untergang als Vertreter des gesamten Mashup-Konzeptes angeschaut werden. Die Präsentation durch den finnischen Filmkritiker und professionellen Mediengestalter Lasse Rintakumpu untersucht die Geschichte und die Auswirkungen des Mems Der Untergang. Im Vortrag werden andere witzige, historische Abbildungen von Hitler gestreift. Es wird gezeigt wie das Mem Der Untergang bereits bestehende Medien nebeneinander stellt, um Stellung zu verschiedenen Interessengebieten zu nehmen. In der Präsentation wird auch diskutiert wie die weitverbreitete, billige Digitaltechnologie nicht nur eine Demokratisierung der Kreativität freigesetzt hat, sondern auch die öffentlichen Wahrnehmungen des Eigentums digitaler Inhalte aktiv verändert. ›Downfall‹ and the rise of an Internet meme The famous scene from Olivier Hirschbiegel's 2004 film Der Untergang shows ailing dictator Adolf Hitler (played by Bruno Ganz) realising that the war is truly lost. Since the premiere of the movie, the scene has taken a life of its own as an Internet meme. On YouTube hundreds of mashup enthusiasts are superimposing the scene with idiosyncratic subtitles, transforming the dramatic scene into anachronistic, humorous reactions to current events. As one of the most virulent online memes, parodies of Der Untergang can be seen as representative of the whole concept of mashup. The presentation by Finnish film critic and digital media professional Lasse Rintakumpu explores the history and the impact of the Der Untergang meme. Touching on other humorous, historical representations of Hitler, the talk demonstrates how Der Untergang meme juxtaposes pre-existing media to comment on different topics of interest. The presentation also discusses how widespread, cheap digital technology has not only unleashed a democratization of creativity but is actively transforming public perceptions of the ownership of digital content.

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Hitler's dissapointment to the features of a new Flight Simulator X game: http://video.google.com/ videoplay?docid=1488386185968955631&hl=en# Hier kann man die wahrscheinlich erste Downfall Parodie dieser Art sehen, die jemals gemacht wurde. The apparently first Downfall parody of its kind ever made is here. Hitler Can't Get Tickets to Billy Elliot: http://www.youtube.com/ watch?v=_HbO-E_NZIw Ein Lieblingsmem von Herrn Hirschbiegel. One of Mr. Hirschbiegel's favorites. Hitler get enough of the Downfall meme: http://www.youtube.com/ watch?v=7vMUvgce_5s Hitler and a ›Downfall‹ with the global economy crisis: http://www.youtube.com/ watch?v=bNmcf4Y3lGM Hitler rants about bad fonts: http://www.youtube.com/ watch?v=qDiDATbIG-o Hitler finds out Usain Bolt Breaks 100m World Record: http://www.youtube.com/ watch?v=9xUS30-RFf0 Hillary's Downfall (U.S. Democratic Primaries): http://www.youtube.com/ watch?v=t8Ky1_pyn6Q

MOVIES MEET GAMES – KONVERGENZ UND DIVERGENZ KLASSISCHER UND NEUER MEDIEN Dr. Michael Bhatty Computerspiele, ›Games‹, rücken zunehmend in den Fokus der Öffentlichkeit. Das Schmuddelimage fällt nach und nach ab, seit nicht nur der Wirtschaftsfaktor erkannt wurde, sondern auch die Qualität als eigenständige Medienform, wenn nicht gar als Kulturgut. Narrative Games und Filme haben oftmals gemeinsame Wurzeln, doch auch Unterschiede in der Art und Weise, wie sie ›erzählen‹. Diese dramaturgischen, storymechanischen und spielmechanischen Elemente und Mechanismen gilt es aus Entwicklersicht zu betrachten. Gemeinsamkeiten und Unterschiede in den linearen und interaktiven Erzählweisen werden vorgestellt und scheinbar ›Hollywood-reservierte‹ Themen wie Action, Fantasy und Science Fiction auch hier in Deutschland als produzierbar erörtert. Dr. Michael Bhatty schuf in seiner Funktion als Lead Game Designer von SACRED (2004) die Story und Welt des international erfolgreichen Titels und ist Autor der offiziellen Romane zu ›FarCry‹ und ›Runes of Magic‹. Movies meet Games – convergence and divergence of classic and new media Computer games have increasingly become the focus of public attention. Their shoddy image is gradually disappearing, now that not only the economic factor but also their quality as an independent media form, and possibly even as cultural heritage, have been recognised. Despite often having the same roots, narrative games and films differ in the way they ›narrate‹. These dramaturgical, story-mechanical and game-mechanical elements and mechanisms should be considered from the developer's perspective. Similarities and differences in the linear and interactive narrative styles are presented, and topics apparently reserved for Hollywood, such as action, fantasy and science fiction, are also discussed with regard to their viability here in Germany. In his capacity as Lead Game Designer of SACRED (2004), Dr. Michael Bhatty created the story and world of the internationally acclaimed title, and is the author of the official novel on ›FarCry‹ and ›Runes of Magic‹. Michael T. Bhatty (*1967) wrote his first scripts and produced his first science fiction films on Super 8, based on films from his youth such Star Wars, Star Trek, Alien and Planet of the Apes, at the age of twelve. After finishing his studies, he worked as a project leader on numerous media productions in the areas of video, radio, photography and multimedia. At the same time, he wrote the first German PhD in Media Science on the subject of ›Interactive Story Telling‹ (Shaker, 1999), for which he received a doctorate. In 2000, Michael Bhatty started working as a concept author and consultant in the IT and Games branch. As Chief Executive Producer at Phenomedia Publishing GmbH, he has been leading the development of casual games such as ›Moorhuhn – Piraten‹ since the end of 2005. At the beginning of 2007, he established ›Michael Bhatty Entertainment‹. In addition to such games projects as ›Beryl Tales‹, ›Nintendo DS: Meine Tierklinik – Babys‹, he is the author of the official novels on the ›FarCry‹ series, ›Götterdämmerung‹ and ›Blutige Diamanten‹, as well as on MMO-RPG ›Runes of Magic – Shareena. Michael Bhatty married in 1997. In 2008, he returned to Osnabrück, where he lives and works.

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CONGRESS

FRONTIERS. EIN COMPUTERSPIEL, DAS AN DIE GRENZEN EUROPAS FÜHRT gold extra (Adam Donovan, Georg Hobmeier, Sonja Prlic, Karl Zechenter, Tobias Hammerle)

Frontiers führt seine Spieler an die Grenzen Europas. Als Flüchtling oder Grenzwache können sie die Grenze und das Leben dahinter von beiden Seiten erleben. Frontiers lässt die dramatische Situation an den Grenzen anhand der Stationen zweier Fluchtrouten nach Europa durchleben. In der Rolle des Flüchtlings oder Grenzsoldaten gelangen die Spieler in die Sahara, an das algerische Hoggar-Gebirge, an den Zaun in Ceuta und an einen spanischen Strand oder in den Norden des Irak, die Bergen der Türkei oder in die Wälder zwischen der Ukraine und der Slowakei. Ein hoch brisantes politisches Thema wird so zur Grundlage für das relativ junge Genre des Computerspiels. ›Wir haben bewusst das Medium Computerspiel verwendet, um eine Zielgruppe zu erreichen, die sich sonst wenig mit Politik beschäftigt. Ein Computerspiel ermöglicht es wie kein anderes Medium in eine Situation einzutauchen und diese aktiv zu gestalten‹, meint Karl Zechenter, einer der Produzenten des Spiels. Frontiers - You've reached the Fortress Europe Frontiers is a computer game that enables ist players to experience life of both sides of the border. Race for the Moroccan-Spanish fenceline in Ceuta and make it safely to the other side. Should you fail, you'll find yourself back in the saharan desert with 600 km to go until you make it back to the border. You are a refugee or the border patrol in challenging stations of two routes to Europe: In the Algerian Hoggar-Mountains, before the fence in Ceuta, on a Spanish beach, or in the Iraqi north, the Turkish mountain range or the forest between Ucraine and Slovakia. You must confront a wilderness full of new unknown dangers and use your cunning to understand the motifs of your fellow refugees and patrols who stop to interrogate you. The game encourages unusal approaches to the situation and team-work. ›gold extra‹ is a group of artists based in Salzburg, who have been working since 1998 on the interfaces between theatre, fine arts, new media and music. They have received numerous awards for their works, and were most recently awarded a prize by the Austrian Federal Ministry of Innovative Cultural Work. (see: EMAF exhibition) Æwww.goldextra.com

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DIE FÄHIGKEIT ZU HÖREN - PERFORMANCE LECTURE Malte Scholz (CCO, THE GRAND DEFENDER)

Eine Mash Up-Strategie als Grundlage erfolgreicher Verteidigungsarbeit In der Ausstellung des EMAF zeigt der Künstler Tobias Rosenberger einen Informationsstand des Sicherheitsconsultings THE GRAND DEFENDER, deren Existenz man durchaus für bare Münze nehmen könnte. Malte Scholz, vermeintlicher Chief Customer Officer (CCO) der Firma, stellt deren ›Philosophie‹ im Duktus einer Konzernpräsentation vor. Insbesondere geht er darin auf die Adaption historischer Strategien und auf die Bedeutung der Integration vielfältigster Ideen innerhalb seines Businesskonzeptes ein. Abstrakt des Vortrags: Der Sicherheitssektor hat in den letzten Jahrhunderten maßgebliche Veränderungen erlebt. Auch wenn Verteidigung in der Vergangenheit schon Thema war, muss man aus heutiger Perspektive feststellen, dass es noch viel mehr zu tun gibt. Nicht zuletzt deshalb nehmen wir von ›The Grand Defender‹ eine ganzheitliche Betrachtungsweise ein, anstatt uns auf einen einzigen Blickwinkel zu beschränken. Komplizierte Probleme haben meist zahlreiche Ursachen. Um den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts auf Augenhöhe zu begegnen, ist ein kreativer und innovativer Einsatz bereits etablierter Werkzeuge und Methoden vonnöten. Folglich haben wir bei uns intern im Jahre 2009 neue Richtlinien eingeführt, welche unser operationales Team von Militär-Experten in ein kohärentes Framework einbinden. Was bedeutet das konkret? Anstatt sich ausschließlich auf Kreation und Eigeninitiative zu verlassen, haben wir erkannt, dass Umgebung, Situation, Kontext, und Geschichte genauso wie unsere Wettbewerber und Feinde ein gewisses Potential in sich tragen, welches wir lediglich identifizieren müssen und dann für unsere Zwecke nutzen können. Wenn wir davon sprechen, dass etwas Potential hat, bedeutet dies, dass es von seiner ursprünglichsten Natur her dazu bestimmt ist, eine Entwicklung in Gang zu setzen, an die wir andocken können. Gemäß unserem Leitspruch ›Es gibt keinen Grund das Rad neu zu erfinden, aber seine volle Durchschlagskraft kann es nur entfalten, sobald es in neuen Kontexten und Kombinationen aktualisiert wird‹, haben wir eine auf Mash Up basierende Strategie entwickelt, welche die Grundlage einer erfolgreichen Verteidigung bildet. The Ability to listen. Mash up-Based Strategy lays the foundation for a successful defense At the EMAF exhibition, the artist Tobias Rosenberger presents an information booth of the security consultancy THE GRAND DEFENDER, the existence of which could be taken at face value. Malte Scholz, the supposed Chief Customer Officer (CCO) of the company, explains its ›philosophy‹ in the style of a corporate presentation. In his presentation, he focuses on the adaptation of historical strategies and on the importance of integrating a wide range of ideas into his business concept. Abstract: Within the past centuries there have been very significant developments in the approach to security. While this is a matter that was attended for in the past, recently it has been recognized that much more needs to be done. This is why we at ›The Grand Defender‹ take on a holistic approach, instead of adopting a single angle. Complex problems have many different causes. To meet the 21st century challenges, we need a new use of old methods and tools, the use of what we call the unique 21st century defense-craft. Therefore we introduced in 2009 new internal policy guidelines, that provide our operational team of military experts with a coherent framework. What does that mean? Instead of having everything depend on our own initiative, we recognize that environment, situation, context, history, competitors and enemies themselves carry a certain potential that we should identify and then let ourselves be carried along with it. So when we say that something possesses a potential, we mean that by its very nature it is destined for some kind of development on which we can rely. Embarking on this notion of ›There's no point in reinventing the wheel, but its full penetrating power can only be actualized in new contexts and combinations‹, we developed a mash up-based strategy that lays the foundation for a successful defense. What we call to have a ›Mash up-minded-disposition‹ means, that we are working in a fashion where multiple avenues are organized to refine the apparent one at hand.

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CONGRESS FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE GUITAR HEROES UND MISHEARD LYRICS: SELECTED MASHUPS UND BASTARDE DER YOUTUBE SAMMLUNG DES JUGENDKULTURARCHIVS FRANKURT Prof. Dr. Birgit Richard

Der Vortrag zeigt ausgewählte online Videobeispiele aus der Musikkultur und stellt die in fünf Jahren intensiver Grundlagenforschung in Frankfurt entwickelte Typologie für online Videos vor, die selbstverständlich nie beendet ist, da sich die Welt des online Video stündlich verändert. Das Grundprinzip der präsentierten youtube favorites ist Bastardisierung und Hybridisierung von Bildern und Musik also ›mashup‹ in Reinform. Die Videos geben so auch Einblicke in die Mediensammlung als Teil des Frankfurter Jugendkulturarchivs und in die aktuelle online Video Forschung für das Web 2.0. Bei YouTube wird alles mit allem vermischt, so trifft Politik auf Rihanna, Lady Gaga ist bei den Sims zu Gast oder Second life kommt ins Real Life. Jedes Bild ist mit anderen Bildern kombinierbar und macht die Bildwanderung zu einer selbstverständlichen visuellen und gängigen Strategie, derer sich Künstler, Artisten und jugendliche Medienmeister bedienen. Die Videos geben auch Einblicke in die umfangreiche Mediensammlung als Teil des Frankfurter Jugendkulturarchivs und in die aktuelle Online Video Forschung für das Web 2.0. Guitar heroes and misheard lyrics: selected mash-ups and bastard art from YouTube Collection of Frankfurt Youth Culture Archives A selection of online video examples from music culture will be shown in this lecture. In addition, a typology for online videos, developed in Frankfurt following five years of intensive basic research, will be introduced. It goes without saying that this research is never-ending, because the world of online video changes by the hour. The basic principle of the presented YouTube favourites is to bastardise and hybridise images and music, i.e. a pure form of ›mashup‹. The videos give us an insight into the media collection as part of the Frankfurt Youth Culture Archives and into current online video research on Web 2.0. Everything can be mashed up on YouTube – hence politics meets Rihanna, Lady Gaga makes a guest appearance with The Sims, and Second Life comes to Real Life. Every single image can be combined will other images, making image migration an automatically practised visual strategy exploited by artists, performers and media whizzkids. The video also give an insight into the comprehensive media collection as part of the Frankfurt Youth Culture Archives and into current online video research for Web 2.0. Prof. Dr. Birgit Richard has been lecturing theoretical and practical New Media at the Johann Wolfgang GoetheUniversität Frankfurt/ Main since 1997. Field of research and teaching: image cultures (youth-art-gender), especially in social networks of Web 2.0 (YouTube, flickr, MySpace, Facebook), material and visual cultures, media and net cultures and Intersectional Visual Gender Studies (Visual Construction of Gender), aesthetics of current youth cultures (Youth Culture Archive, among others, with the fashion of youth cultures at the Universität Frankfurt). Youth Culture Archive http://www.rz.uni-frankfurt.de/fb09/kunstpaed/jkastart.htmlwww.birgitrichard.de (research project on games and Youth Culture Archive) and www.inter-cool.de (inter-cool 3.0. Youth Image Media. An exhibition in the Dortmund U, Ruhr 2010). Publications include: co-edited with Heinz-Hermann Krüger: inter-cool 3.0. Jugend Bild Medien. in print Wilhelm Fink Verlag München 2010. Konsumguerilla. Widerstand gegen Massenkultur? Frankfurt 2008 (co-edited together A.Ruhl); Hülle und Container. Medizinische Weiblichkeitsbilder im Internet. München 2007 (co-edited with Zaremba). Sheroes. Genderspiele im virtuellen Raum Bielefeld 2004.

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WJ-S Anne Roquigny

Präsentiert wird WJ-S, eine Software und ein flexible Gerät für Performances im Web, die es WJ-S (Webjays, Künstler, Webabhängige und Webmutanten) ermöglicht, live mit online verfügbaren Texten, Ton und visuellen Inhalten zu spielen. WJs übernehmen die Kontrolle über die Umgebung eines Multiscreens und surfen gleichzeitig in verschiedenen Browserfenstern mit einem gewissen Abstand. WJ-S ist ein sichtbares, kollektives Erlebnis des Surfens. WJS ist eine im Wandel befindliche immersive Erfahrung. Anne Roquigny wird auch ihr Buch WJ-SPOTS #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹ präsentieren. Im November 2009 veröffentlicht, ermöglicht das Buch Künstlern, Kritikern, Denkern, Erfindern, Forschern, Kuratoren, Organisatoren und Herstellern kultureller Ereignisse auf 15 Jahre Internetgeschichte zurückzublicken. http://www.wj-s.org/WJ-SPOTS-1-15-years-of-internet. Presentation of WJ-S, a software and a flexible public device for web performances allowing WJ-S (webjays, artists, web addicts and web mutants) to play live with text, sound and visual content available online. WJs take control of a multiscreen’s environment and surf simultaneously at a distance in different browser windows. WJ-S is a visible and collective experience of the surf. WJS is an immersive experience in the flux. Anne Roquigny will also present her book WJ-SPOTS #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹. Launched in November 2009, the book enables artists, critics, thinkers, inventors, researchers, curators, organisers and producers of cultural events to look back on 15 years of Internet history. http://www.wj-s.org/WJ-SPOTS-1-15-years-of-internet For the past decade, Anne Roquigny, media arts curator, has specialised in producing and curating hybrid digital projects linked to networks and the Internet. In 1999, she started working at CICV Pierre Schaeffer, one of the first new media centres in France, as artistic co-ordinator and curator of the international urban multimedia arts festivals, and then as co-director of the establishment with Pierre Bongiovanni. From 2002 to 2004, Anne Roquigny was in charge of the general co-ordination of the preliminary project for a future Digital Arts Center in Paris, dedicated to digital production and electronic music, at la Gaité Lyrique (http://gaite.arscenic.org). Anne Roquigny is currently developing the web performance project WJ-S (http://www.wj-s.org) and simultaneously co-coordinating a research lab that specialises in audio art and its relation to space and networked audio systems with Peter Sinclair and Jérôme Joy Locus Sonus (http://www.locusonus.org). Ecole supérieure d'Art d'Aix en provence, http://www.ecole-art-aix.fr/ Ecole nationale d'art de Nice Villa Arson, http://www.villa-arson.org Æhttp://www.roquigny.info

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KURT SCHWITTERS - LEBEN UND WERK Dr. Karin Orchard

›MERZ bedeutet Beziehungen schaffen, am liebsten zwischen allen Dingen der Welt.‹ Kurt Schwitters (Hannover 1887-1948 Kendal) ist einer der individuellsten und vielseitigsten Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, der sich strikter Kategorisierung entzieht. Sein ›Prinzip Collage‹ beeinflusste die nachfolgende Kunst und Literatur von Pop Art, Neo-Dada, Nouveau Réalisme, Lautpoesie, Fluxus bis hin zur heutigen jungen Kunst. Schwitters entwickelte sein Konzept ›Merz‹, das alle Kunstgattungen umfasst. Das Wort Merz geht auf einen Zufallsfund zurück, es ist Bestandteil des Wortes ›Commerz- und Disconto-Bank‹, das er aus einer Anzeige ausgeschnitten und 1919 an zentraler Stelle in eine seiner Assemblagen eingeklebt hat. Die Alltagswelt sollte nach seiner Vorstellung in das erstrebte Gesamtkunstwerk (›Merzgesamtweltbild‹) Eingang finden. Dieser romantisch-utopische Ansatz findet seine künstlerische Verwirklichung in der Collage und Assemblage und nicht zuletzt in seinem Hauptwerk, dem ›Merzbau‹. Parallel zu seiner künstlerischen Arbeit verstand sich Schwitters zudem auch als Dichter und Schriftsteller. Im Januar 1937 sah er sich genötigt, nach Norwegen zu emigrieren. Die überwältigende Natur beeindruckte ihn stark und bestimmte sein dortiges Werk. Als 1940 die Deutschen Norwegen besetzten, floh Schwitters nach England. Nach Aufenthalten in verschiedenen Internierungslagern und in London siedelte Schwitters 1945 in den Lake District über. Bei seinem Tod 1948 hinterließ er dort unvollendet sein letztes Hauptwerk, die ›Merz Barn‹, den mit Holz, Gips und Stein in fließenden, organischen Formen modellierten Innenraum einer Scheune. ›MERZ means creating relationships, preferably between all things in the world.‹ Kurt Schwitters - Life and Works Kurt Schwitters (1887 Hannover - 1948 Kendal) is one of the most individual and multifaceted artists from the first half of the 20th century, who cannot be put into a specific category. His ›collage principle‹ has influenced art and literature ever since, from Pop Art, neo-Dada, Nouveau Réalisme, sound poetry and Fluxus right up to current young art. Schwitters developed his concept ›Merz‹, which includes all genres of art. The word Merz was created after a chance find. It is part of the word ›Commerz- und Disconto-Bank‹, which he cut out of an advert and glued into his assemblage in 1919. According to his concept, the everyday world was to be introduced into the intended total work of art (›Merzgesamtweltbild‹). The artistic realisation of this romantic/utopian approach is found in his collage and assemblage and, last but not least, in his main work, the ›Merzbau‹. In addition to his artistic work, Schwitters also saw himself as a poet and writer. In January 1937, he felt compelled to immigrate to Norway. The overwhelming natural beauty impressed him greatly, and influenced his work there. When the Germans occupied Norway in 1940, Schwitters fled to England. After staying in various internment camps and in London, Schwitters moved to the Lake District in 1945. When he died in 1948, he left behind his unfinished final main work, the ›Merz Barn‹ - the inside of a barn, modelled using wood, plaster and bricks in flowing, organic forms. Dr. Karin Orchard, born 1961 in Bristol (UK). Studied Art History, History and Literature in Hamburg, Edinburgh and London.. Since 1994: Director of the Kurt Schwitters Archive in the Sprengel Museum Hannover, joint editor of the ›Catalogue Raisonné Kurt Schwitters‹ (2000–2006). Publications on art in the 16th and 20th century.

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NETZKONZEPTE DER ZUKUNFT WEB CONCEPTS OF THE FUTURE Jürgen Keiper

Einige zentrale Linien der aktuellen Netzentwicklung sollen in diesem Vortrag erläutert und weiter gedacht werden: Creative Commons, Mash ups und das Netz als Archiv. Retrospektiv wird dabei der technische Begriff der ›service-orientierten Struktur‹ des Netzes immer mehr zu einer universellen Metapher für das Netz, deren Dimension noch völlig offen ist. Und der Versuch eines Ausblicks soll unternommen werden: Die Zukunft des Netzes wird durch eine Konkurrenz zwischen einer Aufmerksamkeitsökonomie, personalisierten Recommendation-Systemen und hochspezialisierten communities geprägt sein. Auch innerhalb dieses Geflechtes können die Creative Commons eine wichtige Rolle spielen. Doch schon jetzt zeichnet sich ab, dass das Netz der Creative Commons eigentlich viel zu weit geknüpft ist und daher nur unzureichend auf die neuen Entwicklungen reagieren kann. Some of the central lines of the current web development shall be described and explored in this lecture: creative commons, mash-ups and the web as an archive. Retrospectively, the technical term of a ›serviceoriented structure‹ of the web is increasingly becoming a universal metaphor for the web that has completely unrestricted dimensions. In addition, an attempt will be made to give an outlook: the future of the web will be marked by competition between an attention economy, personalised recommendation systems and highly specialised communities. Creative commons might also play an important role within this network. Even now, it is already becoming apparent that the mesh of creative commons is actually already far too wide, which is why it can react only inadequately to new developments. Jürgen Keiper: Film scientist, focusing on Film and New Media, editor of the journal ›Film und Kritik‹; project leader of filmportal.de, MIDAS (film archives online), CEN (standardisation of filmographic data in the EU), COLLATE (up to 2006); has been employed by the Deutsche Kinemathek since 2006, where he leads the project LOST FILMS and the internet presentation of ›Wir waren so frei... Momentaufnahmen 1989/90‹, the development of collaborative systems. ÆFor further information and texts, visit: www.jkeiper.de

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NOVA-KINO: DIE GESCHICHTE DER FILMISCHEN AGIT-PROP Mark Boswell

Nova-Kino ist eine filmische Theorie des 21. Jahrhunderts, die in den Werken unterschiedlicher internationaler Filmemacher, Medienkünstler und kultureller ›Jammer‹ vertreten wird. Diese Künstler verwenden Found Footage als das Ausgangsmaterial, das dann überarbeitet oder neu animiert wird. In dem rekonstruierten Zustand erlebt das Material eine radikale Wiedergeburt oder ein neues Leben. Ein entscheidender Bestandteil dieses Prozesses ist die Verwendung kritischer, politischer und anderweitig hochbrisanter Ansichten, eingebettet in die Struktur der Arbeit, die die hegemonialen Machtstrukturen insgesamt oder in spezifischeren Bereichen infrage stellen. Das Ergebnis ist ein didaktischer, oppositioneller Sprengkopf, historisch anerkannt als Agit-Prop, das ewige Nebenprodukt der Russischen Revolution. Nova-Kino ist eine digital aktive, filmische Theorie, die in verschiedenen künstlerischen Bewegungen der 1920er Jahre entstand, unter anderem im Dadaismus, im Surrealismus und bei den Theoretikern und Praktikern des frühen russischen Kinos: Vertov, Eisenstein, et al. (alle Wege führen nach Moskau). Von da an geht es rasant weiter mit ›Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit‹ von Walter Benjamin, in der der zukünftiger Einfluss des Kinos auf die zeitgenössiche Kultur vorhergesagt wird. Es folgen verschiedene Aspekte von den ›Entfernungs-‹wirkungen Bertoldt Brechts; Nova-Kino durchquert den Film Noir, die französische Neue Welle, internationale avantgardistische Filmbewegungen, Situationismus, und wird dann regelrecht zum zum Leben erweckt durch die querdenkenden Found-Footage-Meisterwerke von Bruce Conner. Nova-Kino: The History of Cinematic Agit-Prop Nova-Kino is a 21st century cinematic theory represented in the works of various international filmmakers, media artists, and cultural jammers who utilize found footage as source material to be re-edited or re-animated, giving radical re-birth or second life in their reconstructed state. A crucial component of this process is the usage of critical, political and other highly charged points of view embedded within the structure of the work that challenge hegemonic power structures at large or in more specific realms. The end result is a didactic, oppositional warhead, historically recognised as Agit-Prop, the eternal bi-product of the Russian Revolution. Nova-Kino is a digitally active, 21st century cinematic theory that has its departure point in various 1920’s artistic movements, including Dada, Surrealism and the theorists and practitioners of early Russian cinema, Vertov, Eisenstein, et al. (all roads lead to Moscow.) Hurtling forward from this point, with Walter Benjamin’s ›Art in the Age of Mechanical Reproducibility‹ prophesising the future impact of cinema on contemporary culture as well as certain aspects of Bertoldt Brecht’s ›distancing‹ effects; Nova-Kino traverses through film noir, the French new wave, international avant-garde film movements, Situationism, and then wholeheartedly springs to life by Bruce Conner's maverick found footage masterpieces. Mark Boswell, the founder and leading theorist of the NOVA-KINO experimental film movement. Born 1960 in Asheville, N.C., Boswell studied film, film theory and art history in Switzerland, France, Germany and the Florida Space Coast from 1984-1992. He was awarded the 2004 International Media Art Award from The ZKM Museum in Karlsruhe, Germany for his film- The End of Copenhagen. He has also lectured internationally on agit-prop cinema at the UCLA Hammer Museum in Los Angeles, The Wolfsonian/FIU Museum Of Propaganda in Miami Beach, The Magis Film Conference in Italy, and Oxford University, England.

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DO IT, BUT DO IT AGAIN! - KÜNSTLERSTRATEGIEN FÜR DAS WEB 2.0 Matthias Fritsch

Der Medienkünstler Matthias Fritsch wird Arbeiten vorstellen, die sich mit dem künstlerischen Potential im Web 2.0 befassen. Im Zentrum des Vortrags steht das spezifische Verhältnis von künstlerischer Produktion und Publikum, Autorenschaft und Distribution. Im Zentrum seiner aktuellen künstlerischen Tätigkeit stehen das ›Technoviking- Archiv‹ welches die vielfältigen Reaktionen auf sein Internet Meme Technoviking untersucht sowie die derzeit in der Dominikanerkirche ausgestellte offene Serie ›Music from the Masses‹. Durch die Nutzung der offenen globalen Kommunikationsnetze werden hier mit Hilfe von kreativen Usern aus individuellen Werken kollektive Werkkomplexe, deren einzelne Versionen und Mutationen eine unglaubliche Multiplikation des ursprünglichen Werkes mit sich ziehen. Do It, but do it again! - artists' strategies for Web 2.0 Media artist Matthias Fritsch will present works that explore the artistic potential of Web 2.0. The lecture focuses on the specific relationship between artistic production and the audience, authorship and distribution. His latest artistic work concentrates on the ›Technoviking Archive‹, which explores the wide range of reactions to his internet memes Technoviking and the open series ›Music from the Masses‹ currently showing in the Dominikanerkirche. By using open global communication networks, creative users are called upon to make collective ensembles of works out of single works, the individual versions and mutations of which result in an incredible multiplication of the original work. Matthias Fritsch, * 1976, lives and works in Berlin. He studied Media Art at the University of Arts and Design Karlsruhe (HfG) and Film, Fine Art and Curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York State. Has made several short and long movies, and media-based installations. (See exhibition) ÆWebsite: http://subrealic.net

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MEDIAARTBASE.DE

Grafik: Matthias Zipp, basis5 Das European Media Art Festival Osnabrück erhielt gemeinsam mit dem documenta Archiv Kassel/DOKFEST und dem Institut für Musik und Akustik des ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe von der Kulturstiftung des Bundes innerhalb des KUR-Programms zur Konservierung und Restaurierung von mobilem Kulturgut den Zuschlag für das digitale Archivierungs- und Präsentationsprojekt mediaartbase.de. Das Vorhaben der mediaartbase.de soll die umfassenden Bestände der beteiligten Häuser der Öffentlichkeit zugänglich machen: Das historische Material der documenta-Ausstellungen seit 1955, das umfangreiche Videomaterial des Kasseler Dokumentarfilm- und Videofestes seit 1989 sowie den einmaligen Fundus von Experimentalfilmen, Videokunst, Performancedokumentationen und Installationskonzepten der internationalen Medienkunstszene des European Media Art Festival Osnabrück und die auf mehreren institutionellen Ebenen der produzierenden ZKM-Institute (ZKM | Institut für Musik und Akustik sowie ZKM | Institut für Bildmedien) sowie der im ZKM angesiedelten Archive. Die Kulturstiftung des Bundes beauftragte die Projektpartner zudem, eine exemplarische Datenbankstruktur und Präsentationsform zu erstellen. ÆProjektmanagement: Prof. Ludger Brümmer, Dr. Achim Heidenreich (ZKM) ÆProjektkoordination: Matthias Zipp (basis5, Kassel) ÆMehr Information: www. mediaartbase.de

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Together with the documenta Archive Kassel/DOKFEST and the Institute for Music and Acoustics of the ZKM Centre for Art and Media Karlsruhe, the European Media Art Festival Osnabrück has been commissioned to realise the digital archiving and presentation project mediaartbase.de by the German Federal Cultural Foundation to preserve and restore mobile cultural assets within the KUR programme. The aim of the mediaartbase.de project is to make the extensive stock of the participating institutions accessible to the public: the historical material of the documenta exhibitions from 1955, the substantial video material of the Kassel Documentary Film and Video Festival from 1989, as well as the unique pool of experimental films, video art, performance documentations and installation concepts from the international Media Art scene of the European Media Art Festival Osnabrück, the several institutional levels of the ZKM’s producing institutes (ZKM | Institute for Music and Acoustics and ZKM | Institute for Visual Media), as well as the archives housed in the ZKM. The German Federal Cultural Foundation has also commissioned the project partners to establish an exemplary database structure . ÆProject management: Prof. Ludger Brümmer, Dr. Achim Heidenreich (ZKM) ÆProject coordination: Matthias Zipp (basis5, Kassel) ÆMore information: www. mediaartbase.de

Gefördert im KUR Programm zur Konservierung und Restaurierung von mobilem Kulturgut.

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ZKM | INSTITUT FÜR MUSIK UND AKUSTIK

Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe vereint Ausstellungen, Produktionen, medienwissenschaftliche Forschung, Veranstaltung, Dokumentation und Vermittlung unter einem Dach. Im Jahr 1989 gegründet und 1997 in das eindrucksvolle Gebäude einer ehemaligen Munitionsfabrik eingezogen, gilt das ZKM als führend in der inhaltlich-künstlerischen Verknüpfung von Kunst und digitaler Technologie. Das ZKM | Institut für Musik und Akustik verbindet künstlerische Arbeit mit Forschung und Entwicklung und versteht sich als Forum des internationalen Austausches. Das Institut ist in vielfältigen Bereichen aktiv, veranstaltet und initiiert zeitgenössische Konzerte, Symposien und Festivals, die eine Plattform für Musikschaffende und -interessierte bieten. Die Projekte umfassen mit digitaler Klangsynthese, Live-Elektronik und algorithmischer Komposition bis zu interaktiven Klanginstallationen, audiovisuellen Produktionen und Hörspiel eine breite Palette dessen, wozu digitale Technologien musikalische Phantasie anzuregen vermögen. Mit dem Klangdom des Instituts – fast fünfzig Lautsprecher sind dreidimensional im Raum installiert – können komplexe Raum-Klang-Bewegungen realistisch dargestellt werden. Innerhalb des Projekts mediaartbase.de entwickelt das ZKM | Institut für Musik und Akustik ein offenes Datenbanksystem, das die spezifischen und komplexen Erfordernisse elektroakustischer Musik zu berücksichtigen vermag und die Langzeitarchivierung gleichermaßen einschließt. Die Werke können auf diese Weise langfristig aufbereitet und reproduziert werden. Die Archivbestände des ZKM: ZKM | Institut für Musik und Akustik (Produktionsarchiv: 450 Kompositionen, Veranstaltungsarchiv: 300 Aufführungen), Internationales digitales elektroakustisches Musikarchiv IDEAMA (550 Kompositionen), Sammlungen (Vasulka, Boulez, 40 Jahre Videokunst, Kluge-Archiv, Ulmer Filminstitut mit über 1000 Arbeiten), Mediathek (48 000 Bücher und Datenträger). The ZKM | Centre for Art and Media Karlsruhe includes the areas of exhibitions, media scientific research, areas of production and venues under one roof and topic. The ZKM, which was founded in 1989 and moved into the impressive building of a former munitions factory in 1997, is considered to be at the forefront of aesthetically merging art and digital technologies. Artistic work, research and development are the main activities of the ZKM | Institute for Music and Acoustics. It views itself as a forum for international exchange. The institute is active in a wide range of areas and organises and initiates contemporary concerts, symposia and festivals, offering a platform for musicians and musiclovers. The projects, comprising not only digital sound synthesis, algorithmic composition and live electronics but also interactive sound installation and audiovisual productions and radio drama, and, cover a broad range of elements that digital technologies use to inspire musical imaginativeness. Complex space/sound movements can be portrayed realistically at the Klangdom (sound dome) of the ZKM | Institute for Music and Acoustics – almost 50 loudspeakers hang three-dimensionally from an ellipsoidal rig system. Within the project mediaartbase.de the ZKM | Institute for Music and Acoustics develops an open database system which considers the specific and extensive requirements of electroacoustic music and which likewise include the long-term preservation. The Archives: ZKM | Institute for Music and Acoustics (500 productions, 300 events), International Digital ElectroAcoustic Music Archive IDEAMA (550 compositions), collections (Vasulka, Boulez, 40 Jahre Videokunst, Kluge-Archiv, Ulmer Filminstitut mit über 1000 Arbeiten), Media library (48000 books and media). ÆProjektleitung: Prof. Brümmer ÆGeschäftsführung: Dr. Achim Heidenreich ÆZKM | Institute for Music and Acoustics ÆFotonachweis: CHROMA_LUX, Foyer ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe

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documenta Archiv KASSEL

Die documenta, seit ihrem Bestehen die immer noch größte und wohl auch bedeutendste Ausstellung aktueller bildender Kunst, gab den Anlass für die Gründung des documenta Archivs in Kassel. 1961 von Arnold Bode, dem Initiator der documenta ins Leben gerufen, ist das Archiv mit der Dokumentation und wissenschaftlichen Bearbeitung von internationaler Gegenwartskunst betraut. Als eine der bedeutendsten Spezialbibliotheken Deutschlands zur Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts hält das Archiv Bücher, Ausstellungskataloge, Zeitschriften und anderweitiges Pressematerial zu mehr als 80.000 Künstlern und Künstlerinnen für die Forschung und den interessierten Laien bereit. Neben der Bibliothek enthält der Archivbestand im Kern eine umfangreiche Materialsammlung zu den bisher zwölf documenta-Ausstellungen. Mit ihren Archivalien wie z. B. den Ausstellungskonzepten, Rechnungsführungen, Korrespondenzen mit den Künstlern sowie Presseausschnitten, Katalogen und Kleinschriften hält die Dokumentation reichhaltiges Material zum Studium der Kunst und des Ausstellungswesens nach 1945 bereit. Ein Bildarchiv und eine Videothek vervollständigen die Informationsquellen mit audiovisuellen Medien. Die Organisation von dokumentarischen Ausstellungen gehört ebenso zum Tätigkeitsfeld des documenta Archivs wie die Durchführung wissenschaftlicher Kongresse und die Herausgabe einer Publikationsreihe. Die Bestände umfassen bisher in der Bibliothek 30.000 Monographien, 60.000 Kataloge (2.000 Neuanschaffungen jährlich) und 150 laufende Zeitschriften; in der documenta-Dokumentation 2.000 Akten, 250.000 Zeitungsausschnitte und 150.000 Einladungskarten und im Medienarchiv 3.000 Videotitel, 450 DVD’s und ca. 40.000 Dias/Fotos. Im Rahmen von mediaartbase.de wird das documenta Archiv besonders gefährdete Originalkunstvideos von documenta-Künstlern, Künstlerinterviews, aber auch Mitschnitte von seltenen dokumentarischen Fernsehbeiträgen in Zusammenarbeit mit dem Hessischen Rundfunk digitalisieren. The documenta, which has been the largest and most highly esteemed exhibition of contemporary arts ever since its inception, prompted the establishment of the documenta Archive in Kassel. Created in 1961 by the founder of the documenta, Arnold Bode, the archive is entrusted with documenting and scientifically processing international contemporary art. As one of Germany’s most significant specialty libraries on 20th and 21st century art, the Archive houses books, exhibition catalogues, magazines and other kinds of press releases on over 80,000 artists for research purposes and interested laymen. In addition to the library, the Archive’s stocks also contain an extensive collection of materials from the twelve previous documenta exhibitions. With its papers and documents from the archives, such as the exhibition concepts, invoices, correspondence with artists, as well as press cuttings, catalogues and short scripts, the documentation offers extensive material for studying art and exhibitions after 1945. Photographic archives and a video library round off the sources of information with audiovisual media. The documenta Archive is also involved in organising documentary exhibitions, as well as hosting academic congresses and releasing a publication series. The library’s current stock includes 30,000 monographs, 60,000 catalogues (2,000 new acquisitions each year) and 150 serial magazines; the documenta documentation comprises 2,000 files, 250,000 newspaper cuttings and 150,000 invitation cards, while the media archive contains 3,000 video titles, 450 DVDs and approx. 40,000 slides/photos. Within the framework of mediaartbase.de, the documenta Archive will digitise particularly vulnerable original art videos by documenta artists, interviews with artists and live recordings of rare documentary telecasts in collaboration with the Hessischer Rundfunk. ÆProject partner Karin Stengel

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CONGRESS FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE

KASSELER DOKUMENTARFILM- UND VIDEOFEST KASSEL DOCUMENTARY FILM AND VIDEO FESTIVAL

Im traditionellen Festivalherbst, zur Novembermitte, findet das Kasseler Dokfest an fünf Tagen statt und präsentiert jährlich ca. 220 nationale und internationale Dokumentarfilme, experimentelle und künstlerische Arbeiten. Feste Bestandteile des Programms sind zudem die Medienkunstausstellung Monitoring, die das Medium Film/Video aus dem Kinosaal heraus in den Ausstellungskontext überführt, audiovisuelle Performances und VJ-Kunst in der DokfestLounge sowie die interdisziplinäre Workshop-Tagung interfiction. Seit 1989 sammelt das (1981 gegründete) Festival das eingegangene Sichtungsmaterial sowie eine Auswahl der in den Programmen der jeweiligen Festivalausgabe präsentierten Filme und Videos. Darunter befinden sich Arbeiten renommierter Filmemacher/innen und Künstler/innen gleichermaßen wie Arbeiten junger Nachwuchskünstler/innen, klassische Dokumentarfilme genauso wie Experimentalfilme mit dokumentarischem Ansatz. Damit spiegelt der Bestand an Videomaterial im Archiv des Festivals zweifelsohne die Entwicklung des dokumentarischen Schaffens der letzten 20 Jahre wider. In 26 Jahren Kasseler Dokfest kamen bisher 4.137 Arbeiten zur Aufführung. Der Bestand an vorhandenem Videomaterial beläuft sich auf circa 2.000 Arbeiten und ermöglicht einen ständigen Zugriff auf die Filme und Videos aus dem Festivalprogramm seit 1989. Zum 20- und 25jährigen Jubiläum des Dokfestes ermöglichte genau dieser Bestand, zwei DVDs zu konzipieren, die mit den darauf vertretenen 54 Filmen und Videos einen Einblick in das audiovisuelle Archiv des Festivals geben. Im Rahmen des mediaartbase.de-Projektes werden zunächst die Metadaten aller beim Kasseler Dokfest gezeigten Filme, Videos und Installationen erfasst und in die gemeinsame Datenbankstruktur überführt. Aus dem vorhandenen Bestand an Film- und Videomaterial wird eine Auswahl für die Digitalisierung getroffen, um zum einen bedeutende filmische wie künstlerische Werke zu archivieren und zu konservieren als auch diese Auswahl (der Öffentlichkeit) zugänglich zu machen. In the traditional autumn of film festivals, the Kassel Documentary Film and Video Festival takes place on five days in mid-November and presents about 220 international films and videos. Other permanent events include the media art exhibition Monitoring, that repeatedly accomplishes to extract the medium film/video from the cinema into an exhibiton space, the audiovisual live program in the DokfestLounge and the interdisciplinary conference interfiction. Since 1989, the festival collects a wide variety of the screened works and a considerable number of the overall submitted screening copies. Among this selection you find works by both reputable and upcoming filmmakers and artists, classic documentary films as well as experimental works with a documentary approach. Due to our large inventory we can trace back the development of documentary filmmaking for the past 20 years. In the 26 years of its existence, the Kassel Dokfest screened 4,137 works. Our inventory consists of about 2,000 works in total and allows us a constant access to the various works from the festival programs since 1989. On the occasion of the 20th and the 25th anniversary of the Kassel Dokfest in 2003 and 2008 we could profit from our vast inventory when compiling our anniversary DVDs. They consist in total of 54 films and videos and give a first impression of our audiovisual archive. In the context of the mediaarbase.de-project the Kassel Dokfest first seeks to gather the metadata of all screened films, videos and installations and transfer the collected data into a common data bank structure. Based on the present inventory a sample of film and video material will then be selected for digitalization in order to preserve outstanding filmic and artistic works and make them accessible to a wider public. Æwww.filmladen.de/dokfest ÆProject partners Gerhard Wissner, Kati Michalk

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EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL

Das European Media Art Festival in Osnabrück bietet jährlich einen aktuellen Überblick über die internationale Medienkunstszene und ist ein lebendiger und bedeutender Treffpunkt für Medienkünstler, Kuratoren, Verleiher und Galeristen und ein interessiertes internationales Publikum. Das European Media Art Festival verfügt über etwa 4.000 Filme, Videos und Dokumentationen inklusive der Hintergrundtexte, Fotos und Biografien, die seit 1981 in Osnabrück gesammelt wurden. Dieser einmalige Fundus von Experimentalfilmen, Videokunst, Performancedokumentationen, Installationskonzepten und -bändern sowie Arbeiten auf CD Rom - von und über die internationale Medienkunstszene - soll nach anerkannten Qualitätskriterien grundlegend aufgearbeitet und zugänglich gemacht werden. Aufgrund der zeitlichen Dimension von fast drei Dekaden ist auch die kunsthistorische Aufarbeitung notwendig. Die Sicherung und Restaurierung der Originalbänder und Filme ist eine wesentliche Zukunftsaufgabe für diesen Archivbereich, denn es ist bekannt, daß Videobänder, CDs und auch Filme nur eine begrenzte Lebensdauer besitzen. Die achtziger und neunziger Jahre sind kunsthistorisch deshalb so interessant, da sich in dieser Zeit aus den Disziplinen Experimentalfilm, Videokunst und (interaktive) Computerkunst sowie Netzkunst eine neue Form entwickelt hat, die unter dem Begriff Medienkunst subsumiert wird. Das Festival in Osnabrück und damit auch dessen Bestand zeichnen sich dadurch aus, dass hier Avantgarde-, Experimentalfilm, Videokunst, Filmund Videoinstallationen, Performances, interaktive digitale Projekte bereits aus den achtziger und neunziger Jahren vorliegen, die in ihrer Vielzahl bei keiner anderen Institution existieren. Das EUROPEAN MEDIAART FESTIVAL möchte nun die wichtigsten Materialien des Archives bearbeiten und in Zusammenarbeit mit weiteren Institutionen zeitgemäße Vermittlungsformen für Medienkunst entwickeln. The European Media Art Festival in Osnabrück offers a current overview of the international Media Art scene every year, and is a lively, important meeting place for media artists, curators, lenders and gallery owners, as well as an international audience. European Media Art Festival has around 4,000 films, videos and documentations, including the background texts, photos and biographies collected in Osnabrück since 1981. This unique pool of experimental films, video art, performance documentation, installation concepts and volumes, as well as works on CD ROM – by and about the international Media Art scene – is to be fundamentally processed and made accessible to the public in compliance with recognised quality criteria. Art historical reprocessing is also necessary, due to the time span of almost three decades, including also the contextualisation of Media Art from today’s perspective in view of technical and social developments. Safeguarding and restoring the original reels and films is a major future task for this area of the archive, because it is well known that video tapes, CDs and films only have a limited life span. The 1980s and 90s are so interesting, from an art-historical perspective, because a new form – subsumed under the term ›Media Art‹ – developed out of the disciplines of experimental film, video art, (interactive) computer art and web art back then. What characterises the festival in Osnabrück, and its stock, is that it is the institution with the largest number of avant-garde, experimental films, video art, film and video installations, performances, interactive digital projects from the 1980s and 90s. The EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL would now like to process the most important material in its archives and develop up-to-date means of communication for Media Art in collaboration with other institutions. ÆProject partners Alfred Rotert, Ralf Sausmikat ÆFoto: SSHTOORRTY, Michael Snow 2005

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MEDIAARTBASE.DE FROM THE ARCHIVES: VIDEOPOETRY

FLAMINGO’S BLOW

RADIO IMAGE

Ernst Jürgens

John Goff

Das Video FLAMINGO'S BLOW bietet zweierlei Lüste: Lust am Schauen und die Lust an der Entdeckung ungewöhnlicher Texte und Dichter, an der Vielfältigkeit, mit der Lyrik auf das Thema Lust eingeht. Jeder Text findet in den Videobildern seine assoziative Fortsetzung: auf dem Programm stehen metaphysische, surrealistische, irdische und überirdische Geschmacklosigkeiten der lüsternen Art. The video FLAMINGO'S BLOW offers two kinds of pleasure: visual pleasure and pleasure in the discovery of unusual texts and poets, and in the variety with which poetry deals with the subject of lust. Every text finds it's associative sequel in the video-images: metaphysical, actionistic, symbolic, surrealistic, natural, and supernatural offences against good taste of the lustful kind.

Elektromagnetische Schwingungen werden mit Hilfe einer Kathodenstrahlröhre und eines Computers sichtbar gemacht: Das ¯Radio-Bild® bewegt sich, im Versuch, seine verschiedenen Teilimpulse zu offenbaren. Electromagnetic rays are visualized with the help of a cathode ray tube and a computer: the radio-image moves in an attempt to display its heterogenous sources.

ÆBRD 1988, 6:45 ÆCamera Manfred Scheer ÆActors Marc van Arschot, Manuela Hoffstadt ÆScript Ernst Jürgens ÆEdit Ulla Dorin ÆVoice Marc van Arschot ÆMusic Peter Tschaikowsky.

›Ich steige in einer Kleinstadt in den Zug...‹ Eine in einem Zug aufgebaute Erzählung, die einem alten ›ausländischen Film‹ ähnlich ist? Untertitel, Schwarzweiß-Bilder, eine Schwedisch sprechende Frau... Die Geschichte wiederholt sich dreimal. Die Bilder sind hypnotisch. Schliesslich werden Stimme und Untertitel voneinander getrennt. ›I get on the train in a small town...‹ A narrative constructed on a train, resembling an old ›foreign film‹? sub-titles, black and white images, a woman speaking in Swedish... The story repeats three times. The images are hypnotic. Eventually the voice and sub-titles drift apart from each other.

FLYING TRUNK The David Finch Ein Videogedicht, über 12 Monate gefilmt. Als Erinnerung an die Geschichte von Hans Andersen und meinen alten Internatskumpanen. Über Trennung, Verlassen, Verlust und Unabhängigkeit. A video poem, shot on film over 12 months. Remembering the story by Hans Andersen and my old boarding school trunk. About separation, abandonment, loss and independence. ÆGB 1987/88, 15:00 U-matic, b/w & col.

DAS ZAUBERGLAS Bjørn Melhus Hast du mich kommen sehn? - Ja, hierdurch! - Ist das ein Zauberglas? - Willst du es haben? - Tut das nicht weh? - Nein nein! Have you seen me come? - Yes, through this. - Is it a magic glass? - Do you want it? - Doesn't it hurt? - No no. ÆBRD 1991, 6:00, U-matic, col. ÆCamera Bjørn Melhus, Oliver Becker ÆDesign Julia Neuenhausen

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ÆGB 1989, 4:30 U-matic, col. ÆActor Jane Chapman

SLEEPING CAR Monique Moumblow

ÆCDN 1999 5:00 Beta, b/w

DELIRIUM Michael Maziere Maziere enthüllt eine beunruhigende und dennoch verführerische Welt von Schönheit, Überfluss und Sucht. Dieser archäologische Ausflug in unser kollektives Unterbewusstsein benutzt Poesie, Kino und Psychoanalyse, um einen melodramatischen Traumtext visueller Sinnlichkeit zu schaffen. Maziere reveals a disturbing yet seductive world of beauty, excess and addiction. This archeological trip into our collective unconscious draws from poetry, cinema and psychoanalysis to create a melodramatic dream text of visual sensuality. ÆGB 2001, 10:00, Beta, col. ÆMusic Pierre Jansen

DURCH DEN WIND

FLIES

Robert Hutter

Romy Achituv, Danielle Wilde

Aus der Bewegung, Materie schlägt gegeneinander, Staub wirbelt auf; Materie gegen Materie - trifft meinen Kopf. Den Körper ins Material gerollt, eingewickelt, ausruhen und aushalten, vorbereiten auf die nächste Berührung, auf die Gewißheit des Zusammenpralls. Through the Wind From motion, matter clashes with matter: dust is stirred. Matter against matter hits my head. The body rolled up in the material, enwrapped, resting, bearing, and preparing for the next touch; the certainty of the collision.

In Flies entdecken wir eine Welt, in der Schwerkraft und Perspektive von den Beziehungen zwischen ihren Bewohnern und den von ihnen verwendeten Requisiten definiert werden. Eine Welt, in der jedes Element dem anderen Bedeutung verleiht, und jedes ohne das andere grundlos ist. In Flies we discover a world where gravity and perspective are defined by the relationships between its inhabitants and the props they use. A world where each element attributes meaning to the other and each is groundless without the other. ÆUSA 1998, 4:50 Beta, col ÆDarsteller Yasmeen Godder, Charlotte Griffin, Danielle Wilde ÆNarration Danielle Wilde

ÆD 1993, 4:00 U-matic, col.

SALVE NOSTRADAMUS!

LOVEHOTEL

Barbara Konopka

Linda Wallace

Körperlich-sinnliche Videoperformance zu poetischem Text in künstlicher Sprache. Carnal-sensual video performance for a poetic text in artificial speech.

Es geht es um das Auftauchen neuer Interaktionsräume, neuer Technologien und neuer Formen von Verlangen. Es ist das Haus ohne Mauern oder die fließende Raum-Zeit einer spektralen Ausstrahlung, die durch die Zwischenräume zwischen den Bildern schleicht, zwischen Wörten und Bildern, und sich so unserem Erkennungsvermögen entzieht, uns aber mit dem Gefühl zurücklässt, dass das, was wir sehen, eine verzerrte Dissimulation von etwas Neuem ist... Es ist eine Zone der Möglichkeiten, in der losgelöstes Verlangen und neue Vektoren der Kommunikation einen Raum für die widernatürliche Erweckung der alltäglichen Marionetten strukturiert, die in diese Sphäre einbrechen. Das Problem, das sich Lovehotel selbst stellt, besteht darin, diesen vergänglichen Ort fühlbar zu machen, der hier und da blitzartig auftaucht und ein seltsames Empfinden von Verstörung zurücklässt. Dazu kommt ein Gefühl, dass das Neue in die Konventionen und Zeichensysteme des Alltags eingebrochen ist und diese verzerrt hat. Lovehotel is about the emergence of new spaces of interaction, of new technologies and of new formations of desire. It is the house without edifices or the floating space-time of the spectral emanation that sneaks through the spaces between images, between words and images, escaping our cognition but leaving us with a sense that what we see is a distorted dissimulation of something new. It is a zone of potential in which unhinged desire and new vectors of communication fabricate a space for the perverse arousal of the workaday puppets who swerve into its domain. The problem Lovehotel gives itself is to render palpable this transient abode which bursts out here and there in flashes, leaving in its wake a strange feeling of distrubance and a sense that the new has slithered into and distorted the conventions and codes of everyday life.

ÆPL 1990, 4:00 U-matic, col.

THE GODS LOVE THOSE SILENT ONES WHO CLENCH LIFE BETWEEN THEIR THEETH Pieter Eycken Ein Zimmer. Ein Mann und eine Frau an einem Tisch, sie essen schweigend. Das Schweigen scheint ein unausgesprochenes Verlangen zu verbergen. Langsam bilden sich Risse in diesem alltäglichen Ritual. Aus ihren kleinen, zögernden Gesten entsteht ein Tanz. Eine Geschichte ohne Worte und über die Unmöglichkeit zu sprechen. Wie soll man aus diesen ruhigen Zimmern fliehen? Ein Stummfilm in einer surrealistisch-visuellen Sprache. A room. A man and a woman eating silently at a table. This lilence seems to hide a unspeakable desire. Slowly fissures come in to this ordinary ritual. Out their small hesitating gestures arise a dance. A story without words about the impossibility to speak. How to escape out of this calm rooms? A silent film in a surrealistic visual language. ÆB 2000, 11:40 Beta, col.

ÆAUS 2000 Beta, 6:45, col. ÆMusic Jason Gee

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MEDIAARTBASE.DE FROM THE ARCHIVES: NORMAL BEHAVIOUR A CONVERSATION (ABOUT WORK)

DOG OF MY DREAMS

CALLING 911

Lily Markiewicz

Roz Mortimer

Jan de Bruin

Konfrontiert mit einer unbekannten Person, werden Arthur und Joe nach Dingen gefragt, die auch mit dem glänzendsten Anzug nicht beantwortet werden können. Die Alltags-Körpersprache erschließt neue Dimensionen in dieser farbigen und frechen Beobachtung des männlichen Körpers. Questioned by an unknown interrogator, Arthur and Joe are asked things even the shiniest suit can´t reliably answer. Everyday bodylanguage acquires new dimensions in this colourful and cheeky observation of the male body.

Dieses zeitgenösische Bestiarium betrachtet die Beziehung von Mädchen und Hunden aus einem subversiven und ironischen Blickwinkel. Ein Dokumentarfilm, ein langes Gedicht an den Hund, erzählt in einer köstlichen Mischung aus Bildern, Texten und Stimmen von Piero di Cosimo, Joan Baez, Enid Blyton, Virginia Woolf und dem Mädchen von nebenan. In einer Reihe von phantastischen und surrealen Tableaus haben kleine Mädchen ferne Treffen mit großen Hunden, während erwachsene Frauen Geschichten von Haustieren, Unbehagen in der Familie und unterdrückten sexuellen Spannungen erzählen. Bleibt sitzen! Es dreht sich alles um Mädchen und Hunde. This contemporary bestiary takes a subversive and tongue in cheek look at the relationships between girls and dogs. A documentary, a long poem to the dog. As told by a delicious medley of images, texts and voices from Piero di Cosimo to Joan Baez to Enid Blyton to Virginia Woolf to the girl next door. In a series of luscious and surreal tableaux, small girls have distant encounters with big dogs whilst grown women tell their stories of childhood pets, family malaise and repressed sexual tensions. ...hold onto your seats, its all about girls and dogs.

›Calling 911‹ wurde in Los Angeles aufgenommen und handelt von der geheimen Resque-Organisation in den USA, welche die Theorie verfolgt, dass die Wirklichkeit in Amerika nicht existiert, sondern eine unendliche Reihe von Fortsetzungen einer fiktiven Geschichte ist. Teil eines größer angelegten Projekts mit Namen ›In America‹. ›Calling 911‹ recorded in Los Angeles about the hidden network of resque in the United States. An example of the idea that reality in America does not exist but is a constant continuation of narrative. Part of bigger project called ›In America‹

ÆGB 1998, 9:40 Beta, col. ÆActors Theatre PUR (James, Igor, Sef, Joe)

ACTIONS IN ACTION HalfLifers

Actions in Action versinkt in einer Welt der wilden Helden, die in einer kontinuierlichen Krise der Auflösung und Vergegenständlichung gefangen sind. Ein gewöhnliches häusliches Umfeld wird zur psychoaktiven Landschaft umgearbeitet, in der das Konzept der ›Funktion‹ situationsbezogen und fließend wird. Nur durch den strategischen Einsatz organischer und anorganischer Mittel kann die Mission gerettet werden. Actions in Action plunges into a world of frantic heroes trapped in a continual crisis of dissolution and reification. An ordinary demostic setting is recast as a psychoactive landscape in which the concept of ›function‹ becomes situational and fluid. Only through the strategic application of organic and inorganic devices can the mission be saved. ÆUSA 1998, 10:30 U-matic, col.

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ÆGB 2001, 11:36 Beta, col. ÆSchnitt Roz Mortimer, Brian King ÆTon Jon Wilkinson, Maciek Hrybowicz ÆDarsteller: Georgia Climpson, Danelle Kerley, Jodie McLaren, Taryn McCarthy, Charlotte Andrew, Scarlet Billham, Jodie Mooney

ÆNL 2004, 8:00, miniDV

RON & LEO Oliver Husain Die schielenden, schwulen StarZwillinge Ron und Leo in einem Musical über Unzufriedenheit in der elektronischen B-Ebene. The cross-eyed Gay twin stars Ron and Leo in a musical about the discontent in the electronic B-zone. ÆD 1999, Beta / 12:47 / col. ÆActors Markus und Phillip Danzeisen

A SPY

ART MODERNA CHA CHA CHA

GEBURT DER NEUZEIT

Suzie Silver

Akiko Hada

Smart Cursor Produktion

The Spy ist eine genusbeugende und intellektuell provozierende Mischung aus reinem visuellen Vergnügen mit verwirrenden Untertönen. Wenn Reeve ihre Lippen synchron zu dem Doors-Song ›I am a spy in the house of love‹ bewegt, sehen wir eine neue Manifestation von Jesus, der sich in einem Videofeld pulsierender Regenbogen, amöbischer Formen und Girls aus B-Filmen in schwarzen Höschen bewegt – und so auf ein paar der Wünsche hinweist, die wir vielleicht vor uns oder anderen zu verbergen suchen. The Spy is a gender-bending and thought-provoking mixture of pure visual pleasure with disturbing undercurrents. As Reeve lip-syncs to the Doors' number ›I am a spy in the house of love. I know the dream that you're dreaming of, I know your deepest secret fear‹, we see a new manifestation of Jesus walking in a video field of pulsing rainbows, amoebic forms, and B-movie girls in black panties – suggesting some of the desires we may try to hide from ourselves or others.

Eine vollständige Geschichte der modernen Kunst in fünf Minuten ›Spanglish‹. Eine Kunsthistorikerin (die Sängerin Chantal Remion aus Martinique) singt in entspannter südländischer Stimmung ›Salvador Dali es lunos ... Pollock el splishos y splashos ... enormous lumpo de Moore‹. Das ›Interview‹ ist entsprechend illustriert, einschließlich einer Lektion Van-Gogh-Fälschen des verstorbenen großen britischen Fälschers Tom Keating. A complete history of Modern Art in 5 minutes of Spanglish. An art historian (Martiniquen singer Chantal Remion) sings in a relaxed latin mood ›Salvador Dali es lunos ... Pollock el splishos y splashos ... enormous lumpo de Moore‹. The ›interview‹ is suitably illustrated, including a lesson in forging Van Goghs, from the late great British forger Tom Keating.

Das Problem ist eben einfach, daß es leider diesen archimedischen Punkt, von dem aus man reden kann, nicht gibt. The problem rather consists in the fact that, unfortunately, this archidemic point from which to talk from does not exist.

ÆGB/D 1989, 5:50, U-matic, col. ÆScript Andrew Brenner ÆCamera Peter Harvey ÆEdit Tony Cloarec, Akiko Hada ÆActor Chantal Remion ÆMusic, sound: Steve Beresford ÆLyrics Andrew Brenner, Max Eastley

Gebe etwas Mehl und etwas Wasser, oder irgendeine andere Flüssigkeit, in eine Schüssel, füge all die Seltsamkeiten hinzu, die dir gerade durch den Kopf gehen und knete alles mit deinen Händen, bis du eine gleichmäßige Masse erhältst. Das Ergebnis musst du nicht unbedingt zu dir nehmen. Put some flour and a small amount of water, or any other kind of fluid, in a bowl, add all the odd stuff that goes through your mind and knead all this together with your hands, until you obtain a homogenous mixture. You don’t necessarily have to eat or drink the result.

ÆUSA 1992, 4:15, U-matic, col. ÆActor: Hester Reeve ÆMusic: The Doors

ÆBRD 1989, U-matic, 8:00, b/w. ÆMusic, sound Andreas Merz

IDIOT`S BREW Antonin de Bemels

ÆB 2002, BetaSP, 9:30, col.

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MEDIAARTBASE.DE FROM THE ARCHIVES: POLITICAL CORRECTNESS

A.K.A. (ALSO KNOWN AS)

DRAMA, STRINGS AND HORNS

Leon Cmielewski, Josephine Starrs

Gunter Krüger

›a.k.a.‹ (also known as), ein Deckname, eine Front, ein Deckmantel. Dieses Video fragt: Wie werden wir reagieren, wenn der Tag der universellen Überwachung gekommen ist? Die Antwort ist einfach: sei niemals dieselbe Person zweimal. ›a.k.a.‹ (also known as), an alias, a front, a smokescreen. This video poses the question: how will we respond when the day of universal surveillance arrives? The simple answer: never be the same person twice.

Ausgangspunkt dieser Arbeit war eine kleine, ca. 60 Sekunden lange Filmrolle des DDR-Fernsehens aus dem Jahre 1968, deren Beschriftung keinen Zweifel an der Form ihres Inhaltes zuließ: ›POIW-NO8575 Weiterer Bericht von dem Notstandsterror in Westdeutschland: Polizei knüppelt Demonstranten, 16.4.68, 21.45‹... wenn auch stumm, ein klassischer Propagandafilm im Stile des kalten Krieges... mit Opfern und Tätern und noch mehr Opfern.... The starting point for this film was a 60 second long film produced by the German Democratic Republic television station in 1968. The title says it all: ›POIWNO8575 Another report about the terror in West Germany: The police club demonstrators, 16.4.68, 21.45‹. A classic but silent propaganda film typical for the Cold War period, with victims and culprits and more victims…

ÆAUS 2001, 3:30 Beta, col. ÆMusic Danielle Salvati

ÆD 1998 Beta, 7:22, b/w ÆMusic John Fiddey

BILOCATIA / BILOCATION

DIE ANGST DIE MACHT DIE BILDER DES ZAUBERLEHRLINGS

Marina Grzinic, Aina Smid

Herbert Distel, Peter Guyer

Bilocation ist ein Begriff, der Dislocation/Verwirrung bedeutet: ein Körper an zwei verschiedenen Orten (Bilocation ist auch ein Begriff für transzendente und geistige Existenz). Das Projekt BILOCATION ist eine sowohl politische als auch künstlerische Sicht der jüngsten Ereignisse/Vorfälle in Kosovo im (damaligen) Jugoslawien. Bilocation is a term which means a dislocation: one body in two different places (BILOCATION is also a term for transcendental and spiritual existence). The project BILOCATION is a political and artistic view on the (at that time) recent events/incidents in Kosovo/Yogoslavia.

Erzählt wird die Geschichte von Goethes Zauberlehrling mit recycelten TV-Bildern unserer Zeit. Ist es die Angst, die die Bilder macht, oder ist es die Macht der Bilder, die Angst macht? - Das ist hier die Frage. The Fear the Power the Pictures of the Apprentice Sorcerer. Recycled TV pictures tell the story of the Apprentice Sorcerer by Goethe. Is it fear which provokes the pictures, or is it the power of the pictures which frightens us? That is the question here.

ÆYU 1990, 14:00, U-matic, col., ÆCamera Lupinc Andrej ÆActors Rebolj Mateja, Stefe Milan ÆScript Grzinic/Smid ÆEdit Cuckon Zlatjan

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ÆCH 1987-93, 18:00, Beta, col. & b/w ÆMusic Paul Dukas ÆSupport Swiss Television DRS

ALLES WANDELT SICH

EISENKUSS

Egon Bunne

Matthias Glatzel

Alles wandelt sich. Neu beginnen Kannst du mit dem letzten Atemzug.Aber was geschehen, ist geschehen. Und das Wasser, das du in den Wein gossest, kannst duNicht mehr herausschütten.Was geschehen, ist geschehen. Das Wasser, das du in den Wein gossest, kannst duNicht mehr herausschütten, aber Alles wandelt sich. Neu beginnenKannst du mit dem letzten Atemzug. (Bert Brecht) Everything changes. You can start all over with the last breath.But what happened, happened. And you can't pour out the water anymore,Which you have poured into your wine. What happened, happened. And you can't pour out the water anymore, Which you have poured into your wine, butEverything changes. You can startAll over with the last breath. (Bert Brecht)

Bilder einer Bewegung. Collage eines Staatsbesuches. Pictures of a movement. Collage of a state visit from TV material.

ÆD 1987, U-matic, 7:45, col. ÆCamera Joachim Lütticke, Matthias Schubert ÆEdit Egon Bunne ÆMusic Musique pour les soupers du roi Ubu® von Bernd Alois Zimmermann ÆText Drei Reiseberichte® von Wolfgang Neuss

DAS EISKALTE AUGE Heiner Mühlenbrock ›Das eiskalte Auge‹ hält die stummen Bilder der Überwachungsanlage des Berliner Kongreßzentrums (ICC) fest und konfrontiert sie mit Dialog-, Musik- und Geräuschzitaten aus einschlägigen Genrefilmen. So entsteht eine Collage zwischen Trivialität und Story, zwischen Alltag und Unterhaltungsindustrie und macht deren Schablonen sichtbar. ›THE ICECOLD EYE‹ records the dumb pictures of the observation system of the Berlin Congress Centre (ICC) and confronts them with dialogue, music and sound quotations from appropriate genre films. Thus a collage derives between triviality and story, between every day life and entertainment industry and shows the patterns of these ÆBRD 1989, U-matic, 14:00, b/w & col. ÆScript Oliver Held

ÆBRD 1986, 12:00 U-matic, col.

GREAT BALLS OF FIRE Leon Grodski Wahrsager umgeben uns jeden Tag. Manchmal tragen sie einen Stab und aufgeplatzte Nähte und manchmal einen Coca Cola Becher gefüllt mit Münzen, um den Weltrhythmus beizubehalten. In diesem verrückten Monolog, zahnlos, hemdlos, voller Lieder und Brüche, spricht ein Mann sich aus wie ein Zeitbarometer. Das Umherlaufen in den Straßen New Yorks, die Folgen der brennenden und einstürzenden Twin Towers, die Bevölkerung in Schock, gebannt von den sich wiederholenden Bildern im Fernsehen, eine sinnlose Realität. Für ihn ist dieses Ereignis keine Überraschung. Es ist Teil des Phänomens, was er von unserer Nation und Welt versteht. Er wartet schon seit langem darauf, dass alle endlich aufwachen. There are soothsayers around us every day. Sometimes they carry staffs and split seams and sometimes it´s a warm coca-cola cup filled with coins used to keep the rhythm of the world. In this mad monologue, toothless, shirtless, filled with song and split, this man speaks out like a barometer of the times. Walking about in the streets of New York in the aftermath of burning and falling twin towers, the public in shock, mesmerized and being fed repeated images on tv, a senseless reality ahead. For him, this event is not a surprise, it is part of the phenomenon that is his understanding of our nation and times. He´s been waiting for everyone to finally wake up. ÆUSA 2001, 6:00, miniDV, col.

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MEDIAARTBASE.DE FROM THE ARCHIVES: GEFUNDENE GESCHICHTEN

DECODINGS

HEADGEAR

Michael Wallin

David Leister

›Decodings ist eine tief bewegende, allegorische Suche nach Identität in den Dokumenten der gemeinsamen Erinnerungen. Dazu benutzt er Bildmaterial aus den 40er und 50er Jahren... Die Suche nach dem Selbst endet in tiefer Bitterkeit mit dem Bild eines Jungen und seiner Mutter am Küchentisch, womit der Augenblick eingefangen wird, in dem Schmerz und Verlust ihren Anfang nehmen‹. (Manohla Dargis, The Village Voice) ›Explodiert mit Buñuels Sinnlichkeit und einer an Hitchcock erinnernden Ironie in der Erzählung...‹ (Doug Sadownick, Los Angeles Weekly) ›Decodings is a profoundly moving, allegorical search for identity from the documents of collective memory. He uses found footage from the 40's and 50's... The search for self ends in aching poignancy with still of a boy and his mother at the kitchen table, catching the moment the marks the dawning of anguish and loss‹. (Manohla Dargis, The Village Voice) ›Explodes with Buñuel's sensuousness and a Hitchcockian narrative irony...‹ (Doug Sadownick, Los Angeles Weekly)

In Headgear geht es um die Symmetrie von Ton und Bild als Kontrast zur Symmetrie des Gehirns. Schwerpunkt ist eine relativ unfertige, ungenaue Meßmethode der hochkomplexen Gehirnmechanismen. Bild und Ton versuchen, das begrenzte Wissen widerzuspiegeln, das wir dieser unscharfen Wissenschaft verdanken. Headgear deals with the symmetry of sound and image in opposition to the symmetry of the brain. The focal point is a relatively crude and inexact method of measurement for the highly complex mechanism of the brain. Sound and image strive to reflect the limited knowledge we have gleaned from this inexact science. ÆGB 1991, 6:00, 16mm, b/w

ÆUSA 1988 16mm, 15:00, b/w

VACANCY

NY - THE LOST CIVILIZATION

Matthias Müller

Dylan Mc Neil

Brasilia, die ›Hauptstadt der Hoffnung‹, ›die letzte Utopie des 20. Jahrhunderts‹ (Umberto Eco), heute konserviert als ›Weltkulturerbe der Menschheit‹. Ein Schauplatz - so alt wie der Filmemacher. Eigene Bilder von 1998 treffen auf Amateurmaterial und Spielfilmsegmente von 1960. Vacancy zeigt den utopischen Ort als einen von Menschen verlassenen; allein Wärter und Putzkolonnen bevölkern ihn wie Statisten. Brasilia, the ›city of hope‹, ›the ultimate utopia of the 20th century‹ (Umberto Eco), today is being conserved as a cultural heritage. It is a spot as old as the filmmaker. Incorporated in his 1998 travelogue are segments of amateur footage and excerpts from feature films shot in the early Sixties. Vacancy describes the utopian location as one abandonned; only guards and cleaning squads inhabit the place like a staffage.

Die anthropologische Studie von NY (ausgesprochen ›NEEH‹), einer Stadt, gebaut auf Rauch. In dieser fremden Stadt werden Müllbeutel gefährliche Objekte, Damen aus der feinen Gesellschaft bilden Straßengangs und ein einziges Wort - fuck - wird als Subjekt, als Objekt und als Verb verwendet. The anthropological study of NY (pronounced ›neeh‹), a city built on smoke. In this strange city, garbage bags become dangerous objects, society ladies form street gangs, and a single word - fuck - is used as subject, object and verb.

ÆD 1998, 14:30, 16mm, col. ÆMusic Dirk Schaefer ÆVoice-over Mike Hoolboom, Jean-Claude Kuner, Ricardo P. de Lima

216

ÆUSA/Monaco 1997, 18:00, 16mm, b/w

WARUM IST ES AM RHEIN SO SCHÖN?

HEY MADONNA

Klaus Telscher

Mike Hoolboom

Es scheint ein Nachholbedarf dafür zu bestehen, den Gefühlshaushalt in Ordnung zu bringen und von etwas zu sprechen, was bisher verpönt oder mindestens lästig war und allenfalls kritischer Aufarbeitung bedurfte. Es handelt sich um Mama und Papa und um das Gefühlserbe der Mütter- und Vätergeneration. Die Erben greifen sich ein Traditionsstück heraus, putzen es spielerisch auf und nutzen es zur Identitätsvermehrung. Nicht eben respektvoll, aber neugierig und lustvoll. Die Kamera zieht von der Wasseroberfläche zurück, die endlos erschien. Klaus Telscher sitzt vor dem Fluß am Steuer seines Autos, eine Schiffermütze auf dem Kopf, das Fernglas umgehängt, und er beginnt, auf die Ansichtskarte zu schreiben: ›Liebe Mutter!- Im Hintergrund steigt Neuschwanstein auf und die romantische Bergwelt der Alpen, und ihm drängt sich ein Lied auf die Lippen: Ein Wind... Kap Hoorn - sei nicht traurig... Ja, Hans Albers ist es, er ist Hans Albers...‹ Die Ansichtskarte geht ab... (Dietrich Kuhlbrodt, in: Frankfurter Rundschau 16.05.1987) There seems to be a demand for emotions to be brought back in order and to talk about something that has so far been considered either forbidden or at least unpleasant, in any event, it was in need of critical examination. It is all about Mom and Dad and that generation's heritage of feelings. The heirs pick out a piece of tradition, playfully polish it up and use it to perpetuate their identity. Not with respect, but with curiosity and pleasure. The camera draws back form the surface of the water, a surface that had appeared endless. At the bank of the river, Klaus Telscher sits at the steering of his car. A sailor's cap on his head and binoculars around his neck, he starts a postcard with ›Dear Mom!‹ In the background Neuschwanstein and the romantic mountains scenery of the Alps rises. A song forces its way to his lips: ›A Wind... Cape Horn... Don't be sad...‹- Yes. It is no other than Hans Albers... he is Hans Albers... the postcard is send off... (D. Kuhlbrodt, in: Frankfurter Rundschau, 16.05.1988)

›Ist Fotografiert-Werden die einzige Möglichkeit, sich dem Tod zu entziehen? Ich erinnere mich an die Videokamera, die du benutzt hast, als wir zum erstenmal fickten. Du sagtest: ›So wird unsere Liebe niemals enden.‹ Jetzt sehe ich dich nicht mehr, nur noch im Fernsehen. Bist du der Grund für die Massenkommunikation? Wurde das Fernsehen erfunden, damit wir uns alle bei dir einschalten können? Dir zuhören? Uns in dich verlieben? Ich weiß, du hebst Gewichte und joggst und alles, aber du siehst einfach nicht mehr genauso aus. Und es ist traurig. Es erinnert daran, was bevorsteht. Was schon in uns ist. Uns auffrisst. Wenn ich gehe, möchte ich wie die Mona Lisa aussehen, mit diesem lustigen kleinem Lächeln im Gesicht. Ich weiß, worüber sie - nach all der - Zeit lächelte. Es ging um den Tod. Das Wissen, wie man stirbt. Am Ende deiner Tage gibt es nur noch das. In den Abgrund schauen und lächeln. Ist es ein Wunder, dass sie auf so vielen Postkarten ist? Genau wie du, Baby. Ich hoffe, es geht dir gut.‹ Jason ›Is being photographed the only way to cheat death? I remember the video camera you used when we fucked for the first time. You said, ›so our love will never end.‹ Now I never see you anymore except on TV. Are you the reason for mass communications? Was television invented so we can all tune in to you? Listen to you? Fall in love with you? It's hard to watch you growing older. I know you lift weights and jog and all that, but you just don't look the same now. And it's sad. It's a reminder of what's coming. What's already inside us. Eating us away. When I go I want to look like the Mona Lisa, with that funny little smile on her face. I know what she was smiling at after all this time. It was about death. Knowing how to die. At the end of your days there's only that. To look into the abyss and smile. Is it any wonder she's on so many postcards? Just like you babe. Hope you're good.‹ Jason

ÆBRD 1987, 18:00, 16mm, col. ÆWhy the Rhine area is so pleasant? ÆActors Marianne Lohmann, Dagmar Boarding, Klaus Telscher, Hans Joachim Hofmann.

ÆKanada 1999, 9:00, 16mm, b&w

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LIST OF TITLES 48 130 137 69 71 60

# 37 03/28/2009 2,5mgo 2:48 minutos con la puerta 4 5 lessons and 9 questions about Chinatown 179 The 52 Card Psycho 39 7ATHENS 24 214 214 92 212 62 134 72 145 87 158 59 215 125 129 132 112 187 141 213 156

A Die Angst die Macht die Bilder des Zauberlehrlings a.k.a. (also known as) Aanaatt Actions in Action Adieu Mon Général Affection Rejection Reflection Afterimage: A Flicker of Life Aids in Europe Airport Tunnel Akousmaflore All Restrictions End Alles wandelt sich Alright (cos nothing is alright) Am Sonnenberg Amourette An Introduction and Survey of Tambellini's Lifetime Art-Work An-archic device Ana Art Moderna Cha Cha Cha Augen zu Basel

B Bang Out La Barca Based On A True Story Bastard Beine Brechen (Breaking Legs) Beyond The Roundabout? Bilocatia / Bilocation The Bir(d)th, a.k.a. die schudas... Black IS Black On Black Black Oval White Black Plus X Black Rain Black Trip 2 Black Trip1 Black TV Blackout Blast bolzplatz Brandt Brauer Frick - Bop Bridges and Balloons Brises (Waves) Brüder und Schwestern, ein Gedenken 94 Burlesque

85 88 128 148 64 61 214 180 113 113 44 115 40 114 114 115 114 148 146 83 84 98 134

170 83 212 154 51 149 46

C Cadavre Exquises Vivantes Cake Song Calling 911 CaramCollage Carbon Dating Angels CarvelLCD Casting

218

129 47 123 142 72 138 44 98 45 44 145 66 99 212 192 73 135 155 97 81 96 132 41 216 178 210 97 124 97 169 116 122 203 207 212 143 70 131 214 153 211 159 47 53 96 215 215 78 102 148 139 49 145 146 209 127 64 59 96 197 39 165

Catafalque Centipede Sun Chances Christiane stinkt Chromatic Frenzy Chytte ho! Ciudad Sin Titulo (inside) Cocais, The Reinvented Town The Collagist Collision of Parts Colorstoxx Cómo dibujar animales tristes... Contre-jour A Conversation (about work) Creative Comments Creature from the Black Lagoon Crude Carrier

127 Ferment 142 Festival II 63 Film für übers Sofa 210 Flamingo’s Blow 211 Flies 210 Flying Trunk 176/196 Frontiers – You’ve reached the Fortress Europe

G 213 Geburt der Neuzeit 68 Geschichten aus der Heimat (Homestories) 84 Geschichten von Leuten die vor Züge springen 159 Global Co. 211 The Gods Love Those... 143 Gold 188 The Grand Defender D 84 Les Grands Chevaux D.O.A. – recomposed 215 Great Balls of Fire Dager av kjærlighet (Days of love) Das ist sehr gut (That is Very Good) 69 Great Man and Cinema 173 Greenhouse The Day We Surrender to the Air 198 Guitar Heroes und Misheard Dead SEEquences Lyrics... Dear Adviser Decodings H Default to Public – Tweetleak / 98 Hamlet Tweetscreen 45 Haut der Dinge (Skin Of Things) Delirium 216 Headgear Den Fremden lange anstarren 65 The Healers Destroying Sulukule 142 Der Heiland ist geboren Dialogos 135 Der Herr der Lage Dies ist keine Übung 217 Hey Madonna A ›Digital Triptych‹: -1 56 Holding Still Dirk & Thomas 1-17 & 20 60 The Homestead Act Do It, but do it again! 83 Las Horas (The Hours) documenta Archiv Kassel 133 Hybris Dog of my Dreams Dolce Vita I Don't Bogart That Joint 81 I Know Where I'm Going Doors 47 I stare boiling Drama, Strings and Horns 213 Idiot`s Brew DSW 74 If There Be Thorns Durch den Wind 146 Import/Export Durchgang 117 Inauguration ‘81 Dusk 67 The Interpreters 128 Inside Out E 57 Les invisibles East Man 147 Irratio Echoing Spaces 70 Isabelle Huppert Secret Thoughts Eisenkuss 73 It Came From Outer Space Das eiskalte Auge 95 Ivo Burokvic… Elastic cord playing Electromedia: On Impermanency J Elien 152 Jetzt ist wichtig Embrace 82 Jewish Revenge Erie 143 Jimmy ... Adja (Bulgariwood) European Air Traffic 126 Jukka European Languages European Media Art Festival K Even Losing You 75 Käfig Everybody 141 Kalimba The Exception and the Rule 141 Kashmir 208 Kasseler Dokumentarfilm- und F Videofest F@©k That 124 kleine Brötchen Die Fähigkeit zu hören 137 Kleingarten Fear Chamber 141 Klöppel Feierabend

155 Die Kneipe 200 Kurt Schwitters - Leben und Werk 99 97 55 42 137 91 172 131 160 71 80 93 153 211 132 89 68 130 116 76 166 194 70 48 50 204 161 46 89 123 147 79 115 151 135 195 122 175 131 97 55 68 138 95 177 57 201 136 151 52 65 85 157 98 202 216

L Lady of Souls Lapsus (Slip) The Last Happy Day Lay Claim to an Island Le chant de l’arbre Let Each One Go Where He May LightHouse Little Johnny discovers Lokal-Global Long Live the New Flesh Looking for Apoekoe LoopLoop Loose Connection Lovehotel Lumière M M M for Mommy Make-Down March 27, 1980 8:00PM–1:00AM Mark Mash Up and More The Mash Up Phenomenon Mashed Up Radio Materia Obscura Me, Myself and I in the Age... Mediaartbase.de Medienwerkstatt der Generationen Mekanisk Organisk Memory Fade Miracles Monitoring and Visualizing Last.fm Monuments Moonblack Mörderball Mountain-Water-Painting Movies Meet Games Mum’s lunch Music From The Masses My Baby My Dear Grandma My Mother and Her Portrait N Nacht um Olympia Nachtschatten Naufrage Neophonie Nesnáším... co? (I hate...what?) Netzkonzepte der Zukunft A New Ecology for the Citizen of a Digital Age Nicht auszuschließen dass er tot ist Night Nii pikk (So long) No place like home Non visual film Nous (Us) Nova-Kino: Die Geschichte der filmischen Agit-Prop NY - The Lost Civilization

129 152 140 74 66 146 183 41 74

O o.t. für Fokko Octaves Tag Ohne Titel Oops Wrong Planet Oral History Organ-Union Ornament Otchajanie (Despair) Ottana

94 88 138 70 93 149 40 92 72 99 145 148 186 63 133

P Painting Paradise Palmes d´Or Parade Les Paraparapluies Passenger PDE_Lubanoise Perceptual Subjectivity Phone Tappin Pin-Ups In 3D Point of Departure PolyEurope Pong Proximity (Bubble Version) Psycho-analýza (Psycho-analysis) Ptak (Bird)

Q 133 Q (2nd cut 09) 142 Qubia 71 Quiero estar el resto de mi vida contigo 210 78 66 46 95 100 118 97 36 87 212

R Radio Image Real Snow White Red Herring redshift Rehab Der Reisende Festivalzirkus Retrospektive Aldo Tambellini Rif (Reef) RIP: A Remix Manifesto Robosonic - Sprachfehler Ron & Leo

211 41 82 51 78 124 43 96 68 93 136 38 210 143 99 154 213 171 87 126

S Salve Nostradamus! Scene 32 Schlafende Füchsin schutzfilm - Thaumatrope Sic Transit Side by Side Silent Elections Sinus Aestum Sisäinen lähiö (Suburb Within) Six Easy Pieces Skyggen Slap! The Gondola Sleeping Car Smoke Gets In Your Eyes Snakes Soundness A Spy Starry Starry Night Static Stimme der Lücke

92 45 71 162 134 123

Strange Lights Stretching Suspended Animation Synchronisator Synchronisation Synchronization

168 69 85 61 134 157 54 90 174 125 191

T The Table Turning Tatitude Telarañas They Come They Go (25th frame) Tolygiai tolydziai Transducers Tree of Forgetting Trees of Syntax, Leaves of Axis Tri-ger Troy von Balthazar: CATT Two Dogs Watching

38 67 42 122 40

U Un merci lointain Untitled - Hypno Project Untitled [Two Guys] Untitled #44 Utopía

156 216 163 139 164

V v+ - Expanded Timecode Vinyl Vacancy VIDEOLOOPMACHINE Viola: The Traveling Rooms... Volker Winck Quartett

127 199 130 86 99

W Walking on the Seashore II A Walk With Nigel Warden Sprites Warum ist es am Rhein so schön? Way Fare WDCE (Words don’t come easy) We Don't Care About Music Anyway Westcoast What-if? Beyond a Carnalove Where's Your Head At While Awake (Behakitz) White Boy from the East White Shoe Station Who lives in my head? Wie das Gefäss läuft es aus Wie ich lernte, den Grossen Augenblick der Erkenntnis... Windschief WJ-S Words Words Wound Footage

210 155 65 206 138 149

Z Das Zauberglas Zeit-Träume Zeitriss ZKM | Institut für Musik & Akustik Zwei Welten Zwirn

52 53 184 217 80 149 58 94 79 86 139 80 54 126 136 182

219

LIST OF AUTHORS

211 147 148 73 149 45 98 84,122 96 169 146 168 93 195 141 170 97 156 135 54 202 83 94,170 136 89 174 215 79 68 59 98 65 171 84 214 172 96 93 130

A Achituv, Romy Adjei, Christopher Aghabayans, Tatevik Arnold, Jack B Balzien, Alex Bartels, Thomas Bartos, Andres Amory Basler, Henning Battey, Bret Beck, Heiko Behm, Stephanie Bellinkx, Ruben Bergeron, Patrick Bhatty, Michael Bielinski, Joanna BitteBitteJaJa Blay, Marta Abad Bohatsch, Jonas Bolewski, Christin Boord, Dan Boswell, Mark Brandt, Daniel Braun, Ulu Briz, Nick Brown, Carl Brutmann, Sirah Foighel Bunne, Egon Burns, Torsten Burz, Curtis Butler, Brad C Cardoso, Ines Casalprim, Quimu i Suárez Chen, Yun-Ju Clerté, Joris Cmielewski, Leon Coeckelberghs, Luc Conrad, Oliver Croma, Robert Czogalla, Philipp

D 213 de Bemels, Antonin 212 de Bruin, Jan 74 De Clercq, Anouk 99 De Inimas, M. 85 de la Cruz Chavez,Alejandra 70,163,173 Demming, Stefan 123 Denniberg, Lindsay 68 Diekman, Kristine 214 Distel, Herbert 80 Doing, Karel 196 Donovan, Adam 39 Draeger, Christoph 89 Dufour-Laperriere, Felix 58 Dupire, Cédric 95 Durand, Clorinde 174 79 82 141

220

E Efrat, Eitan Entwistle, Redmond Epstein, Amit Ermann, Sabine

40 140 49 211

Estupinyà-Garcia, Estela Etten, Jonas Everson, Kevin Jerome Eycken, Pieter

135 210 69 131 67 99 145 129 83 157 175,203 88 133,137 87

F Fendrich, Pascal Finch, The David Finn, Jim First, Or Fishbone, Douglas Fleisch, Thorsten Fluck, Dina Franke, Kristin Freixes, Gerard Friedrich, Verena Fritsch, Matthias Fruhauf, Siegfried A. Funk, Gerhard Funk, Tyler

123 36 132 40 154 66 66 99 215 210 176,196 151 197 47 215 44 87 214 214 96

G Gaudin, Dorian Gaylor, Brett Gehrig, Maja Gerhardt, Joe Gerken, Daniel Ginard, Pere Gines, Laura Girardet, Christoph Glatzel, Matthias Goff, John Gold extra Gosejohann, Thilo The Grand Defenter Grecu, Mihai Grodski, Leon Gruffat, Sabine Gruss, Robert Grzinic, Marina Guyer, Peter Guzman, Antonio Jose

213 59 138,153 143 146 212 196 135 75 86,92 46 98 53 66 141 94 196 147 155 136 76,217 130 87

H Hada, Akiko Haeri, Reza Haering, Jan Haffke, Gerald Hahn, Sonja HalfLifers Hammerle, Tobias Härpfer, Bernd Hartmann, Philipp Hattler, Max Helmchen, Rocco Hems, Olivier Henderson, Louis Herbst, Nico Hillebrand, Nils Hlali, Barbara Hobmeier, Georg Holland-Cunz, Nils Hommerich, Klaus Hong, Min Eui Hoolboom, Mike Hübner, Maurice Hugo, Vitor

139 Hung, Shih-Ting 212 Husain, Oliver 211 Hutter, Robert I 39 intothepill 142 40 46 44 55 99 149 69 210

J Jaehde, Stefanie Jarman, Ruth Jaunay, Gaelle Jiménez, Pedro Jiwarangsan, Chaisiri Jolley, Paddy Jung, Il-Ho Jurado, Andrés Jürgens, Ernst

52 66 80 84 41 201 75 42 146 126 92 51 96 152 146,148 84 152 149 88 211 97 51,63 160f. 64 155 125 214 58 70,177 50

K Kalantary, Farhad Kamensky, Volko Kantor, Istvan Karlson, Pauline Kaul, Shambhavi Keiper, Jürgen Kels, Karl Kennedy, Chris Kern, Cesalie Kim, Sunjha King, Joe Kiteley, Robin Klainguti Gian Klais, Johannes Klein, Denis Klotzek, Anne Kluger, Max Köhler, Christoph Köner, Thomas Konopka, Barbara Köperl, S. Kötter, Daniel Kraut, Karoline Krautkrämer, Florian Król, Andrzej Kromer, Jonathan Krüger, Gunter Kuentz, Gaspard Küntzel, Tilman Kutschker, Thomas

72 61 158 99 92 145 216 87 38 127 40 145 153 65 143 134/136

L Laitala, Kerry Larkin, Nicky Lasserre, Grégory Le Cain, Maximilian Lee, HeeWon Navi Leistenschneider,Kirsten Leister, David Leitl, Florian Lenglet, Jean-Baptiste Leo, Maximilian Léonard, Philippe Leu, Alexander Leube, Dominik Leyendekker, Tim Linke, Sebastian Lippard, Hanne

45 38 71 138

Lockhart, Amy Losier, Marie Lumby, Billy Lyet, Pierre-Emmanuel

86 97 67 127 212 79 210 216 41 74 210 158 96 133 59 143 128 62 71 212 138 64 210 125 215 99,216 122,133 41

M Machacek, Jan Magnusson, E. Maier, Johannes Maria, Ioann Markiewicz, Lily Martin, Darrin Maziere, Michael Mc Neil, Dylan Meessen, Vincent Mele, Pietro Melhus, Bjørn met den Ancxt, Anaïs Miller, Dennis H. Minsel, Martin Mirza, Karen Mladenov, Vladimir Mock, Sarah Montini, Muriel Moreno, Manuela Mortimer, Roz Mosler, Eike Mott, Jessie Moumblow, Monique Mueller, Daniel R Mühlenbrock, Heiner Müller, Matthias Münnich, Eva Myznikova, Galina

84 47 53 52 166

N Nagel, Chris Nakajima, Yusuke Neubacher, Christian Nishimura, Yoshiki Nöring, Hermann

61 47 151,154 200 69 142

O Oicherman, Boris Olaf, Erwin Opel, Harald Orchard, Karin Ostrovsky, Vivian Otto, Christoph

126 139 78 83 87 157 42 97 159 152 54 162 196 71

P Paiva, Margarida Pardo, Reut Park Byounglae Pascual, Pilar Peter, Kristina Petrovic, Ana Pfeifer, Mario Pikkov, Ülo Polak, Joanna Porsche, Tina Preibsch, Sara Prins, Gert-Jan Prlic, Sonja Provost, Nicholas

129 152 98 145 170 48 146,149 64 147 48 93 179 198 122 56 194 127 81 74 141 199 187f. 85 192 91 55 90 78 134 71 99 83 68 132 158 130 80 128 68 87 83 70,143 125 145 133 197 155 156 180 137 143 63 94 60 213 138 213 46 214 183 184 70 123

R Rainer, Christoph Rambeck, Guido Ramirez, Enrique Rau, Christian Rauschmeier, Roland Reble, Jürgen Reimann, Lisa Reinke, Steve Reitheimer, Ingo Rekveld, Joost Reynolds, Reynold Rhodes, Geoffrey Allan Richard, Birgit Riebel, Stefan Riegel, Florian Rintakumpu, Lasse Risch, Daniela Rivers, Ben Robinson, Michael Rodday, Björn Roquigny, Anne Rosenberger, Tobias Rosto Rotert, Alfred Russell, Ben S Sachs, Lynne Saïto, Daïchi Saiz, Manuel Sakalauskas, Rimas Salier, Edouard Sanchez, Oriol Sárkány, Claudia Sassi, Pekka Scachioli, Fabio Scenocosme Schäffer, Laura Schedelbauer, Sylvia Scheyda, Yaschar Schierhorn, Timo Schierwater, Sebastian Schleef, Julian Schleicher, Harald Schmidt, Adrian Schneider, Christoph Tim Schnell, Florian Scholz, Malte Schöning, Friedrich Schroeder, Janis Schuda, Susanne Schulte, Joanna Schwarz, Michael Seidl, Hannes Shore, Tim Silver, Shelly Silver, Suzie Šima, Boris Smart Cursor Produktion Smedstad, Ivar Smid, Aina Sokolova, Anna Sonntag, Jan Peter Speer, Christina Spong, Daryl

145,148 214 97 51 186 129 44 87 82 57 152 63

Stahl, Kersten Starrs, Josephine Steegstra, Eric Stocks, Samuel Stracke, Caspar Strackholder, Arne Enno Street, Mark Strehlow, Nils Ströer, Ute Stuyck, Lennart Sunter, Cengiz Švarcová, Barbora

78 113ff. 139 151 217 65 100 57 124 85 126 145,148

T Takala, Pilvi Tambellini, Aldo Tanner, Josh Tebbe, Karl Telscher, Klaus Tenusaar, Andres Tepe, Holger Ther, Mark Topaloglu, Zafer Transforma Trousse, Emmanuel Tschense, Tobias

124 54 162 43 95 132 134 45 142 135 81

V Valamanesh, Nassiem Valdovino, Luis van Koolwijk, Bas Vanagt, Sarah Verbunt, Camille Verschueren, Benno Viets, Enrico Vogel, François Vogt, Danilo von Moos, Antshi Vrba, Jakub

211 216 191 137 100 95 211 123 131 97 132 60 178

W Wallace, Linda Wallin, Michael Wegman, William Werth, Elsa Westendorf, Reinhard Wiersbinski, Paul Wilde, Danielle Willard, Josh Wilson, Benjamin Winkler, S. Woegerer, Lukas Woloshen, Steven Wunderling, Jens

Y 142 Yaseen, Saad 159 Yoo, Keosang 97 196 131 146 124

Z Zaramella, Juan Pablo Zechenter, Karl Zhang, Moyi Ziggert, Jörg Zilz, Marcus

221

EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL OSNABRUECK 2011 27. April - 1. Mai 2011 Ausstellung 27. April - 22. Mai 2011